El Cine Que Vivimos Peligrosamente

Crítica La Chispa de la Vida: Tan sugerente como incompleta

2012-02-14T00:35:00.000+01:00

5,5/10

En el actual panorama cinematográfico tener un marcado estilo que te diferencie del resto no es un mero capricho circunstancial; significa ser fácilmente reconocible por un grupo de espectadores que se van a sentir identificados con tu modo de entender el séptimo arte y que, por ende, van a apoyar tu obra incluso cuando el ingenio desfallezca. Naturalmente, cuanto más nutrida sea esa comunidad de incondicionales, mayor proyección tendrá la carrera profesional del cineasta. Álex de la Iglesia es un ilustrativo ejemplo de cómo, aún detentando un carácter creativo que podríamos catalogar como 'complejo' para el gran público, conseguir hacerse un hueco entre los realizadores españoles más respetados del país gracias al entusiasmo de su legión de adeptos cinéfagos.
Puede que por este motivo sienta un especial respeto por la figura de De la Iglesia y lo que su cine representa, aunque no comparta parte de los preceptos en los que se basa. Hoy día nadie puede dudar del talento del director vasco y su visionaria capacidad para trasladar a la gran pantalla un intenso imaginario personal alejado de cualquier otro autor contemporáneo, no obstante, su irredento gusto por la desmesura, por los giros dramáticos 'vodevilescos', por el histrionismo de sus personajes o por esa cierta apariencia de teatralidad que inunda sus obras, termina por suscitar una perceptible antipatía por parte de todos aquellos que no hayan aceptado religiosamente el culto a su cine.
En su anterior película, Balada Triste de Trompeta, todos los rasgos apuntados se conjugaban en una poderosa vorágine visual con una historia que se prestaba a ello, de modo que la experiencia podía ser relativamente gratificante para el espectador; sin embargo, el contexto en el que se desarrolla su nueva película, La Chispa de la Vida, provoca que el exceso tragicómico de De la Iglesia ahogue una brillante premisa argumental de posibilidades dramáticas infinitas. La historia de un hombre desesperado por un dilatado periodo en paro que se convierte por unas horas en una estrella mediática internacional tras caer accidentalmente del andamio de un teatro romano en reconstrucción y quedar postrado con una barra de metal atravesada en su cabeza sin solución posible, nos sumergue en un intenso drama en el que se entrecruzan el morbo voraz de una sociedad entregada al espectáculo, la hipocresía y el oportunismo de los líderes políticos, el dolor de una familia que presencia cómo la vida su marido/padre se desvanece ante los ojos de millones de espectadores, y la determinación de un hombre por tener su minuto de gloria tras una vida de fracasos en la que cree no haber realizado nada reseñable.

El punto de partida es sensacional, más aún en un momento histórico para nuestro país en el que los níveles de tolerancia de la ciudadanía están alcanzando límites insospechados por una crisis que cada vez parece más una estafa que una realidad. Sin embargo, De la Iglesia no consigue adoptar el tono adecuado para desarrollarlo, adolece de esa chispa de destreza necesaria para hilvanar una sucesión de hechos sobre los que nos arroja de forma brusca y apresurada, sin un mínimo de coherencia interna que explique el modo por el que hemos llegado hasta ese teatro romano (localización, por otro lado, muy oportuna para insertar la inmortal metáfora del 'pan y circo') donde se desarrolla buena parte de la trama. Una vez allí, el dibujo de los personajes se caricaturiza de un modo peligroso, configurando un coro de máscaras grotescas que obedecen a simples patrones de buenos y malos en el marco de un espectáculo extravagante conducido entre arrebatos esquizofrénicos e instantes con una evidente falta de ritmo.
Las interpretaciones de sus protagonistas, por otro lado, no consiguen franquear la frontera que impone esa vaga sensación de irrealidad que impregna la trama. José Mota, aunque con un talento sobresaliente también para el drama, no deja de parecer algo forzado en la mayoría de las escenas de la película, mientras que Salma Hayek parece estar más entregada a una rídicula lucha contra su acento gringo que a su papel como la doliente esposa del accidentado. El resto de actores componen una variopinta tropa de freaks muy del gusto de De la Iglesia que flaquean en cualquier intento de parecer creíbles.
La Chispa de la Vida es una película decepcionante sobre una historia brillante dirigida por un director con cierto aspectos geniales pero tendente a derivas autodestructivas. Hay detalles en la película que resultan de gran interés y que incluso consiguen matener la atención del espectador durante los 90 minutos de su metraje, pero finalmente el poso dejado es el de una experiencia fílmica incompleta, tan sugerente como insatisfactoria.

Critica Una Separación; Religión, Política y Justicia

2012-02-13T12:27:00.002+01:00

9/10

La categoría de Mejor Película Extranjera en los Oscars de 2012 tienen un dueño claro, al menos a priori. Si la política y las relaciones diplomáticas entre Irán y Estados Unidos no empañan un triunfo que se huele a kilómetros nadie podrá evitar que Nader y Simin: Una Separación se corone como la mejor cinta de habla no inglesa del año.
Con un ritmo constante y un brillante guión, Una Separación posee las reminiscencias necesarias para ser heredera del cine de Kiarostami e, incluso, de aquel clásico norteamericano llamado Falso Culpable dirigido por Alfred Hitchcock. La diferencia radica en que aquella no pasaba de la simple narración del calvario al que se ve sometido un Henry Fonda angustiado por algo que, presuntamente, no había hecho mientras que Una Separación se mueve entre los terrenos de la realidad social, la religión y las costumbres de un país desconocido para los occidentales. Irán, para los que residimos fuera de sus fronteras, posee la figura presidencial herética que constituye su presidente, un Ahmadineyad al que nunca eschuchamos hablar de nada distinto a la guerra nuclear con Estados Unidos.
Desprestigiar esta obra en los Oscars por otra inferior sería toda una ofensa a los amantes del cine. En Una Separación no se nos muestra el día a día de una familia a la que le cuesta dar de comer a sus hijos. No hay desierto ni planos que conlleven al tópico de lo que siempre observamos en Oriente Medio. Aquí la realidad es totalmente diferente. Una familia bien posicionada socialmente que contrata a una joven para que cuide al padre del marido, enfermo de Alzheimer, y que acaba llevándolos a una situación límite en la que nadie actúa como realmente aparenta.
Una Separación es la historia de un divorcio y de las consecuencias que trae la disolución de la unidad familiar. Lo vemos a través de los ojos de la hija, una joven adolescente que protagoniza una secuencia final digna del mejor cine que nuestros ojos hayan visto, cuando se ve obligada a elegir entre su padre o su madre cuando el divorcio se consume definitivamente. Hasta ese final tenemos una película muy bien dirigida por Asghar Farhadi y con unas líneas de guión que fotografían las costumbres de una religión y una sociedad marcadas por el Corán y sus enseñanzas.
La riqueza de la película está en contemplar cada una de sus escenas en versión original. Cualquier atisbo de doblaje empañará todos los sentimientos que florecen en todos los actores protagonistas, en un reparto exquisito a la altura de las mejores películas de los últimos años. Un palmarés envidiable otorga a la película el status que se merece al no tener una competidora clara y diáfana.
No sobra ni falta ni un solo plano en la película. Todos tienen una significación que servirá para cuestionar las propias convenciones religiosas y políticas de un país que merece mucho más en su cine que el conocimiento del considerado como único cineasta iraní, un Abbas Kiarostami del que Una Separación bebe a la vez que lucha por marcar las distancias.
Una obra maestra de nuestro tiempo que debe ser reivindicada constantemente. Eso es Nader y Simin: Una Separación.

La Otra Crítica; War Horse (Caballo de Batalla)

2012-02-12T13:00:00.000+01:00

4/10

El director de obras maestras como La Lista de Schindler, Salvar al Soldado Ryan o la trilogía de Indiana Jones nos trae la adaptación de un cuento infantil sobre una historia de amistad entre un joven inglés y su caballo, el cual se merienda interpretativamente a todos sus compañeros de reparto. A medida que transcurría el metraje, la sensación que inunda a un espectador acostumbrado a ver las obras de Spielberg, el Rey Midas de Hollywood, es la de si es capaz de dirigir mejor a niños o a equinos. Parece que por ambas partes, su labor como director es encomiable. Su uso y manejo de la cámara es algo que resulta inaccesible para muchos cineastas, noveles o veteranos. Steven Spielberg ha sido un gran potenciador de las imágenes que utilizaba para contar sus historias. Hasta este momento.
Pero el realizador se ríe constantemente del espectador mientras contempla un ejercicio que se acerca peligrosamente a la zoofilia. Surrealista es la secuencia de la separación entre el adolescente y su caballo, el cual parte irremediablemente hacia un destino incierto pues la Primera Guerra Mundial acecha y asola Europa. Caballo de Batalla viene definida como una película bélica pero las secuencias en los frentes no alcanzan los niveles deseados por el espectador acostumbrado a la intención narrativa del director y pueden resultar un tanto impropias de un cineasta de la calidad técnica y narrativa como es Steven Spielberg.
Si tenemos que destacar algo positivo de la película, que por supuesto que lo hay, es sin duda ninguna su banda sonora y su fotografía. Dos nombres propios, colaboradores de Spielberg desde hace décadas, son los que se prestan a darle el toque de calidad que le falta a una película que aburre soberanamente desde el primer minuto de metraje. John Williams con su épica partitura, un sonido bello que acompaña los bellos parajes que la cámara de Spielberg retrata con maestría. Una cámara iluminada por Janusz Kaminski, un portentoso fotógrafo que se verá las caras con el otro gran favorito en los próximos Oscars, Emmanuel Lubezki y su El Árbol de la Vida.
Caballo de Batalla posee la dulce mezcla pastelosa que existe en el ejercicio de cruzar E.T. El Extraterrestre con Salvar al Soldado Ryan. Y es que cuando a Spielberg le da por contar historias que se presuponen humanas y emotivas le salen pasteles excesivamente edulcorados que se acaban convirtiendo en fracasos, olvidos o experimentos fallidos. En esta ocasión, visualmente, el director es capaz de hacer vibrar a ciertos espectadores con una historia en la que ha dejado de lado el uso de los efectos especiales y decide mostrar una realidad tal y como es. Sin embargo, el metraje adolece de un guión falto de contenido y en numerosas ocasiones rozando el surrealismo más absoluto. Tendemos muchas veces a sobrevalorar el trabajo de aquellos que consideramos como “grandes del cine”. Sin embargo, la única forma de evitar que ejercicios de broma como éstos se repitan es reflejar todos aquellos aspectos negativos que consideramos injustos. Sus seis nominaciones a los Oscars, a excepción de las dos candidaturas referidas a Banda Sonora y Fotografía, resultan casi un despropósito. Por tanto, merece la pena olvidar una de las peores películas rodadas por Spielberg y esperar ansiosos que llegue Lincoln, un proyecto en el que se puede lucir como director y narrador.
Tengo sensibilidad, lloro y me emociono con obras hoy inmortales, tremendamente lacrimógenas y humanamente emotivas. Pero no aguanto las bromas pesadas en una sala de cine.

Crítica The Turin Horse; Magistral agónica desesperación

2012-02-11T16:00:00.000+01:00

5/10

A partir de una premisa más que interesante sobre una anécdota que sucedió en los últimos años de vida del filósofo Friedrich Nietzsche, el cineasta húngaro Béla Tarr se agarra a su propio estilo para conjugar los elementos de su cine en un experimento tan tedioso como magistral. Tarr demuestra como crear tensión e interés en el espectador consecuente con la película que ha escogido para ver. Indudablemente, El Caballo de Turín no es una película para todos los públicos. Absténganse amantes del cine comercial, de acción, de intriga o de comedia. The Turin Horse no es ni tan siquiera un drama sino una dramatización de la soledad y la angustia del ser humano. Ese prólogo del que hablábamos realza una anécdota muy curiosa que nos narraba como Nietzsche se abrazó al cuello de un caballo que estaba siendo maltratado por su amo. A partir de ese momento, el filósofo alemán vivió recluido sin escribir ni una sola línea más de su pensamiento y al cuidado de su familia.
De repente, cuando esa voz en off que nos cuenta esta mágica historia se apaga, vemos un plano secuencia en el que seguimos a un caballo y su dueño, subido en un carro. La escena, con una banda sonora hipnótica y absorbente, sugiere que estamos ante una obra desigual, distinta y que asistiremos a la narración de que sucedió entre el autor del concepto de “superhombre” y aquel equino maltratado.
Pero nos encontramos en la más pura y absoluta soledad. La película, rodada en blanco y negro, es desasosegante por momentos. Contando los planos que posee la película, las cuentas se nos redondean en la cantidad de treinta. Tres decenas de planos es solamente lo que utiliza Béla Tarr para contar su impresión sobre la soledad, la muerte y el inevitable destino del ser humano. El Caballo de Turín tiene una duración total de 148 minutos, los cuales se hacen tremendamente tediosos y cansados si no poseemos la mente abierta y si no conocemos algunos detalles sobre la realización de una película tan magistral como desesperante.

Béla Tarr no conoce el término “ritmo” a la hora de rodar. Su obsesión por recrearse en la situación del espectador en el plano le lleva a filmar una sola secuencia en unos diez, quince o hasta veinte minutos. Los planos secuencia que nos encontramos a lo largo del metraje son tan bellos como exasperantes. Proporcionan la continuidad y el realismo a la imagen que la ausencia de guión provoca. Hasta pasada casi media hora de la acción no habla absolutamente nadie. Hay desesperación entre los dos protagonistas ante el devenir de su destino como en el espectador por conocer qué es lo que sucede realmente ante sus ojos,

Sin embargo, a medida que van transcurriendo los minutos, el espectador más impaciente comenzará a sentir la ferviente necesidad de que le expliquen aquel esquema lógico de la narración que se convierte, viendo The Turin Horse, en algo mágico. Un planteamiento, un nudo y un desenlace que parecen no llegar jamás y que no justifican el exceso de imagen y la ausencia de narración, diálogo o palabras que constituyan una verdadera relación con el espectador. La película es apta para espectadores que gocen con ejercicios de estilo que les hagan sufrir como personas y como seres humanos. El cine, de vez en cuando, posee la lírica capacidad de hacer pensar sobre aquello que consideramos esencial y jamás nos paramos a cuestionar.

Crítica Caballo de Batalla: El buen oficio de Spielberg

2012-02-09T16:30:00.000+01:00

7/10

Tras casi 40 años de exitosa carrera cinematográfica hoy día nadie puede dudar de la admirable capacidad de Steven Spielberg para narrar historias sencillas que apelan directamente a los sentimientos del espectador. Puede que sea una habilidad natural, o quizás una práctica perfeccionada con el tiempo, pero el hecho es que Spielberg siempre halla la forma de emocionar y entretener a partir de una preciada fórmula fílmica en la que la propia historia, el carácter entrañable de sus protagonistas o cierto espíritu juvenil de aventura desempeñan un rol trascendental. Podríamos concluir que ese es precisamente el signo distintivo de un director que, con sus 66 años, continúa inmerso en un proceso creativo que no ha sabido desprenderse de sus orígenes, sujeto a una perpetua reinvención que nos remite a un ingenio vivaz y a una mente visionaria de evidentes tintes fantásticos.
Con esta apresurada descripción conjetural de la naturaleza como director de Spielberg, nos resulta más sencillo introducir su última película, Caballo de Batalla, adapatación de una novela infantil homónima del escritor británico Michael Morpurgo y trasladada posteriormente al teatro, que trata la estrecha amistad entablada entre un joven campesino inglés y su caballo. La historia basa parte de su encanto en la sencillez emocional que la inspira, un elemento que no ha de obviarse a la hora de enjuiciar una película que, más allá de aspiraciones academicistas, se centra en la tarea, por otro lado compleja, de trasladar ese poderoso vínculo afectivo entre Albert Narracot y Joey.
Muchos argumentarán que la película de Spielberg está excesivamente edulcorada y resulta inverosímil, y en cierto modo no carecen de cierta razón, sin embargo lo que el director norteamericano nos propone es una suerte de contrato de credibilidad a partir del cual nos narra una hermosa historia de amistad susceptible de vencer al tiempo, las fronteras o incluso a la guerra. El espectador advierte cómo los destinos del muchacho y el caballo se entrelazan de forma prodigiosa, desde que el padre del primero, un granjero alcohólico traumatizado por la guerra en Sudáfrica (Peter Mullan exhibiendo una vez más su poderosa y veraz presencia en pantalla), decide disputar al caballo al cacique de la region en una subasta entre orgullos heridos, hasta su reencuentro en las trincheras francesas de la Gran Guerra tras transitar en paralelo por los caminos inescrutables de la vida.

Entre medias, la acción se focaliza en las aventuras y desventuras de Joey, tejidas en una sucesión de historias y personajes secundarios con la guerra como telón de fondo. Este modo de narración fragmentada imprime una pertinente agilidad a la trama, la cual adolece de una duración quizás excesiva, y enriquece al mismo tiempo una historia repleta de matices y magistralmente hilvanada tanto por el guión de Richard Curtis (amplio conocedor de estos recursos narrativos como director de Love Actually) y Lee Hall (quien firmó el libreto de la excelente Billy Elliot), como por la elegante realización de Spielberg tras las cámaras, convenientemente respaldado por una factura técnica impecable en la que sobresale la fotografía de Janusz Kaminski y la banda sonora del inigualable John Williams.
Lo cierto es que la película, aunque su temática pueda remitirnos a la típica historia norteamericana de amistad y superación asombrosa de obstáculos, detenta un marcado estilo británico indispensable para que los ambientes y personajes resulten verosímiles. De hecho, la mayor parte de los actores son ingleses (tal y como se demuestra en su destacado acento, por lo que resulta fundamental ver la película en versión original), desde el joven Jeremy Irvine, hasta un largo etcétera de grandes intérpteres como Emily Watson, el citado Peter Mullan, David Thewlis o Benedit Cumberbatch (el flamante Sherlock Holmes televisivo de la BBC).
Caballo de Batalla es una película entrañable que trata de la amistad como un vínculo emocional demasiado poderoso como para atender a razones lógicas. Albert halla en Joey, su caballo, la paz y la compresión que nunca tuvo en un padre ausente, al igual que Elliot la encontró en E.T el extraterreste. Sólo así puede entenderse la carga emocional de la historia, y sólo así se puede empatizar con ella obviando la verosimilitud de los hechos narrados. Spielberg es, en este sentido, un realizador superdotado y ello se plasma en una trama entretenida y de tintes épicos para todos los públicos.

Crítica Moneyball; Épica y pundonor deportivo a la americana

2012-02-03T20:13:00.000+01:00

6/10

Hoy día nadie duda del peso que ha cobrado el guionista Aaron Sorkin en el panorama de la industria hollywoodiense. Ganador del Oscar el pasado año por su adaptación a la gran pantalla del libro de Ben Mezrich, que dio lugar a la película de David Fincher La Red Social, cada uno de sus nuevos proyectos se recubre de una cierta pátina de prestigio que eleva la expectación hasta niveles a todos luces desmesurados. Moneyball es, en este sentido, un producto de la notoriedad de su guionista. O al menos en cuanto a la hipotética calidad fílmica que atesora y que lo han integrado entre las películas mejor consideradas del año y, por ende, entre las candidatas al preciado Oscar.
El resto es cometido de un vigoroso Brad Pitt que protagoniza cada uno de los planos de una trama concebida para su lucimiento personal en la piel de Billy Beane, director deportivo de un humilde equipo de béisbol que decide revolucionar el mercado de adquisiciones de jugadores a partir de un novedoso programa estadístico ideado por un anodino empleado al que da vida Jonah Hill (su nominación al Oscar bien podría ser una cruel inocentada). La clave se halla en contratar a deportistas con un perfil adecuado a las necesidades del equipo y prestando una especial atención a sus propias estadísticas obviando el renombre cosechado a lo largo de su carrera o la percepción que de ellos detentan los espectadores, para así constituir un equipo equilibrado y, sobre todo, eficaz a la hora de ganar partidos.
La fórmula maestra, si bien descartada de antemano por los directivos del equipo e incluso del entrenador (un Phillip Seymour Hoffman desaprovechado), consigue funcionar una vez los planes de Beane se ponen en práctica y coloca a los Athletics de Oakland a la cabeza de la tabla clasificatoria con una racha de victorias histórica a pesar de contar con uno de los presupuestos más bajos de la división. Sin embargo, Moneyball no se centra en la épica remontada del equipo en el terreno de juego, sino que focaliza su atención en la frenética acción desarrollada en los despachos, donde los jugadores se intercambian como productos de un mercado implacable y las cifras se imponen como único dato fiable para llevar a cabo toda una transformación verídica en el modo de concebir el juego.

Con estos ingredientes, Moneyball no deja de ser un drama deportivo al uso aunque con ciertos matices que lo diferencian del género más tradicional, en la medida en que las negociaciones ocupan más espacio que el propio juego. No obstante, el fondo sigue vinculado a la épica consustancial de todo deporte, esa que apela a cierto espíritu de superación y entronca con los típicos eslóganes de marcas deportivas donde nada es imposible a pesar de todo parezca indicar lo contrario. Ahí es donde radica la verdadera fuerza de la película de Bennett Miller (realizador de Truman Capote con, esta vez sí, un sensacional Hoffman) pues, al fin y al cabo, ¿quién no se emociona con la clasificación in extremis de un equipo humilde en una competición de gigantes (el caso del Mirandés aún está cadente)? Se trata de un sentimiento universal que va más allá de particularismos nacionales o características de diferentes deportes; es el valor del esfuerzo, de la determinación, del arrojo.
Por lo demás, Moneyball es una película mediocre que no salva el supuestamente brillante guión de Sorkin (me gustaría saber deslindar un buen guión de una buena película, pues desde mi punto de vista son exactamente lo mismo) ni la interpretación "estelar" de Brad Pitt. Con una carrera en sus espaldas de cierta calidad (en los últimos años fundamentalmente: El árbol de la vida, sin ir más lejos, es un buen ejemplo), se nos antoja paradójico que se alce con la estatuilla gracias al perdedor Billy Beane y su particular equipo de lisiados y marginados de béisbol. No obstante, las decisiones de la Academia son inescrutables y, de hecho, forman parte del espectáculo. Mientras tanto, aquellos que disfruten con la consustancial épica de los dramas deportivos basados en hechos reales al más puro estilo norteamericano tienen una cita con una película que se deja ver con cierto agrado a pesar de su desmesurada duración, pero en la que no encontrarán mucho más talento que el de Brad Pitt luchando contra el mundo.

Series de Televisión; American Horror Story

2012-01-31T19:49:00.000+01:00

6/10

De acuerdo, todos sabemos que el mercado inmobiliario, a pesar de que la burbuja haya reducido la presión en los últimos años, continúa siendo una jungla impenetrable donde los bancos detentan el poder absoluto del crédito frente a los que las familias poco pueden hacer, sin embargo, de ahí a, en un acto desesperado, comprar la casa de tus sueños por un precio irrisorio obviando de que se trata de la principal atracción turística de la tournée de los horrores de San Francisco, hay un considerable trecho en el que juega un papel trascendental la amenaza de ruina que se cierne sobre el matrimonio Harmon tras la aventura pasional de Ben (interpretado por Dylan McDermott), un prestioso psicoterapeuta enredado con una joven paciente a la que da vida Kate Mara.
Salvar una relación de pareja en horas bajas y de paso estrechar vínculos con una hija con tendencias autodestructivas puede constituir dos poderosas razones para volverse rematadamente loco, sin embargo en American Horror Story no es más que el telón de fondo de un espectáculo de terror surrealista, tintes góticos y un cierto toque de erotismo pervertido. No puede negarse que Ryan Murphy es un creador televisivo especialmente habilidoso para la explotación de géneros a priori desfasados o difíciles de ubicar en la pequeña pantalla, tal y como demuestran sus dos éxitos precedentes, la mordaz sátira sobre el mundo de la cirugía plástica Nip/Tuck y la comedia musical adolescente Glee. En su nueva serie redimensiona la ficción de terror al formato seriado y le imprime un estilo propio lleno de matices y referencias a los grandes hitos del género.
Por si fuera poco, consigue que el espectador se remueva en el sofá de su salón ante algunas escenas escalofriantes empezando por la propia cabecera, un espectral recorrido por fotografías de niños de aspecto diabólico, lugares oscuros y recónditos o herramientas de tortura acompañado por una inquietante música que pone los pelos de punta. El miedo que intenta suscitar American Horror Story no es la típica colección de sustos (mayormente sonoros) explotada hasta la extenuación (literalmente hablando) por las películas de terror adolescente, sino un curiosa conjunción de elementos psicológicos (o sencillamente psicópatas), crimenes brutales y un escenario idóneo para historias de suspense. Al fin y al cabo, la hermosa casa de reminiscencias decimonónicas en la que se desarrolla la trama es la auténtica protagonista de la serie, como si de una maléfica presencia que altera las conciencias de sus inquilinos, al más puro estilo de El Resplandor, se tratase.

Es una lástima que American Horror Story, si bien formalmente roza la perfección, no logra enganchar al espectador a lo largo de los trece episodios de su primera temporada (ya se ha confirmado la segunda), por una cuestión evidente; el escenario y los personajes son siempre los mismos, por lo que la evolución de la serie se encuentra lastrada por la repetición de situaciones rocambolescas que no aportan nada nuevo, sino que redundan en el brillante planteamiento de la misma. Y eso que todos sus actores se esfuerzan en construir un ambiente lo más verosímil posible, especialmente una inquietante Jessica Lange (reconocida con el Globo de Oro a la mejor actriz secundaria) en el papel de una vecina un tanto curiosa con grandes secretos que guardar.
Desconocemos cuáles serán las líneas por las que transcurrirá la segunda temporada de American Horror Story, pero es un hecho manifiesto de que el interés de la serie no puede extenderse indefinidamente en el tiempo, más aún tras corroborar que la primera temporada se hace inusitadamente larga. Son muchos los aspectos interesantes de la serie creada por Ryan Murphy y Brad Falchuk, sin embargo su súbito éxito comercial puede constituirse como su propia perdición.

Crítica J. Edgar, Con forma pero sin fondo

2012-01-28T17:47:00.001+01:00

6,5/10

Clint Eastwood narra la tiránica psique de uno de los más importantes nombres de la historia reciente de Estados Unidos. El nombre de John Edgar Hoover está ligado a la fundación de un organismo en la más plena actualidad, el FBI, y el realizador de Mystic River o Million Dollar Baby juega sus cartas en esta cinta tan irregular como interesante. La obsesión por luchar contra el comunismo y la amenaza que supone para la integridad física y moral de los Estados Unidos fue tan enfermiza en Hoover como lo fue en la persona de otro controvertido nombre, Joseph McCarthy. Eastwood ilustra en torno a esta base la fundación de la Federal Bureau of Investigation y como J. Edgar Hoover llegó a convertirse en un hombre tan temido como respetado en los Estados Unidos.
El director utiliza a uno de los actores más carismáticos del Hollywood moderno para contar una trama que apenas provoca la empatía en el espectador. Su guión, falto de energía y centrado en convertir a Leonardo DiCaprio en un tiránico dictador sacrifica aspectos de la historia de Estados Unidos que son clave para el desarrollo de la trama. La supervivencia de Hoover a la presidencia de siete hombres, cada uno con su idiosincrasia, es una llave que abre la puerta del comportamiento del director del FBI. Coolidge, Hoover, Roosevelt, Eisenhower, Truman, Kennedy y Johnson supieron lo que era tener a J. Edgar como uno de los principales aspirantes a tener todo el poder de la nación más poderosa del mundo en aquel momento.
Cuando estamos ante una película de Clint Eastwood, nos enfrentamos ante una fotografía tenue, una banda sonora muy particular casi siempre compuesta o por el propio director, como en este caso, o por Lennie Niehaus y estamos seguros de que cualquier actor que participe en la película ha sido exprimido al máximo por un realizador exigente y muy consciente de la industria para la que trabaja. Eastwood es un cineasta universal al que siempre recordaremos por ser un icono del western y del cine de acción. Y es por eso que cuando comete algún fallo, debemos apiadarnos de él y confiar en que su estilo resucite con la próxima película que realice. Y ha sido el caso. Si tras la buena experiencia que supuso Invictus, Eastwood se alejó de su estilo para contarnos una historia que ni siquiera entretenía. Más Allá de la Vida supuso todo lo olvidable que resulta una película del bueno de Clint antes de traernos J. Edgar, que pese a sus fallos, es todo lo que queremos ver de uno de nuestros directores favoritos.
Sin embargo, y pensando en la figura de J. Edgar, Clint Eastwood podría haber tenido una actitud más arriesgada. La cantidad de archivos personales que escondía Hoover daban para dar a conocer la verdadera cara de un personaje tan controvertido como respetado. La película un simple entretenimiento con una excelsa interpretación de Leonardo DiCaprio que ha sido injustamente olvidada por los miembros de la Academia de Hollywood pero que, en ocasiones, resulta algo exagerada y tan antipática como el personaje real. La esencia de la película se ha perdido en detrimento de un farragoso guión y un cadavérico maquillaje que convierte la función en una experiencia que desestima una serie de acontecimientos que el propio espectador tiene que echar de menos.

Crítica Los Idus de Marzo; Las intrigas de Clooney

2012-01-27T17:00:00.000+01:00

6/10

Al más puro estilo Barack Obama, George Clooney se inspira en el actual presidente de los Estados Unidos para traernos una película escrita, dirigida y protagonizada por él sobre las intrigas casi palaciegas que nacen del desarrollo de una campaña electoral. Con una dirección artística en la que destaca el amplio presupuesto para cartelería electoral, Clooney se pone detrás de las cámaras tres años después de aquel desastre llamado Ella Es El Partido para ofrecernos una película que bebe directamente de la intriga política. Se ve que Clooney vio demasiado cuando participó en la campaña por la presidencia de Obama y decidió inspirarse en la obra teatral de Beau Willimon para ofrecer una de las cintas más correctas del año.
Resulta llamativo el hecho de que cada elemento que aparece en los discursos, los centros de campaña o las apariciones televisivas del gobernador Mike Morris, al que encarna Clooney, recuerdan sobremanera a la campaña del actual presidente norteamericano. Incluso la propaganda electoral tiene un sospechoso parecido que, en ocasiones, llega a rozar el tedio. Clooney no posee la originalidad y la frescura que debería y se limita a contar una historia situada en un tiempo presente con elementos que todos ya conocemos. Sin embargo, los pocos escrúpulos demostrados por un político con excesivas ansias de poder ayudan a relacionar la película aún más con la plena y más rabiosa actualidad.
Quizás, y por la increíble sugestión que ofrece el título, Los Idus de Marzo tendría que haber ahondado mucho más en una historia que desembocase en un final más dado a la moraleja que a la simple idea de corrupción política mundialmente conocida. La película no posee la capacidad de denuncia que se le presupone a un actor comprometido con varias causas políticas y humanitarias. Un par de frases sueltas en contra de Irak, inexorablemente unidas a la existencia de un presidente republicano en la película malo malísimo y contra el que hay que luchar.
George Clooney no es el protagonista directo en el metraje pero sabe jugar muy bien sus cartas. Todas las situaciones narradas en la película están relacionadas con su persona. No pasa ni una sola secuencia en la que no haya una acción – reacción que tenga que ver con su personaje. Incluso alguna escena de sexo se ve interrumpida por un discurso televisado del candidato demócrata al que recrea con corrección y maestría un Clooney inspirado. Quizás el punto fuerte de la película sean las interpretaciones de todos los demás actores que forman el elenco protagonista. Todos ellos llenan sus respectivos guiones de una credibilidad ampliamente necesaria para una película tan tramposa como esta intriga política. En este tipo de cine se nos miente igual que en las campañas electorales y es preciso que el espectador se crea que lo que está sucediendo es creíble. Es por eso que las interpretaciones de Ryan Gosling, el hombre del momento merecidamente calificado, Phillip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomei y Evan Rachel Wood son de lo más destacable de la película creando un ambiente teatral que recupera el espíritu de la obra de Willimon.
Puede ser la primera vez que una banda sonora se vea relegada a un segundo plano y más hablando del gran Alexandre Desplat. Pero cuando en otras situaciones, el espectador tiene que buscar otro tipo de concentración en la sala de cine cuando el metraje no le satisface. Sin embargo, lo interesante de la trama hace que los aspectos técnicos de la película se complementen unos con otros realzando la calidad de la cinta.
Los Idus de Marzo posee secuencias de un carácter narrativo brutal en las que no se dice ni una sola palabra. Quizás hay que comprender la totalidad de la narración para hallar esas pequeñas escenas que engrandecen una trama que resulta bastante interesante.

Critica Los Descendientes; Porque el paraíso también puede joderse

2012-01-20T15:04:00.000+01:00

6,5/10

Al comienzo de la película, Matt King, personaje al que da vida George Clooney en un portento de madurez interpretativa, reclamaba su derecho a sentirse desgraciado, abandonado e irremediablemente triste, a pesar de vivir en Hawaii y ser uno de los propietarios de tierras más respetados (y próximamente millonarios) del archipiélago del Pacífico. Lo que asevera, en cierto modo, es que hasta el más bello paraíso puede joderse de la forma más absoluta. De poco importa el azul intenso del mar, las playas de arena fina en las que tumbarse bajo una sugestiva palmera, la placidez constante del clima, el lujo de sus casas coloniales, o la envidiable posibilidad de hacer tu vida en pantalones cortos. Si tu mujer está en coma en el hospital y además te enteras de que te ha engañado con otro hombre ante tu propia pasividad de marido ausente que debe ahora ejercer de padre de dos hijas disfuncionales con una manifiesta carencia de cariño, nada te puede salvar de tu desgracia, ni siquiera el paraíso soñado de la mitad de la humanidad.
Categorizar a Los Descendientes como una tragicomedia supone, así pues, un ejercicio de ironía que roza el mal gusto, a no ser que nuestro sentido del humor sea cómplice de esa gigantesca comedia humana de la que todos formamos parte y que incluye las miserias, paradojas y conatos de felicidad que jalonan nuestras vidas. Matt King no esboza una sonrisa en toda la trama, ni siquiera las personas que lo rodean tienen suficientes razones para mostrar un estado de alegría fingido. Es, por el contrario, el drama el que sobrevuela en todo momento los actos y caminos emprendidos por sus protagonistas; el dolor por la pérdida, la rabia por una traición que en el fondo se siente como algo merecido, el desapego familiar, la inconsistencia de una vida que parece carecer de sentido...
No obstante, Alexander Payne posee una admirable habilidad para hilar una historia de evidentes resonancias trágicas sin caer en un tremendismo sombrío. Es más, consigue imprimir una naturalidad que no es más que el fiel reflejo de la propia existencia humana, esa concatenación de momentos tristes, instantes de fugaz felicidad y una rutina omnipresente que se aleja de los discursos graves de grandes hombres en situaciones límite. Los Descendientes fluye de forma amena (aunque en ciertos momento se debate de forma peligrosa con el tedio) y sencilla en un escenario de una belleza incomparable tras los dubitativos pasos de un hombre en su propia encrucijada moral, desorientado entre el amor y el odio, con el que, no obstante (y desde un enfoque personal) resulta difícil empatizar.

Payne ya había demostrado su ingenio y talento en Entre Copas, una tierna historia de dos parejas que se enamoran y desenamoran al mismo tiempo que degustan una cantidades ingentes de vino californiano; y ahora regresa con una película llamada a ser la protagonista de una interesante temporada de premios espoleada por la figura inconmensurable de George Clooney que, independientemente de si consigue o no tejer la mejor interpretación de su carrera, soporta todo el peso de la trama de forma eficaz e incluso notable. Los Descendientes no es una película grandilocuente, ni siquiera es una película que merezca más reconocimientos que su propia sencillez; únicamente nos narra una historia dramática en el seno de un paraíso terrenal que desvela la frágil consistencia de la felicidad humana.
Elevar la nueva película de Payne a la categoría de obra maestra o cima absoluta del año puede resultar todo un despropósito pues, personalmente, no creo que ni el propio director lo pretendiese. Contentémonos, pues, con una historia sencilla, bien dirigida e interpretada, tan fácil de ver como de olvidar, que aporta una visión sin complejos de la pérdida y el dolor.

[Globos de Oro 2012] The Artist y Homeland triunfan en la 69 Edición de los Globos de Oro

2012-01-16T11:17:00.001+01:00

La 69 edición de los Globos de Oro entregó anoche sus galardones en una ceremonia en la que su presentador, el mordaz Ricky Gervais, no cumplió con las expectativas puestas en él y se marcó un discurso alejado de la polémica del pasado año.
La producción francesa The Artist consiguió alzar tres galardones, correspondientes a Mejor Comedia o Musical, Mejor Actor para Jean Dujardin y Mejor Banda Sonora. Por su parte, la premiada con el Globo de Oro al Mejor Drama fue Los Descendientes, dirigida por Alexander Payne y que también consiguió el galardón al Mejor Actor de Drama para George Clooney.
Las mejores intérpretes femeninas de la noche fueron Meryl Streep por La Dama de Hierro en el apartado dramático y Michelle Williams por Mi Semana con Marilyn. Streep se convierte así en la actriz más premiada y nominada en los Globos de Oro con 26 candidaturas y 8 galardones. Por su parte, en los galardones correspondientes a intérpretes de reparto, Christopher Plummer consiguió el Globo de Oro por Beginners y Octavia Spencer obtuvo su reconocimiento por su papel en Criadas y Señoras.
Los grandes nombres del cine también obtuvieron su premio. Hasta tres cineastas, de esos que ya calificamos como inolvidables, consiguieron ganar un Globo de Oro que sabe a disculpa por errores pasados. Es el caso de Martin Scorsese y su premio a la Mejor Dirección por La Invención de Hugo, Steven Spielberg y el Globo de Oro a la Mejor Película de Animación para Las Aventuras de Tintín y Woody Allen, que alzó el premio al Mejor Guión Original por Medianoche en París.
España tenía presencia en esta 69 edición de los Globos de Oro con las esperanzas puestas en Pedro Almodóvar y su La Piel Que Habito. Sin embargo, no pudo luchar contra la favorita de esta temporada de premios en el terreno de Mejor Película Extranjera. Nader y Simin, Una Separación consiguió el galardón y su director aprovechó en el escenario para pedir paz en la zona.
En el apartado de series de televisión, Homeland se ha coronado como el Mejor Drama mientras que Modern Family no encontró competencia alguna para llevarse el Globo de Oro a la Mejor Serie de Comedia. Kelsey Grammer y Claire Danies han levantado sendos galardones por sus papeles dramáticos en Boss y Homeland mientras que Laura Dern y Matt LeBlanc han hecho lo propio como Mejor Actor y Actriz de Comedia.
Downton Abbey, la gran favorita junto a Luther, se alzó con el esperado Globo de Oro a la Mejor Miniserie mientras que Idris Elba y Kate Winslet han confirmado su condición de favoritos en el apartado de Mejor Actor y Actriz en Miniserie. Jessica Lange por American Horror Story y Peter Dinklage por Juego de Tronos cierran el palmarés de los Globos de Oro como Mejor Actriz y Actor de Reparto en Serie o Miniserie.

Crítica Los Hombres Que No Amaban a las Mujeres; Fincher reinventa a Larsson

2012-01-14T13:00:00.000+01:00

6,5/10

David Fincher llega de nuevo a las pantallas de nuestro país para devolvernos la ilusión por el buen cine. El problema es que adapta una novela de la que sabemos demasiado y se ha perdido totalmente el factor sorpresa inherente a una película de este género concreto.
He de confesar, antes de iniciar cualquier comentario positivo o negativo de la película, que acabé de leer la primera novela de la trilogía de Stieg Larsson apenas cuatro horas antes de contemplar la novena película del endiosado David Fincher, el último intelectual del cine americano.
Es por eso que conservo frescas las líneas que el periodista sueco redactó a lo largo de las seis centenas de páginas que pueblan la primera novela de la saga Millenium. Tampoco he visto la versión sueca protagonizada por Noomi Rapace con lo cual me mantengo objetivo, dentro de la subjetividad adyacente a la interpretación de una obra cinematográfica, al análisis de Los Hombres Que No Amaban a las Mujeres.
Con un arranque espectacular y unos títulos de crédito realmente sorprendentes basados en el uso de la fuerza visual que recuerda a los mejores trabajos de David Arnold y, vagamente, sugiere una potencia como la que transmitió Álex de la Iglesia el año pasado con su Balada Triste de Trompeta. Salvando las distancias, la obra de Fincher merece una clasificación aparte por sus créditos como ya clasificamos en el reportaje sobre su figura.
La lástima que transmite el visionado de la cinta es la forzosa necesidad de haber leído la novela antes de ver la película puesto que sus molestas elipsis y transiciones privan a la trama de una continuidad definida y diáfana, algo que se hubiera agradecido en este thriller de suspense con una historia prometedora que Fincher podría haber convertido en un ejercicio de estilo salvando las deficiencias narrativas de las que adolecía Stieg Larsson.
El tenebrismo de su director se nota en todos los poros de la película. Las secuencias son oscuras, la luz brilla por su ausencia y el color blanco de la nieve es la única señal que nuestra retina posee para continuar en el espectro visual de la cinta, donde la trabajada fotografía de Jeff Cronenweth sirve al Fincher menos delicado.
El realizador siempre ha sido amigo de mostrar la crueldad humana hasta sus máximas consecuencias y exponentes. Desde Seven hasta El Club de la Lucha, David Fincher se ha recreado en la nulidad de bondad de la especie para traernos interpretaciones psicológicas de la medida de la maldad. Bien es cierto que las secuencias más crudas del libro son disimuladas en la película, recordemos que los americanos son muy puristas todavía en este sentido, y Fincher se salta los convencionalismos y ofrece hasta dos violaciones anales que escandalizarán al más cuadriculado.
Los Hombres Que No Amaban a las Mujeres quizás no destaque por su guión que, al fin y al cabo, no es más que una interpretación de Steven Zaillian de la novela de Larsson. Lo verdaderamente llamativo son los roles de Mikael Blomkvist y Lisbeth Salander, recreados por un gran Daniel Craig y una soberbia Rooney Mara, una actriz muy prometedora a la que seguro veremos en un futuro no muy lejano. Por su parte, fuera del dueto protagonista destaca un amplio reparto de actores secundarios capitaneados por Christopher Plummer y Stellan Skaarsgard que dan la réplica a sus correspondientes personajes literarios.
Quizás no sea la mejor película de David Fincher ni tampoco una cinta en la que haya roto moldes. El patrón de su cine sigue estando claramente definido tanto para amantes como para detractores. Esperamos mucho más de la secuela, si finalmente llega a realizarse y confiamos en el saber hacer de Fincher y su equipo para confeccionar otra película de un nivel superior.
Los Hombres Que No Amaban a las Mujeres tiene una duración de más de dos horas y media que apenas se nota en el cómputo global del tedio pero confiamos en que las secuelas provoquen mayor implicación con el espectador y no infundan el odio ni la segregación entre aquellos que no hayan tenido ni el tiempo ni las ganas para leerse la novela.

Crítica Sherlock Holmes 2, La fascinación de un personaje inmortal

2012-01-08T13:06:00.000+01:00

6/10

La fascinación suscitada por el personaje literario ideado por Arthur Conan Doyle a finales del siglo XIX parece no entender de épocas o tiempos históricos. Puede que sea su irreverencia natural, su inaudita capacidad deductiva o su intuición para investigar los casos más extraños y peligrosos; la cuestión es que Sherlock Holmes y su fiel (a su pesar) escudero, el doctor Watson, continúan aún hoy, a comienzos del siglo XXI, en plena forma y actualidad. La que ya se augura como una dilatada y exitosa saga cinematográfica bajo la dirección de Guy Ritchie y el carisma incuestionable de Robert Downey Jr. y Jude Law, ha sabido trasladar a la gran pantalla y, lo que es más importante, al gran público parte de la esencia de las novelas de Conan Doyle aunque adaptándola a los recursos contemporáneos del cine comercial a partir de los cómics de Lionel Wigram.
La primera película, estrenada en 2009 con una fulgurante notoriedad entre público y crítica, sorprendió por su estética demoledora, un ritmo frenético y el retrato algo gamberro de su personaje central, quien aportaba una comicidad a la que trama que, conjugada con la acción, los efectos visuales de inspiración barroca y una histérica banda sonora a cargo del gran Hans Zimmer, conformaba un cóctel explosivo confeccionado para ser disfrutado en el cine. Según los patrones actuales de la industria cinematográfica, la película de Guy Ritchie era una candidata perfecta para ser exprimida hasta la última gota de originalidad en una saga que podría perpetuarse indefinidamente.
Y, efectivamente, así ha sido. Aunque esta secuela, titulada Juego de Sombras, preserva aún cierta dosis de ingenio y calidad sustentada en parte por el atractivo de su dúo protagonista, empieza a dar señales evidentes de repetición de una fórmula que funciona pero que no aporta nada nuevo. Es un hecho, por otro lado, natural pues, al fin, se trata de la continuación de una historia con esquemas muy similares a la original y con los mismos personajes. No obstante, la esperada aparición del antagonista de Holmes, el profesor Moriarty (papel para el que sonaron Brad Pitt o incluso Daniel Day Lewis y que finalmente ha desempeñado eficazmente Jared Harris), se antojaba como un as en la manga de Guy Ritchie para mantener el interés y de paso escenificar una batalla de altura entre dos grandes genios.

El resultado no es decepcionante aunque tampoco encandila por su brillantez. La primera media hora de la película naufraga en la búsqueda de un discurso coherente al que el espectador pueda asirse ante una sucesión de escenas inconexas y confusas en las que es sumamente fácil perderse y que, en cierto modo, lastra el resto de la trama. De hecho, la acción no ofrece descanso alguno y en ciertas ocasiones surge la pregunta de por qué los personajes se encuentran en esa determinada situación o cuándo hemos cambiado de escenario. Afortunadamente, hacia el final de la película se consigue hilvanar una serie de secuencias lógicas llenas de tensión (incluida el combate entre Holmes y Moriarty) que en cierto modo palian la acción atropellada que las antecede. A esta secuela, en resumen, lo que le falta es la claridad narrativa que sí detentaba su predecesora, conformando una película confusa y apresurada en el que tan sólo destacan algunos momentos aislados de absoluta brillantez (la persecución en el bosque es sensacional)
Por otro lado, no podemos obviar los atributos que hicieron de la primera entrega un divertido espectáculo y que se reeditan en la secuela para el goce del público, como las luchas escenificadas a cámara congelada en la mente fugaz de Holmes, la complicidad entre sendos protagonistas en una divertida relación de amor-odio, el sello inconfundible de Ritchie en las escenas de acción, la música pegadiza de Zimmer (en esta ocasión menos presente), o la sugerente recreación de la época.
Sherlock Holmes 2; Juego de Sombras es una secuela tolerable de lo que promete convertirse en una saga auspiciada por su éxito comercial en la que, esperemos, la calidad no desfallezca en favor de las ganancias. De hecho, la tercera entrega ya ha sido confirmada con sus respectivos protagonistas aunque sin la seguridad de que Guy Ritchie continúe. Mientras tanto, y aunque inferior a la original, este Juego de Sombras ofrece un espectáculo visual interesante al servicio de un personaje fascinación por el que parece no pasar el tiempo.

Dulce Cine de Juventud Especial Reyes; Mary Poppins

2012-01-06T16:12:00.000+01:00

Con un poco de azúcar todo adquiere un sabor más delicioso. Y la señora Mary Poppins bien lo sabía. Cómo si no ganarse el afecto de tantos niños a los que encandilaba con dulces canciones a pesar de su ya de por sí complejo cargo como institutriz. Acostumbrados a rígidas mujeres maduras de impecable formación pero tan frías como el hielo en su trato cotidiano, la misteriosa llegada de Mary cuando todo parecía perdido ante la intransigencia del severo padre de familia, dispuesto a imponer mano dura a sus díscolos hijos, cambió radicalmente el panorama de la acomodada casa victoriana de la calle londinense del Cerezo de principios de siglo gracias a una mágica combinación de disciplina y cariño aderezada por bonitas canciones, trepidantes aventuras y un mundo fascinante desplegado ante los embelesados ojos de unos niños con una evidente carencia de ternura.
Quizás parte de esta asombrosa historia se debía a la mágica palabra más larga jamás inventada y que ha pasado a la historia del cine como sello de identidad de una película por la que asombrosamente no pasa el tiempo. El Supercalifragilísticoexpialidoso, más que un divertido trabalenguas, es la expresión más encantadora de una fábula sobre la felicidad, la alegría de vivir, el valor del afecto y las emociones o el cariño a veces obviado en el seno de la familia. Y es que Mary Poppins no vino desde los cielos para reformar a unos niños rebeldes a los que meter en cintura, sino para enseñar a unos progenitores demasiado ocupados con sus respectivos quehaceres la necesidad de dedicar tiempo a sus hijos y todo ese amor que no pueden hallar en personas contratadas para tal fin. Ni el puesto de trabajo mejor considerado en el banco más prestigioso de Londres puede asemejarse al mero placer de pasar una soleada tarde de invierno volando una cometa junto a dos hijos anhelantes de atención. De ello se percata el señor Banks (un sensacional David Tomlinson) justo en ese preciso momento en el que todo se auguraba oscuro (e iba a ser despedido) y, como un relámpago de lucidez, se cruzó en su mente la palabra mágica que daba sentido a su existencia como padre.

Describir las bondades de Mary Poppins, tanto de la película como la del fantástico personaje, puede llegar a ser una tarea ingente pues cada instante de la trama es un absoluto espectáculo de ingenio y gracia; desde la aparición estelar de la niñera en el dormitorio un tanto desordenado de los chicos (quién no ha soñado alguna vez con adecentar su cuarto con tan sólo un chasquido de dedos y una canción pegadiza); hasta ese placentero periplo por un mundo animado donde todo era posible; pasando por los interludios emotivos en los que Julie Andrews desplegaba todo su talento lírico. Y es que Mary Poppins puede considerarse como la cima absoluta e irremplazable del cine familiar al conjugar magistralmente una historia tierna y divertida con personajes inolvidables (mención aparte precisa el camaleónico Dick Van Dyke), originalidad a raudales a partir del uso pionero de la animación con la imagen real (fórmula que años más tarde volvería a utilizar su director Robert Stevenson en la también sensacional La Bruja Novata), una recreación maravillosa del Londres victoriano y hermosas canciones que permanecen inalteradas en nuestro imaginario colectivo popular.
Si todo a ello unimos que su reposición periódica en televisión se ha convertido ya en una grata costumbre especialmente bien recibida en la temporada navideña, la película adquiere naturaleza de mito viviente de la historia del cine. De hecho, pocos podrían apuntar que su fecha de estreno data de 1964, fundamentalmente porque la película no ha perdido un ápice de actualidad (incluso ha inspirado uno de los mejores capítulos de Los Simpsons) y los recursos narrativos y visuales utilizados, aunque en cierto modo anacrónicos, continúan fascinando a pequeños y mayores.
Qué mejor forma, pues, para celebrar el día de Reyes (uno de los momentos álgidos del año para todos) que con una edulcorada píldora de felicidad, bondad y fantasía de la mano de un personaje tan cálido y dulce como Mary Poppins.

La Cosecha del Año; Las 10 Mejores Películas de 2011

2012-01-04T17:38:00.000+01:00

2011 ha sido uno de los años más prolíficos en lo que a buenas películas se refiere. Es por eso que, al igual que mi compañero Jesús Benabat, ha costado escoger una decena de las cintas más importantes de los últimos 365 días. Sin embargo, existen muchas coincidencias y muchas divergencias fruto del necesario debate sobre algo tan subjetivo y sujeto a particulares interpretaciones como es el Séptimo Arte. Es por eso que yo, Antonio Sánchez-Marrón, os ofrezco mi selección de las 10 mejores películas del pasado 2011 sin orden aparente.

1. El Árbol de la Vida (Terrence Malick). Es una de las películas más importantes de todo este 2011. Una declaración de intenciones de uno de los realizadores más representativos de la última mitad del siglo XX. Una interpretación sobre la vida y la muerte a través de los ojos de la Creación y el desarrollo de la especie humana cuestionándose planteamientos filosóficos y metafísicos. Una película que posee una experiencia fotográfica imperdible.

2. Drive (Nicolas Winding Refn). Sin duda, es un homenaje al cine. Winding Refn coge elementos de Michael Cimino, Tarantino o David Lynch y nos trae una ya mítica historia sobre un conductor anónimo que presta sus servicios a delincuentes. Tan violenta como magnífica, las interpretaciones de Ryan Gosling y Albert Brooks son de lo más destacable de la película.

3. Attack The Block (Joe Cornish). Los británicos no suelen excederse en sus propios convencionalismos. Sin embargo, rompieron con sus reglas y trajeron una fresca, original y adictiva película sobre unos chavales de los barrios bajos de Londres que luchan contra una peculiar invasión alienígena. Triunfadora en Sitges, la película ha cosechado un gran éxito allá donde ha sido exhibida.

4. Medianoche en París (Woody Allen). Era necesario que el director neoyorquino volviera por sus fueros tras las desastrosas Conocerás al Hombre de Tus Sueños y Si La Cosa Funciona. Y vaya si lo hizo. Woody Allen volvió a consagrarse con esta deliciosa historia protagonizada por Owen Wilson que retrata el sueño de un joven norteamericano por el que se interrelaciona con sus autores literarios preferidos.

5. Super 8 (Steven Spielberg / J.J. Abrams). Una de las películas más exitosas del año es la que recupera el espíritu de las cintas de aventuras de los años 80 como Gremlins, ET o Indiana Jones. Gracias a Super 8 recordamos lo que era la infancia y la niñez ahora perdidas.

6. También la Lluvia (Icíar Bollaín). Una de las grandes perdedoras en la pasada temporada de premios y que adaptó la brutalidad que supuso la llegada de los españoles a Suramérica para aquel pueblo, el cual reclamó sus bienes y sus tierras al invasor en forma de rodaje de película sobre el Descubrimiento. Una maravillosa película con tres protagonistas de altura, Luis Tosar, Gael García Bernal y Karra Elejalde.

7. La Piel Que Habito (Pedro Almodóvar). El director manchego se reinventa a sí mismo con esta sorprendente película que posee la mejor interpretación de Antonio Banderas en muchos años. Una historia de suspense, fría y muy calculada que ha supuesto uno de los éxitos de autor en nuestro país con un Almodóvar en estado puro dejando atrás los tópicos más latentes de su cine.

8. The Artist (Michel Hazanavicius). Cualquiera que no haya visto a estas alturas esta producción muda francesa rodada en blanco y negro no tiene ni idea de lo que es el cine con mayúsculas. Arriesgada, potente y favorita a los grandes premios, The Artist es un punto de inflexión en estos tiempos de nuevas tecnologías y 3D. La obra maestra del año.

9. Melancolía (Lars Von Trier). En Europa, en 2011, se han producido grandes películas. Pero, sin duda, Von Trier ha rodado una película tensa sobre el Apocalipsis que dejó a más uno con la boca abierta y que ha cosechado gran éxito allá donde ha sido exhibida. Precedida por la polémica que dejó su director en Cannes, Melancolía debe ser uno de los platos fuertes para la próxima ceremonia de los Oscars.

10. Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio (Steven Spielberg). Spielberg y Peter Jackson adaptaron el cómic de Hergé con una espectacularidad mágica que despertó la curiosidad de los nostálgicos de las aventuras de este joven reportero. Sin duda, competirá por ser una de las mejores películas del año de la mano de dos pesos pesados del mundo del cine.

La Cosecha del Año: Las 10 mejores películas de 2011

2012-01-03T00:24:00.004+01:00

El cine es en sí mismo una experiencia personal, por lo que confeccionar la habitual lista de las mejores películas del año es un ejercicio cuyo resultado puede ser muy diferente según quien la realice. En la siguiente lista, un servidor (Jesús Benabat) únicamente pretende ofrecer una visión particular de lo que a mi juicio ha sido lo mejor que nos ha regalado el cine en 2011, un año, por otro lado, con un nivel notable en el que destaca la escasa presencia de cine de Hollywood (a pesar de que es el que copa buena parte de nuestro tiempo) y la buena cosecha de cine español y europeo. Aún quedan muchas películas por ver (entre ellas la laureada The Artist) que pueden hacer cambiar la lista, pero mientras tanto, esta es la selección de películas estrenadas en nuestro país en 2011:

En un Mundo Mejor

El drama de la danesa Susanne Bier es capaz de remover los cimientos morales del espectador hasta abocarlo a un hondo precipicio sin asideros. El retrato crudo y despiadado de la violencia es presentado a partir de un complejo entramado de relaciones asimétricas donde se difuminan las fronteras entre civilizaciones, donde la razón es sobrepasada por la venganza, donde ya no resisten los valores para enfrentarse a la injusticia. Una película sin concesiones que pone en tela de juicio nuestra propia sociedad y la percepción que cada uno de nosotros tiene de la misma, propiciando una reflexión profunda y pertinente en la época que vivimos. La narración de Bier no ofrece respiro alguno, y su depurado aunque agresivo estilo visual zarandean al espectador en un vórtice dramático magistralmente resuelto. Una obra maravillosa que se alzó con el Oscar en la pasada edición y que coloca a su directora entre las más interesantes del panorama europeo.

Medianoche en París

Woody Allen regresa en plena forma con una nueva comedia coral ambientada en un París mágico donde se dan cita algunos de los grandes genios de comiezos del siglo XX ante la fascinada mirada de Owen Wilson, un descreído escritor norteamericano que en la soledad nocturna de las calles de la capital francesa encuentra su verdadera inspiración. Cada nueva película de Allen es todo una delicia dialogada independientemente de la verosimilitud de la trama, no obstante, esta película reúne todas las particularidades del realizador neoyorkino en una armónica fábula a medio camino entre la postal cinematográfica de una bellísima ciudad, y la nostalgia hacia un pasado siempre inalcanzable. Todo ello acompañado por una banda sonora sensacional y un reparto heterogéneo de grandes actores al servicio de una mente de originalidad inagotable.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte (Parte II)

El anhelado final de la saga cinematográfica no defraudó. Tras una evolución repleta de altibajos, el desenlace de las aventuras de Harry Potter cumplió la expectativas de espectacularidad que sus precedentes auguraban en una batalla final llena de tensión, magia y épica, en la que se enfrentaron el terrible Lord Voldemort y un Potter ya adulto e inspirado por un espíritu de heroicismo fascinante. Muchos hemos crecido con las andanzas del joven mago y no podemos más que rendirnos ante una película que plasma parte de la fantasía emanada por los libros de J.K. Rowling gracias a un despliegue impresionante de recursos digitales. Con esta segunda parte de Las Reliquias de la Muerte se pone fin a un conjunto de ocho películas que, a pesar de sus excesos y errores, forman ya parte ineludible del legado de cine popular de los últimos tiempos. Un merecido reconocimiento a un esfuerzo ingente que ha hecho soñar a millones de jóvenes y adultos de todo el mundo.

Another Year

Cada nuevo proyecto del veterano realizador británico Mike Leigh supone una agradable sorpresa para el mundo del cine. Su mirada mordaz e implacable de las emociones humanas contribuye a retratar un sugestivo fresco que crece con cada nuevo película sin más ayuda que el diálogo como camino a la indagación introspectiva. Another Year profundiza en esa senda y nos ofrece una demoledora perspectiva de esa soledad que nos rodea y que no advertimos. Para ello, Leigh se rodea de un grupo de actores que configuran interpretaciones magistrales y dotan de verosimilitud a una trama tan real como la vida misma. Mientras queden creadores como Leigh, el valor de la palabra no terminará de perder su función en el cine, la de comunicar y transmitir emociones como un fiel reflejo de la realidad que en ocasiones no observamos con suficiente detenimiento.

Super 8

La nostalgia es un sentimiento que también merece reconomiento. Muchos hemos crecido en el cine con las películas del sello Amblin, ese que iniciara en 1982 Steven Spielberg con E.T. el extraterrestre y al que seguirían cintas inolvidables como Los Goonies, Regreso al Futuro o Quién engañó a Roger Rabbit?. El espíritu de aventura y de amistad que inspiraban el cine juvenil de los 80 parecía haberse difuminado entre la espectacularidad de los efectos digitales y la explotación de nuevos recursos cinematográficos al servicio de la taquilla, sin embargo, cuando todo parecía perdido, el exitoso creador televisivo J.J. Abrams nos brinda una hermosa fábula nostálgica de ese cine que aún permanece inalterable en nuestro imaginario colectivo. Super 8 es un poco disimulado tributo a Spielberg y a todos aquellos directores que alimentaron la imaginación de espectadores de diferentes generaciones, a partir de una historia trepidante repleta de extraterrestres, amigos incondicionales y amores imposibles; una batidora de referencias cinéfilas que nos ha devuelto parte de nosotros mismos.

Blackthron/Valor de Ley

En incontables ocasiones se ha augurado la muerte de un género cinematográfico tan particular y clásico como el western. No obstante, tan sólo en 2011 tengo el placer de destacar dos grandes películas que se niegan a dar por perdida una forma de contar historias, de sentir el cine. Por un lado, los hermanos Coen recobran parte del encanto del Viejo Oeste de la mano de un abrumador Jeff Bridges en el papel de Rooster Cogburn (personaje al que daría vida John Wayne en la cinta original de 1969) y de una joven promesa como Hailee Steinfeld, en una gran película de ritmo sostenido y dirección magistral. Por otro, reivindicamos ese curioso híbrido realizado por el director español Mateo Gil, protagonizado por un inconmensurable Sam Shepard y ambientado en el altiplano boliviano, llamado Blackthorn, una pequeña joya de nuestra cinematografía injustamente obviada a pesar de la calidad de sus interpretaciones y el pulso clásico de una trama que demuestra que el género western va mucho más allá de una demarcación geográfica.

Primos

Puesto que no sólo de dramas vive el hombre, me parece pertinente destacar una película que halla en la risa una fantástica forma de llegar al espectador para hacerlo sentir bien, para suscitar esa incierta sensación de felicidad al salir del cine. Primos es una comedia que elude el chiste fácil, el humor grueso con el que suele catalogarse el cine español, y que sustituye por una combinación de sentimentalismo veraz, situaciones rocambolescas y personajes entrañables. En la película del sobresaliente Daniel Sánchez Arévalo todo parece estar medido para provocar un estado de constante bienestar con cierta dosis de melancolía por aquellos veranos en el pueblo donde no existía más preocupación que pasarlo bien con los amigos y la familia. Por si fuera poco, Primos cuenta con una terna de actores en estado de gracia encabezada por Raúl Arévalo que hacen de la película una experiencia para disfrutar en todos los sentidos.

Tambien la lluvia

La historia puede llegar a ser una disciplina fascinante, más aún si muchos de sus episodios vuelven a repetirse una y otra vez en el tiempo. La realizadora Icíar Bollaín parece sugerir que nada cambia, que los pobres y marginados continúan siendo los mismos siglos después al servicio de idénticos patrones, y lo hace a partir de la historia de un equipo de rodaje que pretende recrear la implacable conquista del Nuevo Mundo por Cristóbal Colón en una Bolivia contemporánea inmersa en un conflicto por un recurso tan básico como el agua. La ficción deviene en realidad, como una gigantesca ironía que no entiende de progeso o civilización. El guión de Paul Laverty contribuye a dotar a la película de un sesgo ideológico incontestable, notablemente retratado por la cámara de Bollaín e interpretado por un elenco de grandes actores liderado por Luís Tosar. Una película tan necesaria como conmovedora.

Un Dios Salvaje

Este colosal baile de máscaras que es la sociedad occidental ofrece un inagotable material para la comedia absurda que la inspira. La dramaturga francesa Yasmina Reza ha sabido explotar esa mina a través de sus numerosas obras teatrales y Roman Polanski no ha querido perder la oportunidad de disfrutar de su ingenio trasladando Un Dios Salvaje a la gran pantalla con la inestimable ayuda de cuatro actores de la talla de Jodie Foster, Kate Winslet, Christph Waltz y John C. Reilly. Es cierto que la materia prima era una realidad, pero la maestría de Polanski en la administración del tiempo fílmico, la recreación de los espacios y la dirección de los intérpretes es digna de nuestra más rendida admiración. En esta película subyace una crítica mordaz de la hipocresía que mueve nuestras relaciones humanas y la mejor forma de retratarlo es a través de una historia que supura sarcasmo y mala leche.

José y Pilar

La talla de un intelectual como José Saramago puede resultar inalcanzable para el resto. No sólo por su obra literaria, merecedora de todos los elogios posibles, sino por el humanismo del que hizo gala a lo largo de toda su vida. La película documental del portugués Gonzalves Mendes consigue retratar parte de esa grandeza a partir de la narración amena de su cotidianeidad, de su forma de mirar la vida y de su relación con su mujer, Pilar del Río. Y lo hace con humor, sin graves discursos con más pose que sustancia, desde un enfoque cercano y entrañable, conmoviendo y suscitando a la vez la risa más liberadora. José y Pilar es un documento fílmico indispensable para la aproximación a un escritor que logró llegar a los corazones y conciencias de millones de personas sin más arma que la humildad, un hombre ejemplar que nunca caerá en el olvido.

Menciones Especiales

Por otro lado, no podría dejar de hacer referencia a otras películas de una calidad indudable que finalmente no han sido incluidas en la lista anterior pero que merecen ser reconocidas. Entre ellas cabe destacar, Cisne Negro, Animal Kingdom, Criadas y Señoras, Más allá de la vida, Winter’s Bone, Chico y Rita, El niño de la bicicleta, Mientras Duermes y Maktub

Crítica Immortals; Mitología del revés

2011-12-31T02:52:00.001+01:00

5/10

Las carteleras se inundan en este periodo navideño de decenas de películas que muestran el lado más comercial del cine, aquel por el que familias enteras o jóvenes adolescentes con ganas de divertirse acuden y pagan masivamente las entradas a una sala de cine. Este tipo de público acude con la intención de desconectar, pasar un buen rato y no sacrificar su tiempo a dos horas de pensamiento filosófico o análisis profundo de una obra magna.
Una de esas películas que justifican el párrafo anterior es Immortals, la película que coge el mito de Teseo y se lo pasa por el forro de los pantalones para traernos una obra que plantea dos polos diametralmente opuestos del mismo metraje. Por un lado, unos efectos especiales, sonoros y visuales dignos de mención aunque no provocan masivas ilusiones como sí lo hicieran en su tiempo los de 300, por citar una cinta similar. De otro lado, la revisión de los mitos de los dioses olímpicos, Teseo, el Monte Tártaro y ese rey cretense llamado Hiperión.
Si después de ver la película tenemos ganas de consultar un libro de Mitología helénica, el objetivo de los guionistas ha surtido efecto. El problema es que al solventar las dudas sobre el metraje nos encontramos con una sarta de errores, coincidencias falsas y transfusiones de mitos bastante sangrantes. Sería complicado enumerar todo aquello por lo que Immortals falla desde la primera escena puesto que ninguno de los personajes se enmarca en el lugar mitológico que los griegos otorgaron a sus dioses.
Es encomiable, no obstante, el intento de Tarsem Singh de ofrecer al espectador una cinta que transfiere buenas sensaciones. Su duración no se nota en exceso puesto que la continua sucesión de secuencias de acción lo suficientemente dramáticas dota al metraje de una espectacularidad muy digna. Por otro lado, tenemos unas interpretaciones destacables aunque no excelentes de los correctos Henry Cavill, John Hurt, Luke Evans, Freida Pinto o Stephen Dorff. Y eso por no hablar del `resurrecto´ Mickey Rourke, quien nos regala un personaje malvado en exceso que configura uno de los más imponentes del género. Sin embargo, son numerosas las voces que claman contra el aspecto de los dioses del Olimpo, antaño armarios de cuatro puertas que se ven limitados a hombrecillos cachas sin poco más que demostrar. Atrás queda el poderoso Zeus que vimos en la genial aventura de Disney Hércules o las forzudas recreaciones italianas de mediados del siglo XX.
Immortals no se acerca ni de lejos a obras maestras como Jasón y los Argonautas, 300, la excelsa Hércules o la irregular Troya. Sin embargo, ofrece un entretenimiento puro y duro en una época en la que tampoco conviene pensar mucho a la hora de ir al cine. El espectador se limita a disfrutar en las cenas navideñas y despejarse en una sala. Y si decide ir a pasarlo bien sin necesidad de quebrarse los sesos, Immortals es su película.
Pero no se crea nada de lo que le cuenten…

Crítica Noche de Fin de Año; Coral y desaprovechado

2011-12-30T00:45:00.000+01:00

3/10

En Navidad suelen llegar a las carteleras una serie de películas que no aportan lo necesario para satisfacer las necesidades de cine de un público cada vez más acostumbrado a ver buen cine durante la última parte del año. En estas fechas es cuando aparecen esos estrenos interesantes de cara a la temporada interminable y agotadora de premios que pueblan a los medios de comunicación. Una de esas películas insulsas y faltas de contenido es Noche de Fin de Año, esa por la que las descargas en Internet casi se amortizan sobremanera.

Con un reparto que, a priori, parece de altura y cuyas cabezas de cartel son nombres como Robert De Niro, Hilary Swank, Michelle Pfeiffer o Ashton Kutcher, la película es una sucesión de escenas que carecen de sentido hasta pasada la hora y media de metraje cuando descubrimos que las historias cruzadas previamente planteadas eran más que obvias. No hay duda de las buenas intenciones del equipo técnico y artístico a la hora de reflejar en las últimas 24 horas de un año todas las sensaciones y emociones en torno a la noche de Fin de Año, mágica para algunos e indeseable para tantos otros.

Sin embargo, este resumen de impresiones no es más que un cúmulo de escenas que no aportan absolutamente nada al inocente espectador que pague su entrada por ver a muchos actores famosos haciendo su trabajo de la mejor forma posible. Ninguno desentona porque no hay opción a ello. El escaso interés que despierta la cinta provoca una sensación de tedio constante que se ha de paliar con conversaciones paralelas o con bostezos ininterrumpidos. No hay nadie en todo el metraje que aporte una interpretación sublime sino que el ritmo constante y el montaje farragoso marcan la tendencia de una película que se nos hace lejana. No existe implicación con ningún personaje y la ilusión de empatía que debe llevar el cine se queda en simple fantasía.

No hay duda de que todo aquel que desee encontrar una obra maestra de ese género todavía inexistente como es es el "cine navideño" debe ver Love Actually, una cinta protagonizada por grandiosos intérpretes como Alan Rickman, Colin Firth, Liam Neeson, Bill Nighy o Hugh Grant que resume todos los sentimientos encontrados que nacen en estas entrañables y familiares semanas navideñas.

Si, por el contrario, desea encontrar una respuesta o se encuentra haciendo una investigación sobre los repartos corales inútiles a lo largo de la Historia del Cine, debe ver Noche de Fin de Año y demostrar que la lista es extensa y muy aprovechable, todo lo contrario que esos actores que reciben el cheque correspondiente y se dejan llevar por un guión que no les hace justicia a ninguno de ellos.

Ni tan siquiera al bueno de Bon Jovi...

Crítica Drive; Estilo y recuerdos de una violencia generacional

2011-12-28T17:00:00.000+01:00

7/10

La secuencia de créditos iniciales ya inspira una cierta confianza ante lo que vamos a ver. Recordando vagamente a Tarantino, Nicolas Winding Refn utiliza el gran tema Nightcall del músico francés Kavinsky para dibujarnos un panorama que redefine el género del cine de atracos. A través de una tipología muy particular, letras en color rosa, Refn nos trae un homenaje al cine ochentero con referencias a David Lynch, Brian De Palma, Michael Cimino o el uso de la cámara lenta para ilustrar una violencia de carácter brutal, en referencia a Sam Peckinpah.
Sin embargo, su director no copia plano tras plano sino que desarrolla sus ideas en base a estas referencias y combinándolas con su propio estilo narrativo. Nos sale así un ejercicio de autor que nada tiene que envidiar a las más representativas películas de los realizadores anteriormente nombrados. Winding Refn aparta los convencionalismos propios del cine independiente y realiza una obra que atrapa desde el primer minuto que incluso se divide en dos partes claramente diferenciadas, recordando a muchas obras del western y con reminiscencias al Death Proof de Tarantino.

En una de esas partes, se nos presenta a los personajes. Sin duda, el más característico es el encarnado por el cada vez más grande Ryan Gosling, un intérprete que está encontrando su sitio tras muchos años de trabajo en papeles como Titanes, El Diario de Noa o Fracture. Su personaje, sin nombre y con una seña de identidad como bandera recuerda al Stallone de Cobra. La inexpresividad mostrada por Gosling a lo largo del metraje no es sino una marca de héroe, de impasibilidad y de confianza en sí mismo. Por otro lado, encontramos a los exquisitos Bryan Cranston y Albert Brooks, este último favorito en las quinielas a los grandes premios por su interpretación del brutal villano de la trama. Lejos queda aquel periodista de Al Filo de la Noticia que le dio la fama internacional. Brooks le da una vuelta a su propio talento para presentarnos a un mafioso inquietante. Mientras, en la segunda parte se nos hace asistir al desenlace de una trama que posee secuencias de violenta extrema que asustarán a más de un espectador proclive a la grima.
Premiada con el galardón al Mejor Director en la pasada edición del Festival de Cannes, Drive posee una riqueza cinematográfica variada que sabe jugar con una banda sonora de corte electrónico homenajeando aquellas cintas que poblaron el género en los años 80. Sus piezas son para escuchar todas seguidas en un buen equipo de alta fidelidad en la oscuridad de nuestros hogares. Con un guión sólido, aunque en ocasiones algo perdido, Drive es toda una lección de estilo a partir de los elementos básicos de la construcción de un plano. El uso de los picados y los contrapicados para realzar o rebajar la condición de un personaje frente a otro o con respecto al espectador no quedan tan claros en otras cintas como lo hacen en Drive.
Quizás Drive sea una película tachada de violenta o brutal y a alguien puede incluso sonarle a algo ya visto. Tampoco estamos ante una de las obras maestras del año pero sí ante un entretenimiento muy destacable en la amplia variedad de estrenos que se nos muestran de aquí a la fecha de entrega de los Oscar, momento en que dará su pistoletazo de salida la nueva temporada de cine. Drive es una película para ir al cine ya que sus secuencias merecen ser vistas en una pantalla grande y ser disfrutadas a gran escala.

Películas para Dos Vidas; Trilogía El Señor de los Anillos

2011-12-25T12:00:00.000+01:00

El Retorno del Rey

El final del apasionante periplo por la Tierra Media se acerca, no obstante aún quedan grandes batallas por librar y retos difíciles que afrontar. La estoica victoria de Rohan en el Abismo de Helm frente a las hordas de Saruman tan sólo era un preludio de la guerra total que se avecina desde el Este sombrío, donde la oscuridad crece ante el pavor y el desánimo de los hombres. La unidad de estos frente al enemigo común se antoja como la única posibilidad de supervivencia, alimentada asimismo por el liderazgo del heredero de Isildur, el montaraz renegado que camina resoluto hacia el trono que le pertenece. Mientras tanto, el insensato cometido de Frodo y Sam les sumerge en las tierras estériles y ásperas de Mordor, sin más guía que una criatura traicionera que ansía por encima de todo recuperar el tesoro que le fue arrebatado en la oscuridad de su cueva.
Y qué mejor forma para iniciar la narración de esta tercera y última entrega que mostrando la historia de ese ser dual y atormentado, los orígenes de ese pesar, cuando no era más que un hobbit que pasaba una apacible tarde de pesca junto a su amigo y el anillo se cruzó en su destino para siempre, avivando una avaricia insana, propiciando un destierro del que jamás regresaría hacia las profundidades de la montaña, donde nada ni nadie perturbarían su abnegada entrega al tesoro. El prólogo que introduce Peter Jackson, además de pertinente en el proceso de comprensión del fascinante personaje, supone un sugestivo recurso narrativo a partir del cual hilvana la reanudación de la historia con fluidez y sin grandes fisuras en una trama concebida como un macrodiscurso fílmico para ser disfrutado sin pausa (para aquellos que lo logren). De hecho, esta suerte de prefacio cinematográfico enlaza con el Gollum actual que conduce a los imprudentes hobbits hacia el túnel de Ella, a partir de un soliloquio a dos voces sencillamente magistral en el que el reverso malévolo de Smeagol ha terminado por conquistar cualquier resquicio de dignidad en este último.

Paralelamente, el resto de la ya extinta compañía del anillo se reencuentra sobre los escombros de Isengard, devastada por la ira desatada de los a priori pacíficos ents. En este punto, el reto para el equipo de guionistas de la trilogía era prácticamente insalvable ya que debían decidir el destino de Saruman, quien en la novela desempeñaría un último papel trascendental eliminado de la versión cinematográfica por evidentes cuestiones prácticas de metraje. La solución narrativa aportada fue más bien torpe e incoherente, obviando la figura del mago en la versión en cines y planteando una disputa dialéctica de tintes surrealistas en su versión extendida. De hecho, parte de las críticas vertidas por los más acérrimos seguidores de la saga literaria se encuentran relacionadas con el abrupto y deshonroso final de Saruman.
A partir del desafortunado episodio de Isengard, la película retoma paulatinamente el pulso medido y ágil consustancial a la trilogía en una dinámica de tensión ascendente que nos conduce irremediablemente a la guerra escenificada en Minas Tirith. No obstante, antes se nos descubre en toda su majestuosidad la ciudad blanca, una fortaleza construida verticalmente en sucesivos anillos amurallados que constituye un auténtico y fascinante hallazgo visual del equipo técnico de la película, capaz de rebasar incluso la perfección ideada en la febril imaginación de los lectores asiduos de Tolkien. La entrada de Gandalf en la ciudad y el recorrido por sus calles a lomos de Sombragris son de una belleza real cargada de emoción y épica al son de los compases de la partitura de Howard Shore, sólo comparable con ese interludio lírico en el que se encienden las almenaras a través de imponentes montañas transitadas a vuelo de pájaro por una cámara inverosímil hasta alcanzar la vista de Aragorn en un soberbio recurso de transición espacial.

Es entonces cuando la película se interna en un bucle vibrante de acción en dos escenarios; por un lado, el tortuoso ascenso por la escalera sinuosa y la trampa que acecha a Frodo al final de la misma en forma de gigantesca criatura hambrienta (brillantemente recreada, al igual que su combate contra un Sam pletórico); y por otro, el asedio a Minas Tirith por una multitud inabarcable de orcos que augura la destrucción absoluta de la ciudad si nadie impide lo contrario. Suerte que los rohirrin, comandados por un rey Theoden envalentonado, acude al rescate de Góndor in extremis con una carga de caballería demoledora que hubiese sido suficiente sin la aparición sorpresiva de un ejército de aguerridos olifantes difíciles de derribar desde el terreno. La recreación cinematográfica de la guerra es realmente impresionante, no ya sólo por la espectacularidad del combate cuerpo a cuerpo o el inaudito despliegue de efectos especiales, sino también por la capacidad de Jackson para la creación de una atmósfera tensa y de tintes épicos desvelada en el miedo palpable de los hombres de Góndor ante la marea incontenible de oscuridad que los sitia; las arengas de Theoden ante un espléndido ejército de caballeros o el ataque suicida de los hombres de Faramir contra la destruida ciudad de Osgiliath con el canto triste de Pippin de fondo.

Es igualmente cierto que el baile de cifras de efectivos de uno y otro bando puede llegar a parecer caprichosa a tenor del uso masivo de la tecnología digital (¿de dónde salen tantos rohirrin tras la masacre del Abismo de Helm?, ¿por qué tiene unas defensas tan escuálidas el reino de Góndor?), y ofrecer instantes un tanto inverosímiles o carentes de sustancia (¿por qué no hay sangre en el campo de batalla?). No obstante, la adrenalina es segregada de forma arrolladora ante una sucesión de escenas grandiosas, como esa reivindicación heróica de Eowyn (el papel de la mujer en las novelas de Tolkien era muy secundario) al enfrentarse al señor de los Názgul con la inestimable ayuda de Merry; el momento de gloria de Legolas a lomos del olifante; el brutal asedio de la ciudad con cabeza de lobo incluida (cuando consiguen traspasar las puertas, la expresión de Gandalf lo dice todo); o la salvadora y aplastante llegada del ejército de muertos (un recurso fácil para acabar la guerra de forma rápida).
Y cuando parecía que ya todo estaba cercano a su fin y no cabía más destrucción, los restos de los ejércitos de los hombres toman la feliz idea de acudir a la misma Puerta Negra para desafiar a Sauron y, de paso, ofrecernos vibrantes instantes dramáticos de coraje y honor (la arenga del nuevo rey de Góndor entra en los anaqueles de grandes discursos bélicos del cine) aunque todo indicara que la única salida sería la muerte (Aragorn seguido por los hobbits hacia una inmensa marea enemiga; los pelos como escarpias). No obstante, a poca distancia de la Puerta se libraba la trascendental lucha por la destrucción del anillo, una confrontación de voluntades resuelta magistralmente por Peter Jackson a la altura de la novela y de la propia saga, con el feliz final para Gollum.

El Retorno del Rey, más allá de los numerosos galardones obtenidos, es la culminación de un magno poema épico de dimensiones inconmensurables; una obra capital en la historia del cine fantástico-literario que trasciende las fronteras del propio género a partir de una portentosa narrativa fílmica y del uso creativo de los medios digitales. Una amplia financiación no es sinónimo de una buena película; es necesario un trabajo minucioso y una originalidad visual sólo al alcance de algunos privilegiados. Peter Jackson y su equipo lo logran trasladando de forma impecable a imágenes un legado literario que ha espoleado la imaginación de varias generaciones de lectores, cumpliendo unas expectativas a priori inalcanzables. Un viaje de ida y vuelta ribeteado por un final emotivo que homenajea de forma justa a una personaje tan entrañable como Samsagaz Gamyi, y que cierra la historia inmortal de un mundo apasionante poblado por hombres, elfos, enanos, orcos, ents... y hobbits, en el que se escenifica la legendaria lucha entre el Bien y el Mal. Tolkien lo ideó en la cabeza de millones de personas, ahora Peter Jackson nos lo muestra, en todo su esplendor, a muchos más.

Películas para Dos Vidas; Trilogía El Señor de los Anillos

2011-12-24T13:29:00.000+01:00

Las Dos Torres

Los caminos se bifurcan. La Comunidad del Anillo se ha desintegrado y nuevos retos se abren para sus integrantes. Sin embargo, el objetivo continúa estando ligado inevitablemente a los fuegos del monte del destino; origen y final de la maldición que arrastra Frodo como si de una pesada losa para el espíritu se tratase, con la única compañía del fiel y tenaz Sam, aunque acechados por la vaga presencia de una criatura cuya trágica existencia depende de igual modo del caprichoso azar que rige los caminos del anillo. Mientras tanto, el resto de la compañía debe afrontar la irrefrenable oscuridad que anega la Tierra Media y cerca a los últimos pueblos libres de los hombres ante la inminente batalla final en la que se pondrán en liza las desiguales fuerzas del Bien y del Mal.
La mera estructura narrativa de Las Dos Torres suponía ya un complejo aunque apasionante reto para el equipo de guionistas liderado por Peter Jackson. La adaptación cinematográfica de las novelas en forma de trilogía dejaba entre el comienzo y el final un eslabón intermedio al que dotar de cierta coherencia respecto a los demás pero que al mismo tiempo fuese concebido como una película en sí mismo, es decir, que tuviese una dinámica de acción in cescendo, en cierto modo autoconclusiva, y no se convirtiera en una mera visagra de transición hacia el episodio final. El resultado fue inmejorable. El sincretismo que Jackson hilvana con maestría entre los distintos ejes argumentales supone todo un hito en la histórica relación entre cine y literatura, transgrediendo sus fronteras con la osadía de un genio al componer pura poesía visual entrelazada con el poema que es en sí misma la obra de Tolkien.

La sincronía de sus tramas se encuentra administrada por un ritmo ágil al que impone breves periodos de impasse en los que profundiza en los particulares ámbitos dramáticos de sus personajes. No obstante, la película logra mantener una vibrante cadencia en escalada ascendente basada en una necesaria artificialidad narrativa. En ciertos momentos, la rígida fidelidad al orginal literario pierde sentido en favor del propio dinamismo de la adaptación cinematográfica, aunque también en otros se enrede en cuestionables encrucijadas sin salida (como el cautiverio de Frodo y Sam hasta Osgiliath). Precisamente en este punto, en la valentía de recomponer la acción y desmarcarse mínimamente de su literalidad, es donde Las Dos Torres halla su principal virtud al erigirse como una película coherente y admirable en sí misma.
Así pues, observamos por un lado el arduo camino recorrido por Frodo, Sam y su nuevo e inesperado a guía a través de los peligrosos alrededores de Mordor, centrando de forma especial la atención al comienzo de la trama y difuminándose paulatínamente a medida que los otros escenarios ganaban peso; por otro seguimos las andanzas de los dos hobbits raptados por los Uruk-Hai de Saruman y su posterior encuentro con los ents, algo que se utiliza como una suerte de contrapunto o de pausa a la acción paralela, aunque finalmente estalle aquí de igual forma; y por último, vibramos con la épica misión de Aragorn y compañía de avivar los espíritus de resistencia del pueblo de Rohan ante la amenaza cierta de exterminio por parte de Isengard.

En Las Dos Torres podemos encontrar dos grandes atractivos que logran destacar entre el resto que de por sí abundan en la película. El primer de ello es la aparación, tras adivinar únicamente sus grandes ojos en las minas de Moira, de Gollum, todo un hallazgo técnico-expresivo que marca un antes y después en la historia del cine digital. La recreación de este correoso personaje es sencillamente portentosa, al igual que la elocuente interpretación de Andy Serkis bajo los sensores. Las escenas en las que Gollum-Smeagol desarrolla toda una lucha dialéctica interior en torno a la fidelidad hacia su amo (Frodo), logran trasmitir todo el dramatismo que desprende el torturado personaje, lo hace tangible, tan verosímil (incluso más) como cualquiera de carne y hueso, además de introducir ciertos apuntes cómicos en su tormentosa relación con Sam.
La segunda gran atracción es, sin duda alguna, la épica batalla del Abismo de Helm. En ocasiones, la pura acción no es suficiente; es preciso de crear un ambiente que inste a ella, que prepare al espectador a asistir a todo aquello que está a punto de desatarse. Peter Jackson conoce a la perfección la fórmula y la aplica aquí como nadie lo había hecho antes. Por ello, se detiene en las miradas de miedo de los pobres habitantes de Rohan a los que alistan apresuradamente en las filas de un frágil ejército condenado al exterminio, en los rostros ansiosos de sus mujeres e hijas, en ese silencio abrumador previo a la battalla.

Es realmente sobrecogedor observar las murallas repletas de hombres en una quietud imposible mientras el enemigo avanza ocupando todo el horizonte. Entonces comienza súbitamente a llover. Se oyen los rugidos de los orcos, el temblor de la tierra bajo las pisadas de miles de ellos, la tensión palpable, el terror mezclado con el deber y la valentía de los hombres; la épica, al fin y al cabo. El combate se desencadena, la muerte anega el campo de batalla, la lucha cuerpo a cuerpo selecciona a los más fuertes; pura acción cinematográfica técnicamente impecable y acompañada por los compases de la música de Howard Shore que coloca al Abismo de Helm (incluso con sus licencias heróicas algo inverosímiles) entre las más apasionantes vistas en una gran pantalla. Imposible no permancer en tensión durante los más de cuarenta minutos (con algunos intermedios) en los que se despliega la batalla, hasta la llegada salvadora del mago blanco con los rohirrin a sus espaldas.
Las Dos Torres era quizás la película de la trilogía más complicada que debía afrontar Peter Jackson y su equipo, sin embargo, la simplicidad narrativa que utiliza para dar sentido y coherencia al eslabón intermedio, la convierte en el verdadero eje de la saga.

Películas para Dos Vidas; Trilogía El Señor de los Anillos

2011-12-23T13:29:00.000+01:00

La Comunidad del Anillo

El mundo ha cambiado; lo siento en el agua, lo siento en la tierra, lo huelo en el aire...Las palabras de la dama Galadriel eran premonitorias. El extenso lapso de tiempo abierto tras la última gran batalla contra el mago oscuro Sauron en la que el anillo único de poder abandonó a su dueño original, se mantuvo en una quietud aparente, una paz ficticia. El Mal continuaba al acecho, reconstruyéndose tras las oscuras murallas de Mordor, alimentado por la debilidad de los hombres, esperando una nueva oportunidad para recuperar lo que un día fue suyo; el anillo. Demasiado tiempo fue objeto de la fascinación obsesiva de un ser corroido por la avaricia y recluído en lo más profundo de la montaña, en las sombras impenetrables, donde nada ni nadie osaría internarse. Salvo una pequeña criatura, un hobbit indiscreto y curioso embarcado en una aventura insólita junto a doce enanos. Los avatares del destino lo condujeron a la montaña y su audacia le proveyó el tesoro; acertijos en la oscuridad. Sus hazañas prosiguieron y el viaje emprendió su vuelta, y con él, el embaucador anillo. Mientras tanto, esa grimosa criatura que durante tanto tiempo lo poseyó, dio inicio a su trágico periplo por una tierra hostil que lo llevaría hacia las mismas fauces de la Torre Oscura, donde entre sollozos y confuso balbuceo reanudó el ciclo; el mundo se abocaba de nuevo al cambio, las sombras crecían, el anillo era el fin indisoluble de la eterna lucha entre el Bien y el Mal.
El extenso y evocador prólogo que J.R.R. Tolkien compuso a modo de poema en verso para introducir la épica historia que desarrollaría a lo largo de tres novelas y cientos de páginas, podría constituirse como una película en sí misma llena de matices y trepidantes aventuras, por lo que el reto para Peter Jackson, Frank Walsh y Philippa Boyens, equipo de guionistas de la ambiciosa trilogía cinematográfica, de sintetizar todo un universo fantástico en una trama limitada y con una coherencia suficiente para ser comprendido por los profanos en la novela, era de dimensiones colosales.

La base de esta magna obra cinematográfica se encontraba en ese prólogo, pues sin él todo el desarrollo posterior hubiese estado condenado al fracaso. El resultado fue una perfecta y sincrética maquinaria narrativa que resumía en apenas unos minutos la compleja telaraña argumental que Tolkien había tejido en docenas de páginas. La armónica conjunción entre la voz de la elfa Galadriel (Cate Blanchett) y la belleza de las imágenes, elegida cada una de ellas con un justificado sentido ilustrativo, sumerge desde el comienzo al espectador en un mundo fantástico narrado como si de un legendario cuento oral se tratase, un exquisito preámbulo para una historia grandiosa.

La Comunidad del Anillo posee un aroma especial. La placidez de La Comarca, la afabilidad de sus gentes, el verde de sus prados, el despreocupado disfrute de la fiesta de cumpleaños de Bilbo, la celebrada llegada del mago gris, se nos antoja como un remanso de paz ante todo lo que está a punto de acontecer, el contrapunto luminoso a la paulatina reconquista de la Tierra Media por la oscuridad. Es entonces cuando la acción se desata y la aventura se inicia con una espectacularidad insólita hasta este momento en la gran pantalla. El peregrinaje de Frodo, Sam, Merry y Pippin por los límites de la Comarca con los jinetes negros tras sus pasos hasta su abrupta llegada a la aldea de Bree sacrifica algunos pasajes del libro francamente encantadores (como su paso por el Bosque Viejo o el encuentro con el peculiar Tom Bombadil), no obstante con ello la película gana en agilidad y tensión en un primer acto que podríamos extender hasta el concilio de Rivendel y que logra su clímax en la Cima de los Vientos.

Una vez constituida la Compañía del Anillo, la trama termina de configurar el elenco de personajes principales, quienes inician una misión suicida en torno al sorprendente portador que los llevará, en esta primera entrega, hasta las impenetrables raices de la tierra. La entrada de la compañía en las minas de Moira es todo un fabuloso despliegue técnico en el que el tratamiento de la luz dota de total verosimilitud a la recreación digital del lugar, además de escenificar la primera escaramuza bélica de la saga en una escena brutal de lucha cuerpo a cuerpo. Aquí las criaturas son reales, su sangre salpica la pantalla, el temor se deja sentir en el ambiente, la épica comienza a aflorar en todas sus vertientes. Y entonces aparece el Balrok y corroboramos la magnitud del espectáculo al tiempo que vibramos con la férrea actitud de Gandalf (un magistral Ian McKellen) a no dejarlo pasar bajo ningún concepto en una escena memorable de una evidente carga dramática.
Tras ello, la incursión de la maltrecha compañía en el bosque de la dama Galadriel es un súbito impasse un tanto aburrido aunque justificado en su intento de ahondar en el alma de sus personajes, que da paso finalmente a la encrucijada de caminos en la que se ramifica la epopeya después de la honrosa muerte de Boromir.

La Comunidad del Anillo es la entrega de la trilogía con un menor peso de la acción, sin embargo la capacidad de sugestión de Peter Jackson en la recreación de los ambientes y en el retrato de las actitudes y actos de sus personajes hacen de ella, a mi parecer, la pieza más trepidante de la saga; aunque discernir entre la calidad de las tres películas sea de una complejidad evidente, pues es fácil concerbirla como un bloque homogéneo. Puede que cada espectador halle en cada una de ellas una razón personal para elegirla como predilecta, y si tuviese que dar una explicación coherente de la mía me faltarían las palabras. Probablemente sea debido a que La Comunidad del Anillo es el comienzo de la aventura, la primera pieza de una deslumbrante pieza visual, un inicio evocador de una historia arrebatadora, el contacto original con el universo, ahora cinematográfico, de Tolkien. A simple vista, la ambición de Peter Jackson y su equipo era suicida, sin embargo lograron cumplir las expectativas incluso de los más acérrimos seguidores de la saga. Los recursos técnicos, la banda sonora de Howard Shore, las interpretaciones de su elencto actoral, el escenario natural de Nueva Zelanda o el ingente despliegue de extras sometidos a un maquillaje inaudito; son sólo agunos de los ingredientes que contribuyeron a confeccionar una película perfecta; el fascinante inicio de la mejor saga cinematográfica de todos los tiempos.

Homenaje El Rey León; La inolvidable joya de Disney

2011-12-21T00:48:00.001+01:00

Han transcurrido 17 años desde su flamante estreno internacional y parece que fue ayer cuando nuestros avezados ojos de niño anhelantes de fantasía quedaron por primera vez encandilados por la apasionante aventura de Simba, un pequeño león desterrado de su reino tras la trágica muerte de su padre y el malévolo plan urdido por su tío Scar (las resonancias de Hamlet son evidentes). Y es que El Rey León es probablemente la película de animación tradicional de Disney más universal de cuantas han salido de la legendaria factoría, en virtud a una larga serie de ingredientes que la hacen única y deleitable en todos los sentidos; una historia de fondo dramático aunque atravesada por una comicidad amable y ocurrente, una banda sonora sensacional compuesta por el que quizás sea el repertorio de canciones más completo de Disney; personajes inolvidables y entrañables; e incluso toda una filosofía vital elaborada en torno al mítico proverbio del Hakuna Matata.
Ante esta milagrosa conjunción de ritmo, color, drama, música y risas envuelta por la mágica belleza plástica de la sabana africana y sus particulares pobladores, la respuesta natural e inevitable es rendirse al espectáculo, sumergirse en un universo poblado por animales a los que se humaniza a partir de marcados estereotipos enraizados en nuestra propia cultura; previsibles y sin matices, es cierto, pero entrañables al fin y al cabo, profundamente evocadores de esa lucha entre el bien y el mal de la cual hacer derivar los valores de bondad, amistad, honor o responsabilidad que todos aprendimos (o deberíamos haber hecho) desde nuestra más tierna infancia.

La historia es narrada con agilidad y sencillez, sin permitir apenas un respiro entre los momentos dramáticos y los números musicales que se despliegan en la pantalla con total armonía. Y es que, a pesar de la honda carga dramática de la película evidenciada por la trágica muerte de Mufasa (tan sólo comparable a la traumática pérdida de Bambi), El Rey León posee la admirable capacidad de suscitar cierta sensación alegría, de hacer que el espectador se sienta bien, que pase un rato trepidante inmerso en ese viaje de ida y vuelta que acomete Simba desde que es desterrado de su propio reino. Ese valor añadido corresponde en parte a la aparación de la inefable pareja compuesta por Timón y Pumba, quizás unos de los personajes más divertidos de la tradición Disney que además nos ofrecen toda una visión hedonista de la vida que actualiza el mismísimo carpe diem romano. El Hakuna Matata es la realización absoluta de la alegría de vivir, un canto a la despreocupación, una auténtica oda al placer como principio rector de nuestra existencia.

De igual modo, no debemos olvidar el ritmo frenético al que nos someten los fantásticos números musicales que jalonan la trama; desde esa majestuosa obertura (y también epílogo) del ciclo de la vida, hasta la visualmente espectacular 'Yo Voy a ser el rey león', pasando por ese contrapunto oscuro protagonizado por Scar entre las legiones de hienas, o la emotiva Can you feel the love tonight? (ganadora del Oscar). Las canciones compuestas por Elton John y supervisada por el gran Hans Zimmer pertenencen ya a la herencia cultural de una generación que ha crecido con ellas, que las ha interiorizado como parte de su propia infancia y que es incapaz de escucharlas sin tararear de memoria sus estribillos.
El Rey León supuso en el momento de su estreno la prolongación del estado de gracia de Disney iniciado en 1989 (tras la aciaga década anterior) con La Sirenita y continuado por La Bella y la Bestia y Aladdin. No obstante, el éxito de la película (sobre la cual se primó, en un principio, Pocahontas) sobrepasó cualquier expectativa y legitimó la osadía de sus creadores al trasladar a la pantalla una historia original ambientada en el continente africano y protagonizada exclusivamente por animales (un aspecto poco explotado hasta entonces). La taquilla la auspició al parnaso de las más vistas de la historia y los premios se acumularon en las estanterías de Rob Minkoff y Roger Allers (incluido el Globo de Oro a la Mejor Película Musical). No obstante, más allá de triunfos coyunturales, el gran logro de El Rey León es el de permanecer en nuestros corazones con una huella imborrable, ajena al tiempo. Ahora cumple 17 años, y la necesidad de prolongar su magia en las nuevas generaciones es imprescindible con reestrenos en salas como este. Y es que números musicales como este, bien valen nuestro recuerdo y nuestra admiración.

Nominaciones 69º edición Globos de Oro

2011-12-17T21:54:00.000+01:00

La temporada de premios ya comienza a vislumbrarse en el horizonte y con ella esa carrera a contrarreloj de todo cinéfilo que se precie por disfrutar de las películas elegidas del año, ya sea para corroborar la decisión de los expertos o bien para desmarcarse de la 'línea oficial' impuesta por la remilgada academia hollywoodiense. Por ello, aunque todos los premios se conciban como una carrera cuya meta indisoluble son los Oscar, debemos reivindicar la trascendencia de otra serie de galardones que en cierta forma se adecuan más a ciertos valores de calidad y coherencia. Los Globos de Oro, en cuanto a un reconocimiento dotado por la crítica extranjera, son un buen ejemplo de ello y ofrecen un panorama bastante fiel de lo que puede considerarse como "lo mejor del año", además de incluir una necesaria sección destinada exclusivamente al estimulando mundo de la ficción televisiva.
Con todas las nominaciones sobre la mesa, ya vamos conociendo algunas de las películas llamadas a liderar la temporada de premios. Entre ellas destacan dos proyectos de un George Clooney desdoblado en sus dos facetas profesionales; por un lado protagonizando el nuevo proyecto de Alexander Payne (quien ya deslumbrara con la inteligente Entre Copas) titulado Los descendientes, por el que además recibe nominación al mejor actor dramático; y por otro como director (nominado de igual forma al respecto) del film político Los Idus de Marzo, en el que también aparece delante de las cámaras junto a Ryan Gosling, quien acumula candidaturas en el apartado dramático por esta película y en el de comedia por su participación en Crazy, Stupid, Love; desvelando la inexplicable tendencia actual de repartir los reconocimientos entre un número reducido de artistas como si no hubiese más actores dignos de tamaña distinción.

Entre los proyectos del omnipresente Clooney se filtran La invención de Hugo, una cinta de animación realizada por Martin Scorsese en un sorprendente giro creativo en su carrera cinematográfica; The Help, una película pretendidamente indie que representa la sorpresa del año en Estados Unidos con unas cifras de recaudación admirables y cinco candidaturas entre las que destacan las de su excelente reparto femenino (tres, en concreto, para Viola Davis, Jessica Chastain y Ocativa Spencer; aunque con la notable ausencia de esa malvada genial Bryce Dallas Howard); el drama deportivo Moneyball, por el que Brad Pitt suena con fuerza para el Oscar (una vez descartada sorprendentemente El Árbol de la Vida) aunque la película sea esencialmente mediocre; y el Caballo de Batalla de Steven Spielberg, quien calienta motores para los que augura toda una lluvia de premios para su biopic de Lincoln.
Paralelamente, en ese ambiguo territorio de la comedia/musical destaca The Artist, la película francesa que provoca un furor entusiasta allí donde es proyectada y que alcanza la ilusionante cifra de seis nominaciones. No obstante, deberá combatir con la ingeniosa fábula parisina de un Woody Allen en estado de gracia; la biografía de una Marilyn Monroe a la que da vida Michelle Williams en una demostración más de un talento difícil de clasificar igualmente reconocido con nominación; con esa comedia atroz llamada La boda de mi mejor amiga (sin palabras); y con 50/50, un drama veraz y sensible (que no sensiblero) sobre un joven al que le detectan cáncer, recreado con una verosimilitud abrumadora por Joseph Gordon-Levitt en una de las interpretaciones del año.
Más allá de las categorías clave, debemos hablar de las nominaciones de Leonardo DiCaprio por J.Edgar, un nuevo proyecto de Clint Eastwood desestimado precipitadamente por los críticos; Michael Fassbender por Shame; Meryl Streep por su conversión en La Dama de Hierro, es decir, en Margaret Thatcher; o Kate Winslet y Jodie Foster por la injustamente olvidada Un Dios Salvaje.

La representación española irá de la mano de ese genio tan internacional como el toro de Osborne a quienes los estadounidenses ven con una fascinación cercana al delirio. Sí, hablamos de Pedro Almodóvar y de ese flamante ejercicio estético llamado La Piel que Habito (nótese el agrio sarcasmo), quien competirá (esperemos que sin posibilidades) con el excelente retrato realista de los Dardenne en El Niño de la Bicicleta, el drama iraní Nader y Simin, una separación; la primera incursión en la dirección de Angelina Jolie sobre la guerra de Bosnia; y una película china protagonizada por Christian Bale en un claro ejemplo de lo que significa la globalización.
En el mundo de la televisión, si bien precisa de un análisis más profundo teniendo en presente la calidad de todas sus propuestas, nos referiremos brevemente al estreno en la terna de candidatos de la nueva serie de FX American Horror Story (incluida la merecida nominación a una inquietante Jessica Lange), ideada por un Ryan Murphy casado con el éxito; la megaproducción de la HBO sobre el universo fantástico de George R.R.Martin Juego de Tronos; el thriller psicológico de Showtime Homeland; y el drama político Boss. Mientras tanto, en el terreno cómico se estrenan Episodes, con un renacido Matt Le Blanc, la serie de la pizpireta Zoey Deschanel, New Girl, e Iluminada, protagonizada por Laura Dern; en una competencia algo desigual con la muy consolidadas Modern Family y Glee.

El listado completo de nominados en el siguiente enlace.

Crítica Perros de Paja; Confusión de ideas

2011-12-16T17:00:00.000+01:00

2,5/10

Ni Rod Lurie es Sam Peckinpah, ni Kate Bosworth es Susan George ni, por supuesto, James Marsden es Dustin Hoffman. Es imposible que vea esta película como algo diferente a la arriesgada y polémica apuesta que el legendario director norteamericano trajo en 1971. Aquellos pezones con los que Peckinpah desató la trama de la original Perros de Paja bajo el jersey de Susan George siguen estando duros en el cuerpo de Bosworth, pero cualquier parecido con lo que significaron en 1971 es pura casualidad.

El guión de este remake pretende recuperar elementos de su predecesora. Pero ni estamos en la Inglaterra de finales de los 60 ni Dustin Hoffman trabajaba con un Sony VAIO. No estoy afirmando que esté mal hecha ni que no sea una digna película de suspense pero da la casualidad en que se han ido a fijar en una de las obras cinematográficas clave del pasado siglo XX y les ha salido el tiro por la culata con una americanada humillante para la Historia del Cine y sangrante con una de las obras maestras de la época dorada del Séptimo Arte.
El componente sexual de la original era un acontecimiento que desataba la furia, la ira y la violencia descontrolada que todo ser humano posee como instinto innato. Susan George andaba sin sujetador en 1971 y, algunos consideraron que la mítica escena de la violación rodada con maestría por Sam Peckinpah, era fruto del ansia por desatar los instintos más bajos y básicos de una sociedad inglesa rural anclada en viejas convenciones. Hubo quien interpretó en aquella violación el hecho de que la protagonista femenina iba provocando y la violación se la merecía, con todas sus consecuencias. En este remake, nos enfrentamos ante el mismo hecho pero ya algo ha cambiado. Y si comparamos ambas películas, el resultado es más que decepcionante. La sociedad ya no es la misma y, si vemos la original, se nos hace un nudo en el estómago poniéndonos en la situación espacio-temporal de 1971 y viviendo cada suceso con la garganta encogida.
Los protagonistas de aquella película no eran guapos y rudos actores. El cuerpo de Alexander Skaarsgard no es precisamente para sentir asco y repulsión, que es lo que el director intentó transmitir en la cinta original mediante el uso de gente de carácter pueblerino y sin demasiadas neuronas en el cerebro. No estamos ya ante la evolución del personaje de Dustin Hoffman, que pasa de ser un científico tontaina a un auténtico vengador, protector de su hogar y de aquello a lo que más ama. Lo siento, pero James Marsden no me parece ni de lejos un actor capacitado para realizar un trabajo de la altura que se le presupone a este remake. Comparar a ambos actores es, cuanto menos, un sacrilegio. Hay clásicos que deben ser inmutables. Cualquier intento por revisar las tramas ya consagradas no hace más que conseguir echar por tierra el resultado final y desprestigiar o ensalzar, depende el caso, a la obra original. ¿Qué pasaría si se hiciese ahora un remake de La Naranja Mecánica? ¿O de El Padrino? Las tomaduras de pelo procedentes de un Hollywood falto de ideas no las tenemos porque pagar los espectadores y a través de estas líneas, insto a todo aquel que me lea a no gastarse ni un euro en acudir a la sala de cine a ver semejante desfachatez y busque, disfrute y se sobrecoja con la obra original.
Perros de Paja siempre será una de las obras maestras de un director legendario fallecido hace casi treinta años al que se estudia en la mayoría de escuelas de cine por su excelente tratamiento de la violencia. Dura, seca, árida, brutal. Un compositor de planos y un maestro de la cámara que retrató las inclinaciones más primarias del ser humano sin complejos ni tabúes. Es por eso que esta Perros de Paja no es ni de lejos un homenaje a un gran cineasta, clave en la Historia del Cine. Es una chorrada de tamaño monumental que no merece ni una sola línea más.
Si el Psicosis de Gus Van Sant nos pareció una falta de respeto a los amantes del cine de Hitchcock. ¿Cómo llamaríamos a esto?

Crítica El niño de la bicicleta; O la imperiosa necesidad de correr

2011-12-11T21:31:00.001+01:00

7,5/10

Las similitudes entre el Antoine Doinel que Truffaut erigió como su indiscutible alter ego en Los Cuatrocientos Golpes y el instintivo Cyril, eje dramático de la última película de los hermanos Dardenne, van más allá de su irresistible impulso hacia la huida sin un rumbo certero. La indiferencia hostil de la madre de Antoine así como la rectitud oportunista de su padrastro empujan al chico a una realidad exterior distorsionada en la que intenta hallar el sentido último a una vida emocionalmente vacía a partir del delito y de conductas antisociales. Como el personaje de Truffaut, Cyril se aferra en un principio al cariño de un padre ausente que lo rechaza como base de una nueva vida, para más tarde enrolarse en las filas de un persuasivo gángster de barrio con el peregrino fin de crear un cierto sentimiento de pertenencia en una dinámica de autodestrucción consciente.
Sendos muchachos persiguen el cariño que la vida les ha arrebatado en su ámbito familiar (en el caso de que existiese) de la única forma que han aprendido, a partir de gestos torpes y decisiones desafortunadas en base a una capacidad emocional inexistente. Por ello huyen, corren con furia contenida, pedalean como si la frenética actividad de sus músculos pudiese silenciar la agonía interior que los arroja a un precipicio predestinado. De hecho, en ambas películas las largas secuencias de marcha constante, como ese bello epílogo que Truffaut compuso en una simbólica playa en blanco y negro, pueblan una trama de imágenes crudas y un realismo sin concesiones; directo y despojado de discursos morales acerca de los perversos mecanismos de la sociedad burguesa. Simbolizan ese grito de desesperanza, ese aullido de auxilio que demanda un ápice de ese afecto usurpado de sus vidas.
En ese sentido, los hermanos Dardenne depuran un acertado estilo narrativo sin ambages que fluye de forma natural en una serena exposición de los hechos. Cyril es un chico que vive en un orfanato tras el abandono de su padre; incapaz de aceptar la abrumadora realidad, el chico inicia un angustioso periplo en busca de este con la única ayuda de una bicicleta, último vestigio de un amor al que se aferra de forma contumaz, y de una mujer que se entrega emocionalmente a la improbable tarea de aplacar el atormentado espíritu del muchacho. Una vez consciente del rechazo expreso del progenitor, Cyril se embarca en su personal travesía del desierto adoptando un rol de marginado que le impide ser rescatado por la bienintencionada Samantha (interpretada por Cecile de France); al ser despreciado por su propio padre, el chico se siente incapaz de volver a confiar en alguien, se encierra en una opresiva atmósfera de pesadumbre que lo llevará a cometer un delito que lo reafirme en su papel de excluido social.

El niño de la bicicleta supone un retrato vívido y apasionante de la compleja realidad social de la que en ocasiones nos erigimos como implacables jueces sin un conocimiento cierto de la ambivalencia de los conflictos desatados en su seno. La desesperanza, la carencia de afecto o la desintegración de las estructuras familiares cultivan comportamientos antisociales en los que el resentimiento o el odio desempeñan roles trascendentales. Y todos nosotros, como ciudadanos interactuantes, portamos cierta responsabilidad en esa frágil balanza de justicia que siempre estará desequilibrada mientras pervivan las desigualdades. Lejos de legitimar conductas violentas o incluso de elaborar alegatos de civismo, la película de los Dardenne suscita la reflexión a partir de la narración sencilla de una historia que es trasladada a la gran pantalla con el comedimiento propio del cine social europeo menos doctrinario.
Sin lugar a dudas, El niño de la bicicleta supone un instrumento fundamental para alimentar el debate en una sociedad de complejidad creciente en la que es preciso afrontar la exclusión como una práctica perjudicial para la propia supervivencia de la misma. Como Antoine Doinel en la cinta de Truffaut, Cyril , al que el joven Thomas Doret dota de una verosimilitud pasmosa, huye por alguna razón; su desasosiego nace de la insatisfacción de una vida sin amor. E incluso al hallarlo, sus impulsos aprehendidos le impiden aceptarlo. Al menos, los Dardenne son benévolos con el muchacho y le ofrecen un final digno, esperanzador, cuando todo parecía indicar a un giro dramático conclusivo. Una película llena de matices y eficazmente resuelta que bien les ha valido el respaldo y admiración de la crítica europea en Cannes y los EFA. Esperemos que su recorrido se amplie internacionalmente en los próximos Oscar.

Grandes Clásicos; El Gran Gatsby

2011-12-09T14:37:00.001+01:00

7/10

El cine suscita una profunda capacidad y necesidad de debate entre los profesionales de la industria, los periodistas y el gran público, fuente de éxito y receptor de las intenciones tanto de la industria como de los críticos, algunos de ellos con muy mala sangre. Fruto de la confrontación de ideas nace el necesario debate en torno a algo tan subjetivo como es la interpretación de cualquier obra fílmica.
Sin duda, El Gran Gatsby constituye uno de esos ejemplos de diversificación de opiniones entre los que encuentran en la obra de F. Scott Fitzgerald todo un hallazgo que fue mal llevado a la gran pantalla y otros que, sin haber leído la universal novela americana, se han dejado llevar por una gran historia en torno al misterioso personaje encarnado por el inimitable Robert Redford. El actor, uno de los galanes más atractivos de la época dorada del cine, convierte a su protagonista en uno de los roles más perfectamente dibujados de las adaptaciones cinematográficas de aquella época tan convulsa como los años 20.
En medio de un contexto bélico en el que los soldados regresan del frente devastador que dejó tras de sí la Primera Guerra Mundial, nacen unos Estados Unidos que se asoman al mundo como cuna de la mediocridad social, inundada de falsas expectativas, hipocresía, clasismo y apariencias más que engañosas. En esta realidad se mueven los protagonistas de El Gran Gatsby, una sociedad en la que el charlestón, el jazz y las reuniones sociales son el día a día de los más ricos mientras que los pobres apenas sostienen sus negocios, abandonados en medio de la nada. Una película sobre amores imposibles, hipocresía, falsedad, dinero, mucho dinero, etiqueta y suntuosas mansiones.
Si el personaje de Robert Redford otorga al metraje de un aura misterioso, intrigante y excepcional no van a ser menos sus compañeros en el reparto de la película. De ese modo, destacamos sobremanera los roles de Sam Waterston y el gran Bruce Dern, un actor infravalorado cuyas interpretaciones han sido auténticas lecciones de cine. Ambos, confeccionan dos caras de la misma moneda. Dos hombres con buenas oportunidades de progreso que llevan una vida cómoda, uno en soledad y otro acompañado de su esposa, una de nuevo insoportable Mia Farrow a la que cada día duele más ver en una película.
El Gran Gatbsy es el resultado de la adaptación que Francis Ford Coppola redactó de la novela de F. Scott Fitzgerald, uno de los autores más importantes de la literatura norteamericana de principios de siglo. Aunque la última hora de metraje resulta de lo más apetecible y exquisita, hasta llegar a ese punto, hemos de pasar por unas tediosas fiestas que no hacen más que provocar el aburrimiento en el espectador. La situación espacio temporal de la película viene bien definida por la sinopsis y una primera media hora muy bien situada. Sin embargo, Coppola se recrea demasiado y es quizás el mayor fallo de una película, por otro lado, muy destacable en la que ciertos giros de guión sorprenderán al espectador más adormilado obligándolo a prestar toda su atención a la trama.

Dirigida por Jack Clayton, la película constituye un buen documento fílmico sobre una época controvertida, dirigida por unas clases sociales que abusaron de sus ganancias y que se vieron abocadas al fracaso una vez llegó la crisis de 1929. Una época en la que los contrabandistas se hicieron de oro gracias a la aprobación de la Ley Seca y la llegada de cientos de locales clandestinos donde el alcohol, las mujeres y el dinero corrían como la pólvora.

Crítica Chico y Rita; Hermoso tributo animado a una época de Jazz

2011-12-08T13:56:00.000+01:00

7/10

La osadía debería ser una característica consustancial al oficio de creador. Esa capacidad para transgredir, para hacer algo que nadie antes había hecho, para ofrecer al público obras arriesgadas e insólitas, es lo que le da sentido a esto que hemos convenido en denominar Arte. Sin la renovación permanente del tratamiento narrativo, los recursos técnicos o la recreación de los ambientes, el cine no dejaría de ser un deja vú continuo al que seguir sumando películas con más similitudes que diferencias. Fernando Trueba, uno de los realizadores más respetados del cine patrio, parece haberse negado a perpetuar la fórmula de viejas glorias (lo que sin duda, además de resultar más cómodo, hubiese repercutido en un mayor respaldo del público) y ha mostrado un inusitado interés por adherirse a esa corriente de recreación constante.
Con Chico y Rita se sumergue junto al diseñador Javier Mariscal y Tono Errando en ese extraño y hasta cierto punto incomprendido ámbito de animación para adultos para componer lo que supone toda una oda a un estilo musical tan apegado a una época como el Jazz. Para ello, teje una historia de amor que es en sí misma un tributo al romance entre Humphrey Bogart e Ingrid Bergman en la mítica Casablanca, aunque ambientada a medias en la trepidante y colorida Cuba pre-revolucionaria y en el Nueva York de las grandes leyendas del jazz. Chico y Rita son dos músicos que entrelazan sus caminos en su lucha por alcanzar el éxito, sin apenas percatarse de que éste se erige como algo secundario cuando falta el amor. Por ello, Trueba desarrolla la narración en dos tiempos que remarcan la nostalgia hacia el pasado y las oportunidades perdidas, al mismo tiempo que posibilita el tan ansiado reencuentro entre los amantes.
Lo cierto es que el poder sugestivo de la historia es de tal calado que el espectador pronto olvidará que se trata de un largometraje de animación. La calidad del dibujo de Mariscal y el potencial expresivo de sus personajes, cuyos movimientos son debidos a actores de la escuela de cine de San Antonio de Los Baños (Cuba), contribuyen a la fascinante recreación de un mundo lleno de color y agitación acompasado por los elegantes ritmos del jazz. De hecho, la música constituye el pilar principal de la trama a partir su omnipresencia y la abundancia de tributos a viejos maestros que parten desde los propios títulos de créditos, donde descubriremos a Bebo Valdés como responsable de la banda sonora de la película, en la que también destaca la participación de Estrella Morente.

La película ha supuesto todo un arriesgado ejercicio de creación colectiva en diferentes paises desarrollado a lo largo de cinco años y con una importante financiación, que ha sido recompensado por numerosos premios (incluido el Goya), el último de ellos el galardón de la Academía Europea. No obstante, parece que el público, en concreto el español, no está aún preparado para una técnica cinematográfica ligada tradicionalmente al público infantil pero que ofrece multitud de posibilidades narrativas y creativas. A este respecto, es especialmente ilustrativa la escena onírica de Chico y Rita en la que el primero se sumergue en un sueño en la mítica escena del piano de Casablanca; todo un portento de imaginación y belleza plástica que dota de mayor valor a una historia de amor clásica.
La valentía de este trío de creadores es digna de admirar y supone todo un soplo de aire fresco a la cinematografía nacional, que a pesar de la creencia popular, continúa innovando y concibiendo piezas tan interesantes como esta hermosa película musical. Sin duda, una de las sorpresas del año, realizada para ser gozada tanto por los ojos como por los oidos.

Crítica Attack the Block; Éxito y poco presupuesto

2011-12-07T19:00:00.000+01:00

8,5/10

Un escuadrón de la muerte que no tiene nada que envidiar a los Siete Magníficos, al Grupo Salvaje, a los 88 Maníacos o los Malditos Bastardos. Estos adolescentes son tan sangrientos y tienen tanta sed de venganza como en su día la tuvieron aquellas míticas cuadrillas del cine. Así es como puedo definir la genialidad que mis retinas han contemplado durante unos breves pero intensos 80 minutos de metraje. Attack The Block es lo que siempre he querido ver en el cine. Una película fresca, ágil, dinámica, original pero que respete las convenciones de los géneros de los que bebe. Attack The Block coge muchos elementos de la serie B y los lleva hasta la actualidad, proporcionándonos un disfrute como pocos hemos visto en este 2011. No tengo ninguna duda sobre la nacionalidad de su producción. Estoy seguro de que si la película hubiera sido realizada por norteamericanos, estaría ya crucificada. Sin embargo, los británicos han decidido dar una vuelta de tuerca a su cine y romper con sus propias herencias.
Hay quien ha comparado la cinta, premiada por el público del Festival de Sitges, con la reciente producción de Steven Spielberg y J.J. Abrams Super 8. Pese a estar ambientadas en épocas distintas, son más que parecidas. Sin embargo, la de Spielberg homenajea un tipo de cine muy específico que se dio en los años 80 respetando tanto a las producciones de la época como las aventuras y el tipo de protagonistas que las interpretaban. Pero en Attack The Block encontramos algo totalmente diferente. Nos situamos en la actualidad, en un lugar marginado de la ciudad. Donde se vende droga y los niños crecen al desamparo de los beneficios sociales de los que gozan en otros barrios. En esta película, el protagonista es un bloque de pisos bizarro en el que conviven este grupo de chavales. Llamativo es que, a lo largo del metraje, no aparezca ni un solo adulto. Ni un padre, ni una abuela. Los chavales están solos ante el peligro.
La película no contiene excesos, simplemente los que Joe Cornish se ha permitido con un guión iluminado sobre los barrios bajos de un Londres asaltado por unos extraterrestres a los que no estamos acostumbrados. Con un ritmo ágil y una banda sonora a la altura de la trama, Attack The Block se ha convertido en una película destinada al uso y disfrute de los más jóvenes, quienes se verán ampliamente representados en este grupo de amigos cuyas inquietudes son la Xbox, el FIFA, el número de caracteres para escribir un SMS y unas familias, en ocasiones, muy disfuncionales.Sin duda, estamos ante un homenaje contemporáneo a toda la generación de los 90, aquella que creció a caballo entre el paso de las nuevas convenciones sociales a las tecnologías de las que hoy dependemos de forma descabellada. En este sentido, encontramos protagonistas para todos los gustos en un reparto en el que no sobra absolutamente nadie. Todos los papeles están bien repartidos y las situaciones se complementan unas con otras. Quizás su éxito radique en la corta duración de un metraje que posee una frescura y originalidad como pocas producciones hemos visto en el año.
Es una película que, como todas las que pretenden dar un giro a lo establecido, hay que ver en versión original. La jerga hablada entre estos jóvenes londinenses hay que escucharla y comprenderla en su contexto específico. La película de Joe Cornish es una de esas por las que hay que reivindicar el uso de la versión original. El disfrute será máximo con cada palabra y situación que sucede a lo largo del libreto escrito por el propio director.
No hay que desdeñar a esta pequeña película británica que no tiene absolutamente nada que envidiar a ninguna película ni de ciencia ficción, ni de aventuras, ni de invasiones alienígenas anteriormente realizada con presupuestos desorbitados y ampara por un gran estudio norteamericano. Muchas veces, lo que se realiza con pocos medios económicos, tiene mucha más importancia y se valora mucho más.

Crítica La Conspiración; Reflexiones ausentes

2011-12-04T17:35:00.001+01:00

6,5/10

Robert Redford nos presenta La Conspiración, su octava película como director adaptando la conjura que la Unión juzgó tras el magnicidio del presidente Abraham Lincoln. Una cinta que narra de manera sobria unos acontecimientos que marcaron la época final de la Guerra Civil norteamericana. Redford, sobre todo tras Leones por Corderos, dejó claras sus intenciones a la hora de ponerse detrás de las cámaras utilizando su ideología política, perteneciente a un liberalismo muy férreo. Ello le ha permitido tomarse la libertad de revisar la historia de los Estados Unidos y sacar a colación un juicio que condenó a Mary Surratt a ser ahorcada por albergar en su fonda a los conspiradores que orquestaron el asesinato de Lincoln a manos del actor John Wilkes Booth.
No hay duda de que estamos ante una película que recupera el espíritu del cine en el que Robert Redford vio nacer su carrera como actor. Una época en la que las películas de juicios, tribunales, defensas y acusaciones estaban a la orden del día. Y es ahí donde La Conspiración falla por los cuatro puntos cardinales. Estamos ante una revisión de la Historia del primer magnicidio de Estados Unidos en el que no hay lugar a la reflexión sino que se nos presentan los acontecimientos puros y simples, sin ocasión para que el espectador juzgue sobre la marcha si estamos ante una venganza criminal o ante la justicia que se imparte en periodo de guerra por los llamados “vencedores”, los cuales desoyen las leyes y actúan según los sentimientos de odio y repulsión.
Otro aspecto en el que Robert Redford ha fallado sin clemencia ha sido en la elección de los actores encargados de llevar a cabo la acción principal de la trama. Una película histórica sobre Estados Unidos que está interpretada por el actor escocés James McAvoy y el inglés Tom Wilkinson. Aunque ambos son excelentes actores, Redford debería haber tenido mucho más ojo y reflexionar sobre la historia norteamericana con actores propios del país. Y no me sirve la máxima de que todos los norteamericanos son hijos del Mayflower. Aquí no. Los británicos tienen una forma de actuar mucho más correcta, elegante, sobria frente a los norteamericanos, en ocasiones más viscerales y mucho más oportunos para una película de estas características tan revisionistas. Hay quien se ha acordado de James Stewart en Caballero Sin Espada, de Gregory Peck en Matar a un Ruiseñor o de las palabras de Henry Fonda en Doce Hombres Sin Piedad.

Robert Redford se ha ganado muchas críticas en Estados Unidos por esta película y parece que el público no ha respondido positivamente a la proyección en los cines de una cinta que intenta ilustrar algo que podemos leer en cualquier libro de Historia y sacrifica gratuitamente la reflexión histórica. Sin duda, hay que destacar aspectos muy destacados de la película. Uno de ellos es la interpretación de una Robin Wright que, tras su enésima separación de Sean Penn, ha encontrado un papel a la medida de su talento dramático aunque no suficiente para cargar con todo el peso de la trama. También es impecable la secundaria aparición de un Kevin Kline que ya parecía olvidado y que resucita para interpretar al Secretario de Guerra Edwin Stanton.
Por otro lado, y en el aspecto técnico, tenemos una exquisita fotografía basada en el uso de las velas y el aprovechamiento hasta la máxima expresión de la luz natural creando un ambiente de luz en ocasiones ocre, en otras gris y siempre con una nebulosidad muy característica. Y, por si fuera poco, una dirección correcta y sin aspavientos de un Robert Redford al que se le va notando la edad.
No obstante, el actor y director nos brinda una clase de Historia en imágenes que, aunque no sea de carácter magistral, pretende ilustrar una época complicada de los Estados Unidos que servirá para que más de uno aprenda algo más sobre la Guerra Civil. Es necesario llevar un background a la hora de ver la película ya que, tanto al que no esté interesado en los últimos siglos en Norteamérica como al que le traigan al fresco las películas judiciales, La Conspiración le resultará ampliamente aburrida y tediosa.

Crítica El Gato Con Botas; Un spin-off nunca es suficiente

2011-12-03T15:50:00.001+01:00

5,5/10

Tanto para bien como para mal, un spin-off siempre es motivo de debate entre el círculo de profesiones que se dedican a esto del cine. Puede salir bien y repetir o aumentar el éxito de su predecesora o, simplemente, quedarse en experimentos olvidables que elevan la categoría de las películas en las que se basan.

Indudablemente, y a pesar de mi relación de amor-odio con Shrek, tengo que confesar que aunque El Gato Con Botas es notablemente entretenida, no es más que una tentativa de recrear las aventuras del popular personaje que acompañó al indeseable y, a la par, simpático ogro verde en Shrek 2. Quizás algo sí han hecho bien los productores de DreamWorks y es esperar a que pasase la euforia por las cuatro películas de la saga y esperar un tiempo prudencial para realizar y estrenar este spin-off.

Demasiadas referencias cinéfilas, quizá demasiadas para una película que debería haber profundizado de manera más original en la historia del famoso minino. El Club de la Lucha o las cintas de Quentin Tarantino son algunas de las menciones que, con demasiado descaro, aparecen a lo largo del metraje. Con unos efectos especiales a la medida de DreamWorks, se demuestra que se han mantenido a lo largo de estos años a bastantes fotogramas de distancia de Pixar con la que nunca ha podido competir de manera directa.

Dirigida por Chris Miller, responsable de Shrek 3 o Lluvia de Albóndigas, la cinta mantiene un ritmo constante a lo largo de la película y un guión en el que el felino al que le pone voz nuestro andaluz más universal, Antonio Banderas, soporta todo el peso de una trama que le viene como anillo al dedo.Y quizás, ese es el mayor problema de la película. En cuanto desaparece el minino, la cinta deja de tener el más mínimo interés.

El espectador no debe sentirse estafado ni aletargado conforme van pasando los minutos. Si usted es de los que sufren en el cine por la duración de la película, sepa que los 90 minutos de metraje se le harán cortos si libera la mente y disfruta con las simpáticas andanzas del gatito y de su amigo, el huevo Humpty Dumpty en una surrealista historia de amistad y aventuras que harán seguramente las delicias de los más pequeños. Los mayores queremos otra cosa, saciar nuestras necesidades de buen cine y probar esas supuestas capacidades de DreamWorks, que con esta película, vuelven a quedar en evidencia dejando de nuevo a Disney Pixar como referencia única e insalvable en el terreno de la animación y abandonando a Shrek como único buque insignia de la productora fundada por Steven Spielberg, Jeffrey Katzenberg y David Geffen.
El acento andaluz que fuerza Antonio Banderas le otorga a los diálogos del gato de una simpatía, desparpajo y gracia que harán disfrutar a propios y extraños. Por el contrario, el resto del reparto lo confeccionan unas desagradables voces en castellano que convierten la función en una farragosa trampa de voces.

Crítica Jane Eyre; La inagotable inspiración de Charlotte Brönte

2011-12-02T21:12:00.000+01:00

6,5/10

La fascinación suscitada por las novelas de Charlotte Bronte parece ser inagotable aún siglos después de su concepción. El retrato emotivo de los sentimientos femeninos en los espacios socialmente cerrados de la Inglaterra del siglo XIX, continúa enardeciendo los espíritus de lectores y lectoras de todo el mundo, herederos en cierta forma de ese arrebatado romanticismo que impregna sus páginas. De hecho, esta atracción al profundo universo literario de Brönte se ha extendido al ámbito cinematográfico, en el que tanto Cumbres Borrascosas (una nueva versión realizada por Andrea Arnold está a punto de ser estrenada) como Jane Eyre podrían encabezar una lista ficticia de novelas con mayor número de adaptaciones a la gran pantalla. Concretamente, son ya quince las versiones cinematográficas realizadas de la segunda, la última coprotagonizada por Charlotte Gainsbourg y William Hurt y dirigida por Franco Zeffirelli.
En esta ocasión, nos llega una película con la ineludible flema británica que exige la propia naturaleza de la novela pero con una heterogeneidad inédita hasta ahora. Y es que puede resultar un tanto extraño que el dúo protagonista esté compuesto por una australiana (Mia Waskowska) y un alemán (Michael Fassbender) dirigidos por un joven realizador norteamericano. Consecuencias de la globalización... No obstante, al contrario de lo que podría hacerse presagiar, ambos actores despliegan un poderoso duelo interpretativo en el que ni siquiera el peculiar acento británico resulta un obstáculo. Ahí precisamente es donde radica la fuerza y el valor de esta adaptación, en la construcción original de unos personajes recreados hasta la saciedad en anteriores películas y a los que se les confiere unos nuevos rasgos dramáticos que, de alguna forma, renuevan a los modelos literarios.
A este respecto, Mia Wasikowska logra sostener el peso dramático del film con apenas una mirada. La capacidad expresiva de esta joven actriz, auspiciada por su papel central en la Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton y formada en la excelente serie de televisión En Terapia bajo la protección de Rodrigo García, alcanza unos niveles de credibilidad pasmosos y nos hace presagiar uno de los futuros más prometedores dentro de la interpretación femenina en virtud a papeles como este, donde crea a una Jane Eyre humilde, maltratada por la vida aunque aferrada a unos ideales románticos que todas sus desgracias no han conseguido borrar. Su réplica en pantalla la tiene en la imponente figura de Michael Fassbender, probablemente uno de los actores de moda gracias a películas como Malditos Bastardos o la recientemente estrenada Un método peligroso, quien compone a un Edward Rochester consistente e impulsivo que obedece a los cánones supremos del caballero decimonónico.

Además de este interesante dúo de protagonistas, Cary Fukunaga cuenta con el inestimable privilegio de dirigir a un elenco de secundarios de considerable nivel encabezado por Judi Dench (una señora que puede hacer creíble a todo personaje al que de vida), Sally Hawkins (desde mi punto de vista, una actriz no valorada lo suficientemente) y Jamie Bell. Todos ellos se encuentran enmarcados en el ambiente gris y solitario de los vastos páramos del centro de Inglaterra, recreado, por otro lado, con una minuciosidad encomiable; que sirve de telón de fondo a la tormenta de emociones y tragedias desencadenadas a lo largo de la trama.
La nueva versión de Jane Eyre, si bien ofrece detalles dignos de elogios fundamentalmente relacionados con la osadía de Fukunaga en la elaboración de los planos y el tratamiento de las texturas, el color y la música, termina lastrada por el principal handicap de los dramas literarios de época; la dificultad de expresar en la pantalla una serie de profundas emociones que el espectador no logra captar en toda su complejidad sin la descripción detallada de los sentimientos de sus protagonistas, algo que únicamente puede proveer la novela. El resultado supone una interesante aunque incompleta aproximación al universo literario de Brönte que puede llegar a resultar un tanto aburrido, especialmente si no se está familiarizado con este tipo de obras.

The Walking Dead se toma un necesario descanso hasta Febrero

2011-11-30T14:09:00.000+01:00

Los zombies de The Walking Dead se toman un merecido descanso hasta Febrero (concretamente el día 12) y la comunidad de apasionados seguidores de la serie de AMC no cesan de expresar sus opiniones a lo largo y ancho de la red sobre esta primera parte de la segunda temporada. La acogida ha sido, por lo general, bastante tibia, más aún si se tiene en cuenta la enorme expectación suscitada por el rotundo éxito de la temporada precedente. Y es que toda gloria conlleva una importante responsabilidad para sus creadores, que se han visto de alguna forma sobrepasados por el amplio seguimiento internacional de una serie que a priori estaría dirigida a un público minoritario.

Cuando las cifras de audiencia aumentan a tal ritmo, la labor de los guionistas deja pronto paso al apetito insaciable de directivos y publicista ajenos a cuestiones, para ellos tan triviales, como la calidad del propio producto. Y eso es un hecho indiscutible en el desarrollo de The Walking Dead, asimismo lastrada por una acusada e inexplicable reducción del presupuesto y la salida de Frank Darabont del círculo creativo. En primer lugar, pasamos de una primera temporada compuesta por seis episodios a otra que contará con trece, por lo que el planteamiento narrativo cambia radicalmente. Es decir, si el año pasado pudimos disfrutar de una acción trepidante en cada capítulo con abundantes giros dramáticos y un despliegue técnico admirable; lo que llevamos visto hasta este momento demuestra un descenso apreciable en el ritmo de la serie, así como la ralentización del propio devenir de la trama.
Muchos argumentan que la acción ha perdido peso en favor de una mayor profundización de los conflictos internos de los personajes y las relaciones entablada entre los mismos, como si ello justificara el tedio que provoca la mayoría de los episodios. The Walking Dead, al fin y al cabo, no es una serie de gran hondura emocional, no pretende retratar fielmente los sentimientos de sus protagonistas, y cuando lo hace los resultados son nefastos. No podemos obviar de que se trata de una historia sobre un mundo infectado de zombies en el que intentan sobrevivir un grupo de personas aterrorizadas; por lo que la acción debe estar presente de forma intrínseca en la mayor parte de su metraje, y no con un carácter anecdótico basado en la aparición periódica (y en algunos casos inexplicable) de una serie de caminantes con los que saciar la 'sed de sangre' de buena parte de su público.

El argumento de la serie ha padecido un profundo estancamiento a partir del primer episodio de la presente temporada, únicamente espoleado por el que recientemente ha cerrado esta primera parte (el séptimo), y a través del cual se ofrece el desenlace de una de las líneas principales de la trama. La única solución a este empobrecimiento evidente de la serie es el cambio de escenario (que efectivamente se augura pronto) y la vuelta al camino (si el presupuesto lo permite) de nuestro grupo de supervivientes. De igual modo, se debería zanjar finalmente con la dinámica negativa de algún personaje mantenido de forma forzada que enturbia el desarrollo de la trama y crea conflictos sin ningún sentido y muy alejados del cómic original en que se basa la producción.
Todos esperamos sinceramente que la segunda parte de esta interesante y excitante serie ofrezca nuevos estímulos, más acción y otros ejes argumentales que legitimen la existencia de una tercera temporada ya confirmada antes que la comunidad de fans le retire definitivamente su apoyo.

Joyas del Nuevo Siglo: Las Horas

2011-11-29T14:29:00.001+01:00

Laura Brown (a mi parecer, personaje central de la trama interpretado por Julianne Moore) llegó a la encrucijada de caminos tras años de una rutina asfixiante y abrumadora. Debía tomar una decisión crucial; apostar por la vida, mirarla a la cara siendo consciente de sus bondades y miserias; o bien optar por la muerte en vida, esa que ahonda con empecinada insistencia en la insatisfacción cotidiana, como una pesada losa alienante para el espíritu.
A lo largo de la historia, las mujeres no han gozado de muchas opciones a partir de las cuales cimentar una vida propia. La presión de la sociedad sobre sus destinos irrevocables ha sido una constante mantenida de forma independiente a las épocas o las coyunturas políticas. La naturaleza construida socialmente y adherida al género femenino en un proceso estático que comprende desde los inicios mismos de la civilización occidental hasta prácticamente nuestros días, ha funcionado como guía indisoluble de una existencia orientada casi exclusivamente a las tareas domésticas y la reproducción.
Laura Brown decidió elegir el camino de la vida, aunque ello significase abandonar a su marido, a sus dos hijos, y un hogar perfecto. Aunque ello conllevara adoptar el rol de mala madre, de persona egoísta, sin principios morales o escrúpulos. La deserción de una mujer, al fin y al cabo, ha sido tradicionalmente menos tolerada que la del hombre, por ser considerada como un acto antinatural, despreciable y traumático para los hijos. Un trauma desvelado en el desarrollo emocional de su propio hijo, tal y como podemos observar en la película en el personaje al que da vida un excelente Ed Harris.
La valentía de Laura, independientemente de la cuestionable idoneidad de sus actos, supone la reafirmación de una conciencia que rompe con siglos de esclavitud doméstica de la mujer a partir de un sentimiento que va más allá de una mera insatisfacción material, incluso de afecto. Aquí no se trata de que la mujer debe enfrentarse a un marido colérico, indiferente o infiel (pues de hecho es dibujado como un esposo perfecto; atento, cariñoso y, además, veterano de guerra) o a una compleja situación de precariedad (viven en un próspero barrio residencial), que de algún modo justifique moralmente su necesidad de escapar. Laura se encuentra atrapada en una vida que no ha elegido y que le impide desarrollarse como persona libre e independiente; y ahí es donde halla la fuerza para tomar las riendas a pesar de la inevitable incomprensión de la sociedad.

La Horas es una película sobre mujeres en esa encrucijada del destino en la que es indispensable decidir. Laura optó por huir, Virginia Wolff se sumergió en las oscuras aguas del río para sofocar la locura y la insatisfacción esencial que la atormentaba, esa moderna Mrs. Dalloway, Clarissa, se percató al fin de la insustancia de su propia existencia al enfrentarse a su propia antagonista, una anciana Laura. Las vidas de las tres mujeres protagonistas se entrelazan de forma magistral en virtud a un entramado argumental perfecto basado en la novela homónima de Michael Cunningham, trasladada a la pantalla gracias a la destreza narrativa del guionista David Hare y el buen oficio del joven director Stephen Daldry (quizás uno de las realizadores más interesantes de los últimos años con obras tan reseñables como Billy Elliot o El Lector).
Una puesta en escena sobria, con un ritmo pausado y una conseguida ambientación en las diferentes épocas donde se desarrolla la trama, sirven asimismo de escenario de excepción para un elenco interpretativo de una calidad extraordinaría y una poderosa presencia en pantalla, desde su trío protagonista al que da vida una irreconocible Nicole Kidman en la piel de Virginia Wolff (papel por el que consiguió el Oscar), Julianne Moore en la mejor interpretación de su carrera, y Meryl Streep con su habitual eficacia dramática ante las cámaras; hasta una pléyade de secundarios que dotan de hondura y verosimilitud a la historia, entre los que destacan Ed Harris, Stephen Dillane, John C. Reilly, Miranda Richardson o Allison Janney.
La profundidad emocional que desprende Las Horas es digna de disfrutarse en el sosiego de una comprensión pausada, atenta al universo de detalles que jalonan la trama, a las decisiones trascendentales que sus protagonistas toman hasta configurar sus propios destinos. Sin duda alguna, una de las grandes obras del nuevo siglo que bucea en el complejo e inexplorado mundo de sentimientos femeninos. En virtud a su rol de fiel reflejo de la realidad, el cine retrató durante décadas a la mujer como fiel amante, madre o ama de casa comedida y eficaz; con el nuevo siglo y la necesidad de arrojar luz a una parte de la realidad tradicionalmente oculta, son cada vez más las películas que posicionan a la mujer como protagonista independiente a partir de la cual abordar nuevas vías narrativas. Y Las horas lo hizo con una brillantez admirable; una pelicula para reflexionar y gozar a partes iguales.

Crítica Premonición; Mensajeros de Vida y Muerte

2011-11-26T14:45:00.001+01:00

6/10

Premonición, rodada en 2008 y estrenada este fin de semana en España, infiere al espectador la necesidad constante de saber qué es lo que sucede en el metraje de una forma contenida y sin realizar aspavientos cinematográficos.

No podemos considerar Premonición como una cinta de cine europeo pese a la gran cantidad de dinero que procede del viejo continente a través de distintas productoras. Estamos ante una cinta protagonizada por un John Malkovich contenido, discreto y muy sobrio, algo raro en él. Malkovich es un gran intérprete, posiblemente uno de los mejores de los últimos cuatro lustros y en Premonición hace gala de su talento aunque de una manera muy tácita.
Nos encontramos ante la dicotomía de, si merece la pena el dinero invertido para ir a ver la película, o si debemos esperar a un formato doméstico para disfrutar de los avatares que el protagonista, un Romain Duris poco acostumbrado a este tipo de papeles, tiene que sortear antes de convertirse en una suerte de “mensajero” del inevitable y fatal destino. Sin duda, no es una película mala ni mal construida, ni tan siquiera podemos decir de ella que sea un desastre ni tampoco que tenga un excelso guión.
Analizando la vida y la muerte desde el prisma de unos supuestos enviados que permanecen entre nosotros y que poseen un extraño poder que los hace ver quién va a morir a través de una inconfundible marca alrededor de ellos. No son fantasmas ni tampoco esquizofrénicos. Gilles Bourdos toma a su manera las ingentes películas que existen sobre la dualidad entre vida y muerte para ofrecer una visión íntima de un matrimonio que está a punto de perderlo todo para entregarse irremediablemente al destino.
Es una película amable, que pese a su irregularidad narrativa y algunos saltos de guión un tanto evidentes, no toma el pelo al espectador en ningún momento ni tan siquiera al plantear una historia tan surrealista que haga que nos acomodemos demasiado en nuestro sillón. El director no es conocido, sólo ha realizado una película y, tras el visionado del metraje, queda claro que su intención es llegar para quedarse. Y lo hace aprovechando la coyuntura que le da trabajar con el propio Malkovich, el veterano Duris y una discreta Evangeline Lilly, la cual demuestra que posee un talento más allá de la isla de Perdidos. Mención aparte merece la extraordinaria banda sonora de Alexandre Desplat, quizá el motivo que explique el cierto hipnotismo que se respira durante todo el metraje. Una composición a base de piezas relajadas, que provocan un estado de adormecimiento en el espectador pero que no llega a consumar el deseo de Morfeo en nuestra mente. Desplat es uno de los compositores más respetados de los últimos años en el cine y Premonición, aunque no esté a la altura de sus trabajos en El Discurso del Rey, El Escritor o El Curioso Caso de Benjamin Button, resulta todo un placer para los oídos más sensibles.
Queda claro que esta cinta no romperá récords de taquilla. De hecho, todo parece indicar que ni tan siquiera los productores y distribuidores estaban muy seguros de estrenarla. Rodada en 2008, ha tenido que esperar tres años para poder ser estrenada en nuestro país. Su metraje es interesante, aunque su nudo no está bien resuelto. Finalmente, su director adopta una gran postura al intentar explicar mediante giros de guión la fatalidad que supone el fin inevitable de todo ser humano.
Sin embargo, ahí se queda. Y tras ver la película al completo, queda la sensación de estar más ante un telefilm que ante una película que pueda competir ante las producciones americanas fuertes que aterrizan cada fin de semana en las pantallas de nuestro país.

Crítica Un Método Peligroso, Sexualidad y Psicoanálisis

2011-11-25T17:00:00.000+01:00

7,5/10

Pocas veces vemos un reparto coral en el que los protagonistas destaquen por igual y no se vean tapados ante la actuación de uno solo. Es el caso de Un Método Peligroso y sus tres nombres principales, cuyas interpretaciones se reparten de manera extraordinaria a lo largo de un turbador y penetrante metraje.
No puedo comenzar esta crítica sin mencionar antes un nombre propio. No puedo comenzar esta crítica sin mencionar antes un nombre propio. No hay duda de que el debate se centrará en torno a la actuación de Keira Knightley en esta película. Se nota que David Cronenberg sabe hacer cine y dirigir a los actores con los que trabaja. Ha tenido que ser el director canadiense el que coja las riendas de la carrera de la actriz británica para darle un papel digno de su tan publicitado y, al mismo tiempo, casi inexistente talento. Un Método Peligroso nos ha traído a la mejor Keira en muchos años en un papel que sorprende y se hace respetar.
Y es que ella interpreta a Sabina Spielrein, una mujer rusa que comenzó en la Psicología como una desquiciada paciente con trastornos sexuales y que acabó siendo la primera dama del Psicoanálisis. Sus curiosidades acerca de lo que le ocurría a ella y, por demás, al ser humano en su comportamiento sexual le vinieron a raíz de su relación con Carl Jung, rival de Sigmund Freud, y uno de los más importantes psicólogos de la Historia. Knightley proporciona al espectador la que quizás sea su interpretación más arriesgada y difícil.
Dos científicos, por cierto, recreados por Michael Fassbender y Viggo Mortensen. Sin duda, nos encontramos ante dos interpretaciones de altura, especialmente la que nos brinda un irregular actor al que mucho le ha costado salir del personaje de Aragorn y el cual parecía estar buscando su sitio entre un mar de inverosímiles papeles. Pero parece que con Cronenberg, el bueno de Viggo ha podido confeccionar dos interpretaciones de las más recordadas en los últimos años: Promesas del Este, por la que llegó a estar nominado a los Oscar, y Una Historia de Violencia. Su interpretación en Un Método Peligroso es breve, en comparación con sus compañeros, pero confiere al personaje de un aura de principios de siglo dando a su Sigmund Freud una recreación bien merecida. Sin excesos, muy correcto y con frases realmente excelentes.
El que parece haber llegado para quedarse, afortunadamente, es Michael Fassbender. Su Carl Jung es otra lección de interpretación muy discreta que otorga al metraje credibilidad, veracidad y conocimiento científico. Fassbender, actor de moda, puede aspirar a los grandes premios del cine a título individual puesto que estamos ante un intérprete que destaca por la complejidad de sus papeles y del buen ojo que posee al escogerlos. Su capacidad para hacer creíble el más inverosímil de los diálogos le otorgan cierta fascinación por los sectores más rebeldes del público y la crítica.
David Cronenberg no dirige una obra maestra, pero si una de sus mejores películas. Curtido en el cine de terror, ha sabido entrar en el nuevo milenio mostrando al mundo que sabe asustar al espectador de muchas maneras. Si bien la película puede resultar algo pesada a los no iniciados en la Psicología, no hay que desistir. Las interpretaciones principales embriagan los cinco sentidos en este metraje que interrelaciona a tres personajes históricos en base a sus propios estudios sobre la sexualidad y el comportamiento del ser humano ante los estímulos sexuales.
Con un guión lleno de ciencia, romanticismo e Historia basado en la novela de Christopher Hampton (Las Amistades Peligrosas), Cronenberg aspira a conseguir que su película obtenga muchos reconocimientos en lo que resta desde el día de hoy hasta la ceremonia de entrega de los Oscar, donde el que os escribe, espera que reciba alguna nominación.
Un Método Peligroso posee un ritmo ágil y se agradece la condescendencia de su director al no perdernos en las intrincadas líneas de los manuales de Psicología para ofrecernos una historia extrañamente contada en la actualidad en base a lo prohibido en aquella época, algo por lo que David Cronenberg actualiza a la sociedad actualizando su propio cine.

Crítica Blackthorn; El buen western nunca muere

2011-11-24T16:18:00.000+01:00

7/10

Los géneros cinematográficos se encuentran en una dinámica de cambio constante, y eso es una buena noticia para todos aquellos que creen que en la originalidad y la capacidad creativa de los artistas se halla la clave para su propia supervivencia. Incluso géneros que gozaron de su particular época dorada en el pasado siglo han podido adaptarse de la mejor forma posible a los nuevos formatos y sensibilidades del público moderno. Así, el western parece renacer al calor (y el ingenio) de una generación de creadores que han encontrado su medio idóneo en la televisión para concebir series como la pionera Deadwood (HBO) o Hell on Wheels, recientemente estrenada por la cadena AMC.
No obstante, esta transformación activa de las fronteras del género van mucho más allá del traslado hacia diferentes soportes. Décadas atrás nadie hubiese podido concebir un western dirigido por un realizador español, con producción mixta, ambientado en Bolivia en las primeras décadas del siglo XX y con un reparto internacional. Pero los tiempos cambian y hoy día podemos disfrutar de una película con estas características aunque con el mismo espíritu inalterado que le dio carta de naturaleza al propio género.
El director Mateo Gil ha logrado en Blackthorn componer una rendida oda de admiración hacia el western norteamericano tradicional alterando algunas de sus señas distintivas pero manteniéndose fiel a los principios morales que distinguían al mismo. Eran películas protagonizadas por personajes rudos con una ineludible misión en la vida principalmente relacionada con venganzas insatisfechas, golpes arriesgados contra la autoridad, culpas en busca de redención o aventuras para impartir justicia en parajes inhóspitos y casi deshabitados donde el hombre se enfrentaba sin remisión a la naturaleza más inclemente.
La película de Gil bebe directamente de estos principios para tejer un hilo argumental que sigue los pasos del mítico forajido Buch Cassidy (recreado también en Dos hombres y un destino por Paul Newman) en los últimos años de su vida (para aquellos que no creen que murió antes) en el desapacible altiplano boliviano, donde de forma fortuita se topa con un ingeniero de minas español perseguido para ser asesinado que le promete una importante suma de dinero a cambio de su protección. La estructura de la historia es puramente clásica aunque no exenta de originalidades que añaden un valor incontestable al film, además de un ritmo sostenido que mantiene la atención del espectador a pesar de los consustanciales planos generales de los vastos paisajes del lugar propios del western (conseguidos de forma magistral por Juan Ruiz Anchía).

Sin embargo, la película carecería de cierto interés sin la presencia abrumadora de Sam Shepard como un curtido Cassidy, que incluso habla un correcto español. Shepard construye un personaje similar al de Jeff Bridges en la reciente Valor de Ley, de los hermanos Coen, distinguido por un carácter irascible aunque entrañable en el fondo, de maneras toscas y con un rígido sentido de la justicia que llega a contrastar con la atmósfera opresiva y violenta que representa el viejo Oeste. Dando la réplica a Shepard, un excelente y atormentado Stephen Rea (un año muy estimulante para su carrera tras su participación en la fantástica serie británica The Shadow Line) aporta credibilidad a un personaje que arrastra como una losa el inexorable paso del tiempo. Entre ambos, Eduardo Noriega lucha por no salir demasiado mal parado ante una cámara que lo rehúye, mientras que un elenco de secundarios de inestimable calidad encabezado por la peruana Magaly Soilier completan un casting bien conseguido.
Blackthorn supone una agradable sorpresa dentro del cine español, una aventura de un director con gran talento (aunque no demasiado fértil tras las cámaras) dentro de un género tan lejano en el tiempo como en el espacio al que, no obstante, rinde un digno tributo sustentado en una fascinación cinéfila apenas disimulada. Esperemos que los Goya no se olviden de una de las mejores películas españolas del año, valiente, contundente, brillantemente interpretada, de una calidad técnica asombrosa y con un cierto punto nostálgico que nos devuelve un cine que nunca se ha terminado de marchar.

Crítica Un Dios Salvaje; El baile de máscaras del mundo civilizado

2011-11-19T00:05:00.004+01:00

8/10

Todos nosotros, ciudadanos respetables de la civilización occidental, deberíamos realizar, cada cierto tiempo, un ejercicio de autopercepción; es decir, preguntarnos cómo nos definimos personal e intimamente, cuáles son nuestras inquietudes, ambiciones, flaquezas y contradicciones. Algo muy sencillo y saludable que nos permita vislumbrar, aunque sea mínimamente, en qué medida somos producto del 'contrato' social, qué grosor y forma adquiere la máscara que portamos con orgullo para mostrar al exterior una construcción ficticia de nuestra propia identidad, en ocasiones incluso desconocida, que oculte lo realmente auténtico que nos confiere naturaleza.
La dramaturga francesa Yasmina Reza ha demostrado ya ampliamente y con un refinado aunque malicioso sentido del humor, su capacidad para desvelar esas máscaras que la sociedad burguesa parece exigir para mantener una utópica armonía colectiva. Y además lo ha hecho a partir de un lenguaje y una temática universales, fácilmente accesibles en todos aquellos países donde su obra ha sido representada, que muestran la paulatina homogeneización de los comportamientos humanos y sus consecuentes conflictos en las diferentes sociedades desarrolladas. La sencilla premisa de Un Dios Salvaje, resumida en dos parejas burguesas intentando zanjar civilizadamente un enfrentamiento entre sus respectivos hijos pre-adolescentes, es asimilada con total conocimiento de causa tanto en España, Estados Unidos o Francia, de forma indiferente, como una manifestación común de un modo pautado de comportarse, de parecer respetables.
Esa dignidad pública es precisamente la que pierden de forma hilarante, incluso absurda, los personajes de esta Un Dios Salvaje, trasladada de forma magistral a la gran pantalla por el veterano director Roman Polanski. La recreación minuciosa del único espacio donde se desarrolla la trama (el salón del apartamento del matrimonio 'agredido') contribuye a crear una atmósfera opresiva en la que las interiorizadas convenciones sociales de sendas parejas (de un nivel económico y cultural medio-alto), basadas en una cordialidad impostada y en un forzado espíritu de conciliación, se van difuminando paulatinamente en favor de los instintos más primarios legados de nuestra propia naturaleza animal. Desde esa perspectiva naturalista, podríamos ver a ambas familias, ya despojadas de la parafernalia 'social', como a auténticos humanos primitivos defendiendo irracionalmente a su prole, y eternizando un conflicto en el nadie está dispuesto a ceder.

La obra de Reza (también guionista del film) suscita la reflexión sobre el ser humano en su vertiente social, en ese complejo juego de voluntades solapadas que configuran las relaciones entre iguales. Y lo hace construyendo un sutil engranaje de diálogos hilarantes en el contexto de una situación drámatica que, a causa de lo estrambótico de los sucesos, deviene en comedia. En este aspecto, Polanski demuestra una maestría sublime en su adaptación cinematográfica, ya que hilvana con fluidez una acción en tiempo real, en un sólo espacio y con un ritmo endiablado que mantiene al espectador en un estado de fascinación constante a lo largo de los 75 minutos de metraje. De hecho, Polanski no ahonda o modifica la obra original de Reza (a la cual tuve la suerte de asistir en Sevilla bajo la dirección de Tamzin Townsend y las interpretaciones de Maribel Verdú, Aitana Sánchez Gijón, Antonio Molero y Pere Ponce), sino que se mantiene fiel a la misma focalizando su labor en dirigir a un cuarteto actoral de calidad superior y desplegando toda su experiencia narrativa y visual de forma genial.
Y es que Un Dios Salvaje, a pesar del valor del material, no hubiese sido lo mismo sin la presencia abrumadora de cuatro actores en estado de gracia. El trabajo de Jodie Foster como la escritora altruista y un tanto perfeccionista que se siente, del alguna manera, herida por el acto violento contra su hijo es sencillamente memorable, al igual que la interpretación de Christoph Waltz (debemos agradecer a Tarantino de por vida de haberlo sacado a la luz con Malditos Bastardos) del cínico hombre de negocios al que su propia vanidad le impide reconocer los errores del hijo al que no atiende. Kate Winslet y John C. Reilly completan un cuarteto interpretativo al que Polanski dirige como si de una exquisita sinfonía in crescendo se tratase, hasta alcanzar el clímax final, que no es más que la constatación de la incapacidad de esos padres 'civilizados' de llegar a un acuerdo.
Y así, la película acaba como empieza, con el único plano exterior, como un punto de fuga de la mascarada (sensacional el cartel) celebrada en el salón de una casa burguesa cualquiera (por ello las redundantes similitudes con El Ángel Exterminador de Buñuel), que arroja luz a la paradójica inmadurez de los adultos, mostrando la resolución paralela del conflicto, sin hipocresías ni poses vacuas, tan sólo con una sinceridad natural. Puro cine.

La Otra Crítica; La Piel que Habito

2011-11-18T00:09:00.000+01:00

4/10

La naturaleza de los genios obedece a la construcción subjetiva de su público. Por ello, cada genio encierra en sí mismo una composición dual; de un lado la que los encumbra como modelos o patrones absolutos de un Arte personal y único; de otro, la percepción de ser auténticos fraudes, embaucadores sin escrúpulos, megalómanos con un nútrido coro de aduladores. Quizás sea este el verdadero precio de la fama, el riesgo de ser incomprendido al mismo tiempo que se es agasajado con entusiasmo; la doble cara de la moneda que con cada obra vuelve a ser lanzada al aire, esperando impacientemente quién se alineará en el bando de los detractores, quién en el de los seguidores.
Pedro Almodóvar es un paradigma de ese 'genio' contradictorio, aunque la confrontación de pareceres se manifieste casi exclusivamente en su propio país dada la fascinación que su cine suscita en el extranjero (el exotismo es un claro valor agregado aquí ya asimilado). Con el estreno de cada una de sus películas (salvo excepciones, como la fantástica 'Volver') se aviva un intenso debate nacional en torno a la genialidad de la obra o, por el contrario, el carácter pretencioso de la misma, sin prevalecer por lo general las medias tintas. No obstante, algunos críticos, conocedores de la importancia de la figura de Almodóvar dentro del cine español (no sólo como director, sino también como productor), han decidido permanecer en tierra de nadie (a mi parecer contagiados por cierta cobardía) y así evitar realizar juicios demoledores de lo que realmente sienten, jugando con la ambigüedad y faltando a la honestidad que les exige su oficio.
La última película de Almodóvar, La piel que habito, ha sido especialmente pródiga a la hora de fomentar la discusión. Y es que el relato demencial de un cirujano con una evidente psicopatología que se venga del supuesto violador de su hija al mismo tiempo que suple el espacio dejado años atrás por la trágica muerte de su mujer, ofrece suficientes puntos donde anclar argumentos a favor y en contra. No obstante, no pienso que el principal problema de esta fallida película obedezca al desarrollo de una trama que más bien pretende revisar el mito del Frankestein de Mary Shelley desde una óptica actual en la que la cirugía plástica esteriliza el aspecto terrorífico del entrañable monstruo. Al fin y al cabo, el personaje de Ledgard (re)construye a una persona a la que aspira dotar de una personalidad determinada acorde a sus necesidades, como es paliar su soledad.
La gran imprudencia, por el contrario, de Almodóvar en esta película ha sido sido la estética marcadamente teatral de la que se vale para narrar su historia, haciéndola caer en el más absoluto ridículo de forma redundante, lastrada por unos actores que resultan inverosímiles (y no debido precisamente a su falta de profesionalidad) y una atmósfera más parecida a una pesadilla hilarante que a una auténtica película. Al igual que le ocurrió con la también fallida 'Los Abrazos Rotos', la frialdad de la fotografía, de los escenarios, suscita una reacción de rechazo en el espectador (o en algunos), una desconexión con la trama que hace naufragar cualquier intento de parecer creíble.

De hecho, el primer tramo de la cinta, con la estrambótica aparición de Roberto Álamo incluída, es un despropósito de dimensiones inconmensurables del que apenas puede recuperarse en el tramo final, cuando comienza a avistarse cierta coherencia (dentro siempre de la pesadilla surrealista que es la obra). Por otro lado, los diálogos precisan de una consideración aparte, ya que el director ha sido incapaz de insuflar cierta naturalidad a los mismos para que sus actores puedan creer al menos algo de lo que están diciendo. Antonio Banderas se encuentra perdido en una de las peores interpretaciones de su carrera cinematográfica, Elena Anaya lo intenta con más éxito pero sin un verdadero fondo dramático, Marisa Paredes es sobrepasada por las circunstancias de su personaje, incluso la jóven Blanca Suárez, a pesar de trabajar con uno de los grandes, no debe estar especialmente contenta con su actuación.
En resumen, el Almodóvar-director ha conseguido dilapidar todo el trabajo 'rescatable' del Almodóvar-escritor. Hoy día pocos dudan de la calidad del director manchego, de su estilo personal y único muy necesario dentro de nuestra cinematografía y de cara a su promoción internacional, no obstante, en los últimos años parece estar enredándose en géneros y estilos que le vienen grande incluso a su poco disimulada megalomanía de genio absoluto del cine español. Además, nadie parece estar dispuesto a decírle con total franqueza (quizás el único que se ha expresado claramente ha sido, como no, Carlos Boyero) que su última película es dramáticamente ridícula; incluso recibirá no pocas nominaciones a los Goya para completar su ansiada reconcialiación del último año, en medio del entusiasmo de los medios de comunicación y sus amigos los críticos. España necesita un director del que sentirse auténticamente orgullosa, pero así no, con esta clase de película, no llegamos a ningún lado.

Crítica José y Pilar: Literatura y Vida

2011-11-17T13:08:00.000+01:00

9/10

Tiempo. Eso es lo único que anhelaba el escritor portugués José Saramago en los últimos años de su vida. Más tiempo. Era reconocido internacionalmente como un pensador de referencia legitimado por una dilatada obra literaria de resonancias filosóficas, una voz autorizada para arremeter contra los políticos, la banca, el sistema capitalista, para erigirse como abanderado de una lucha latente y silenciosa de indignación generalizada; un líder de pensamiento, un maestro de conciencias. Aunque más allá de toda la parafernalia intelectual de la que siempre huyó con su humildad esencial, Saramago no era más que un hombre enamorado de su mujer, esa que había llegado demasiado tarde, pero que finalmente lo había hecho para su mayor felicidad.
Sin embargo, el tiempo se agotaba, inexorable. Y es que la contradictoria naturaleza humana es especialmente estricta en esta cláusula, en el carácter finito de nuestra existencia. De poco importa que tus palabras hayan iluminado a millones de lectores, que con tus ideas hayas avivado los espíritus de tantos hombres y mujeres, que tu vida haya brindado una razón necesaria para la comprensión de un mundo que vacila entre la descomposición y el progreso; pues, al final, la humanidad emerge, de forma irremisible, sin entender de utilidades, amor o gloria.
Saramago siempre negó temer a la muerte, pues la conceptualizaba como un elemento natural de nuestra existencia. No precisaba arrepentirse en el lecho para una salvación espiritual de última hora a cargo de la divinidad a la que nunca dio réditos suficientes para vivir encadenado a ella. Lo único que lo aterrorizaba era la certeza del no-estar, ese vacío de la consciencia, del pensamiento, que finalmente apagaría sus luces para siempre. Quizás por ello jugara con la irrebocalidad del destino en su novela 'Las intermitencias de la muerte', para alcanzar un convencimiento impostado de lo perentorio de nuestro final. Ver a Saramago en la cercanía de la cámara desnuda pidiendo ese tiempo que le faltaba resulta conmovedor en la medida que enlaza con lo auténticamente humano de nuestra condición. Es en ese preciso instante cuando se desvela la inutilidad de todo lo accesorio que ocupa ese tiempo que un día se agotará sin remisión, y la necesidad de vivir inmersos en el amor y el respeto a uno mismo.

La película de Miguel Goncalves Mendes nos descubre a un Saramago cotidiano, sin ropajes bajo los que disfrazar su verdadera condición. Y es que a la hora de retratar a un personaje de estas características es sumamente fácil precipitarse hacia un pozo de convencionalismos, lugares comunes y un poco disimulado ejercicio de adulación compartido por su público. Afortunadamente, en la pantalla se presenta a un hombre muy alejado del halo de intelectualidad que presumiblemente lleva adosado para bucear en la cotidianeidad de sus últimos años a través de la ironía de la que siempre hizo gala. Por ello, no se eluden momentos cómicos, declaraciones tan veraces como hilarantes, el drama acarreado por su última enfermedad o la entrañable relación con Pilar, el otro eje trascendental del documental.
Pilar del Río no es sólo la persona que siempre aparece en la dedicatoria de los libros de Saramago, sino la traductora, gestora, soporte e inspiradora de toda su obra. Pues Pilar tiene para todo y para todos; por algo es andaluza, feminista y mujer de una poderosa presencia que llega incluso a eclipsar a su propio marido en virtud a una verborrea sincera y apasionada. Asimismo la descubrimos como la mitad indisoluble de un matrimonio feliz basado en un amor en el que hay mucho de fascinación y comprensión mutuas.
Lo cierto es que nunca un documental sobre la vida de un escritor había sido tan entretenido, incluso apasionante, como José y Pilar. Con un ritmo siempre sostenido no exento de recursos narrativos y estilísticos del ámbito cinematográfico más renovador, la película desgrana el último tramo de una vida extenuante y excitante a partes iguales, desbordante de amor, sinceridad, ironía y melancolía por el tiempo que se escapa. Un documento fílmico de un valor incuestionable concebido para disfrutarlo en el más amplio sentido del término, así como para aprender de todas las lecciones que encierra en el retrato fiel de uno de los grandes escritores y pensadores de nuestro tiempo.
José Saramago finalmente se quedó sin tiempo, pero su obra permanecerá para siempre, ajena a la condición finita del ser humano, extendiendo su sabiduría a través de otras tantas existencias de tiempo limitado.

Crítica Las Aventuras de Tintín; Spielberg y Jackson nos hacen un favor

2011-11-13T16:38:00.001+01:00

7/10

Junto con Super 8, Steven Spielberg está demostrando que lo suyo con la nostalgia es algo serio. Pese a estar dirigida por J. J. Abrams, uno de sus alumnos más aventajados, Super 8 tenía el innegable sello de las grandes aventuras creadas por el Rey Midas de Hollywood a lo largo de su prolífica carrera.
Ahora, y junto con otro peso pesado de los últimos años en el cine llamado Peter Jackson, ha puesto sobre la mesa una aventura con una calidad técnica propia de dos magos del Séptimo Arte y un guión bastante fiel a las páginas originales dibujadas por Hergé.
Las Aventuras de Tintín son una buena muestra de la utilidad que puede tener el uso de las nuevas tecnologías a la hora de recrear grandes historias y es que, frente a otros productos con una simpleza narrativa evidente, esta cinta de Steven Spielberg y Peter Jackson muestra como dos grandes nombres pueden tejer una apasionante trama sin un segundo de respiro para el espectador.
Hay momentos en los que uno puede llegar a creerse que lo que está viendo ha sido realizado con actores reales y que el uso del 3D y la animación no son más que patrañas. Sin embargo, y aunque estemos ante una de las películas de animación más importantes del último año, hay que tomarse las cosas con cautela. Cierto es que Tintín le ha dado mil vueltas narrativamente hablando a otro tipo de películas con mucho más éxito en todo el mundo en su tiempo. Sin embargo, no hay que olvidar que esta adaptación de los cómics de Hergé procede directamente del aprendizaje de Spielberg y Jackson en los estudios de James Cameron. A muchos nos fastidia esto, sobre todo a los que pensamos que Cameron sigue siendo el mismo sátrapa adulador del billete verde que lo fue en su tiempo.
Spielberg y Jackson se empaparon de las técnicas visuales y efectos especiales que Cameron utilizó para Avatar y los aplicaron, mejorados, a esta película que cuenta con interpretaciones de actores reales basadas en el motion capture system, un sistema de captación de movimientos que permite que Jamie Bell, Daniel Craig y Andy Serkis pongan sus movimientos al servicio de esta gran aventura que contentará a niños y adultos.
Ambos cineastas mantienen en vilo al espectador desde el primer minuto de la película y regalan secuencias de una calidad propia de tan ilustres realizadores. No hay que olvidar que Jackson será el encargado de dirigir la segunda parte, prevista para cuando el director termine de rodar El Hobbit, su proyecto más largo y maldito hasta la fecha.
Con una banda sonora de escándalo compuesta por el gran compositor John Williams, no hace falta presentación alguna. Y si encima la película comienza con unos créditos que recuerdan al mejor Spielberg de Atrápame Si Puedes, entonces tenemos una buena tarde de cine asegurada. Con aventuras incansables, el joven Tintín buscará el secreto de un barco perdido con la ayuda de los míticos detectives Hernández y Fernández (Thompson & Thomson o Dupont & Dupond en versión original) magníficamente recreados por Simon Pegg y Nick Frost así como el Capitán Haddock, en un formidable papel y una recreación fantástica a cargo de todo un experto en el sistema de captación de movimientos como es Andy Serkis, el cual ya se ha puesto en la piel de Gollum, King Kong o César en El Origen del Planeta de los Simios.
Steven Spielberg no ha creado su película más espectacular ni ha sorprendido a nadie con esta película. Hace muchos años que el director ya está más que consagrado para el gran público. Sin embargo, siempre se agradece ver que dos mentes preclaras como las de Spielberg y Peter Jackson se unen para crear una aventura como pocas hemos visto en este año 2011 y que tanta falta nos hacen en las carteleras para pasar una buena sesión de cine y gastarse el dinero.

[SEFF´11] Crítica Si No Nosotros, ¿Quién?; Las verdades de la Alemania de posguerra

2011-11-12T14:36:00.000+01:00

7/10

Asistimos a un capítulo superado de la historiografía de uno de los países más castigados y castigadores de la Historia de la Humanidad. Alemania reflexiona sobre sus propios miedos y sobre su pasado en Si No Nosotros, ¿Quién?, la primera película de ficción del documentalista Andres Veiel y premiada con el Giraldillo de Plata y el premio al Mejor Actor para August Diehl en la presente edición del SEFF´11. Una película que puede ser considerada como una precuela de lo que Uli Edel contó en la gran R.A.F. Facción del Ejército Rojo y que sirvió de ilustración a uno de los momentos más tensos de la Historia reciente de Alemania. Aquel grupo terrorista sembró el pánico en las calles de medio país reclamando la lucha contra el nuevo fascismo encabezado por el capital, traído de la mano de los Estados Unidos.
Andres Veiel tira de documentación, que al fin y al cabo es su especialidad, para reflejar los antecedentes no del líder de la Facción, Andreas Baader, sino de la que fue su mujer, Gudrun Ensslin, interpretada por Lena Lauzemis. Veiel sorprende en esta película que, a ratos puede resultar algo pesada por la gran cantidad de información que vierte a lo largo del metraje y que puede llegar a confundir a un espectador no iniciado en el tema.
Con el Giraldillo de Plata de la edición del Sevilla Festival de Cine Europeo, Si No Nosotros, ¿Quién? se ha reafirmado como una de las películas más fuertes de la Sección Oficial a concurso. Su paso por el Festival de Berlín ya fue el preludio para el moderado éxito de una película confeccionada para ser un documento histórico de un país tan significativo como Alemania.
Andres Veiel ejecuta de manera soberbia los tempos de la película. Si bien en la primera hora de metraje, el protagonista absoluto es el personaje de August Diehl y creemos que la película versará sobre la dualidad ideológica en la que Bernward Vesper navegó durante años. Sin embargo, al llegar a la mitad del metraje observamos como las tornas van cambiando y su director nos muestra como la protagonista femenina encuentra a Andreas Baader y deja a su marido y su hijo para satisfacer sus necesidades de lucha contra el incipiente capitalismo.
El género documental siempre da para contar miles de historias en diferentes épocas que retratan miles de sociedades diversas en un mismo planeta. En esta ocasión, estamos ante una historia de violencia, amor, terrorismo y un manual de la Historia reciente de la Alemania posterior al gobierno de Konrad Adenauer. La extrema izquierda, representada en todos los componentes de la RAF aparecen desdibujadas en una cinta que prefiere contar una historia muy centrada en sus dos protagonistas sin perderse en subtramas absurdas. Andres Veiel consigue inculcar en el espectador diversas imágenes en blanco y negro que ilustran una época muy complicada en un país que ha sufrido tanto como se ha sabido perdonar a sí mismo por tantos errores y crueldades como cometió a lo largo de tantos años. Quizás la grandeza de Alemania radica en que saben hablar sin tapujos de su atronador pasado, algo de lo que deberíamos aprender todos los países en los que seguimos bajo los tópicos y las absurdas definiciones de ideologías que nublan visiones históricas a favor de posicionamientos políticos inmerecidos.
Si No Nosotros, ¿Quién? es una buena película que demuestra que en Alemania saben hablar de su historia sin tapujos y con un trasfondo casi documental, mostrar la cruda realidad de la formación de un grupo terrorista que sembró el pánico en las calles de media nación.

[SEFF´11] Palmarés del Sevilla Festival de Cine Europeo 2011

2011-11-11T13:17:00.000+01:00

Anoche, en la gala de clausura del Sevilla Festival de Cine Europeo, conocimos los nombres de los premiados de la edición de este año. Algunos de esos nombres fueron sorpresas que dieron por terminada este octavo certamen cinematográfico sevillano.
Con la presencia del cineasta ruso premiado a toda su trayectoria Nikita Mikhalkov, el actor Carlos-Álvarez Novoa o el director Benito Zambrano, anoche se entregaron los premios correspondientes a la Sección Oficial del Sevilla Festival de Cine Europeo. El Giraldillo de Oro y, por tanto, los 40.000 euros para su distribución fueron a parar a Siempre Feliz, una producción noruega que ha tenido buena acogida por parte del público al tratarse de una simpática comedia sobre, al parecer, un tema muy común en el país escandinavo.
Por su parte, el Giraldillo de Plata fue a parar a las manos de Andres Veiel y su película Si No Nosotros, ¿Quién?, una cinta pseudo documental que narra las vivencias de una de las fundadoras del movimiento R.A.F. en la Alemania de la Guerra Fría. La dotación económica del premio es de 20.000 euros para la distribución de la película.
El Premio Especial del Jurado ha recaído en la ambiciosa producción del realizador polaco Lech Majewski por su película El Molino del Tiempo, donde reinterpretaba la obra de Peter Brueghel con unos efectos especiales de última tecnología.
Dos de los premios más sonados del Festival han sido para Shame, que ha conseguido alzarse con el galardón al Mejor Director para Steve McQueen y Mejor Actor para el alemán Michael Fassbender por quizás la interpretación masculina más impactante de todo el Festival de Sevilla y, posiblemente, de todo lo que llevamos de año cinematográfico. Ex aequo al premio al Mejor Actor también fue concedido un galardón a August Diehl por su recreación de Bernward Vesper en Si No Nosotros, ¿Quién?
Por su parte, el galardón a Mejor Actriz ha sido concedido ex aequo a dos intérpretes. Por un lado, a Nadehna Markina por Elena, nominada también a los Premios del Cine Europeo y a Bien de Moor por Code Blue.
El Premio Eurimages a la mejor coproducción europea fue, por unanimidad del jurado, para Shun Li and the Poet. El premio está dotado con 20.000 euros con el fin de proporcionar más distribución a una película que refleja la integración de los inmigrantes como uno de los problemas más acuciantes de la actualidad y un deber para todos.
En el apartado de First Films First, la ganadora fue la realizadora Morteza Farshbaf por la producción de nacionalidad iraní Mourning.
La Sección EFA también repartió sus premios siendo la ganadora a la Mejor Película la producción francesa dirigida por Michel Hazanavicius The Artist, resultando ser una de las cintas con mayor acogida y ovaciones por parte del público asistente. El premio se compone de 35.000 euros para la distribución de la película en España. Por su parte, hubo una mención especial para Lidice, otra de las producciones más destacadas de este Sevilla Festival de Cine Europeo.
El Premio Eurodoc a la mejor película documental con 15.000 euros de premio para su distribución fue para La Roca, dirigido por Raúl Santos y el jurado concedió una mención especial a Las Constituyentes, dirigido por Oliva Acosta.
La Asociación de Escritores Cinematográficos de Andalucía decidió conceder su premio a El Molino del Tiempo, de Lech Majewski y también una mención especial a Mercado de Futuros, dirigida por Mercedes Álvarez.
Tres Veces Veinte Años, de la realizadora Julie Gavras consiguió alzarse con el Premio Jurado Campus concedido por un jurado formado por estudiantes de la Universidad de Sevilla.

[SEFF´11] Crítica Shame; Crónica de una adicción

2011-11-10T00:46:00.001+01:00

8,5/10

Para quitarse el sombrero. Si Hunger, nos dejó boquiabiertos, Shame no iba a ser menos. Steve McQueen sorprendió reinventando el cine moderno con su ópera prima, en Shame vuelve a ofrecer lo mejor de sí mismo y de los actores con los que decide trabajar. Si Hunger fue tachada de minoritaria, McQueen ha hecho una obra más perdurable y mucho menos técnica como lo fue su primera película.
Rozando los límites del pacto visual entre espectador y cineasta, Steve McQueen nos narra la peligrosa historia de un adicto al sexo que sacrifica su integridad y la de sus seres queridos por su peligrosa adicción. Con dos interpretaciones absolutamente imprescindibles del actor alemán Michael Fassbender, premiado en Venecia por su papel, y una sorprendente Carey Mulligan, la cinta se convierte en uno de los platos fuertes y de referencia en la Sección Oficial del Sevilla Festival de Cine Europeo.
Sin duda, a lo largo del metraje encontramos diversas referencias al cine de Steve McQueen. No estamos ante una obra voluble o mutada según las querencias de su productora o las apetencias del director. El cine de McQueen es fuerte, duro, directo, cortante. Sus planos y secuencias de larga duración son seña de identidad en la cinematografía del que ya se ha convertido en uno de los cineastas más respetados del continente y de medio mundo. Ya vimos un plano general corto de 17 minutos de duración sin interrupción alguna en Hunger y, en esta ocasión, admiramos una conversación en un restaurante que alcanza los diez minutos así como un travelling por una calle de Nueva York, usado como un rítmico elemento narrativo, que puede llegar a durar tres minutos sin interrupción, salto de eje o cambio de plano.
La película es dura, muy dura y con escenas que revolverán las conciencias más puristas y conservadoras que harán que terminemos por amar u odiar a Michael Fassbender, cuyo papel en la película se ha convertido en uno de los más destacados del año a falta de ver todos los que tenemos pendientes. Por otro lado, la hasta hace poco debutante Carey Mulligan se atreve con el que posiblemente sea el mejor papel de toda su corta carrera. Sin duda, McQueen le ha dado un bautismo de fuego a la joven intérprete con un rol decisivo para el desarrollo del metraje y que, en cierto momento de la trama, provocará un juego con el espectador que terminará por alimentar la complicidad entre el director y los espectadores.
Las referencias a otra película que también levantó ampollas en su época, Eyes Wide Shut, son evidentes. Salvando las distancias, estamos ante una adicción muy complicada de superar y con un desgaste físico y mental absolutamente brutal. Dos vidas acaban por casi destrozarse en este viaje por la indecencia y el lado más oscuro y enfermo del ser humano. Steve McQueen cuenta lo que nadie en la Historia del Cine se ha atrevido a contar. Sabemos de todo sobre las drogas, el tabaco o el alcohol pero sobre el sexo no se ha mostrado nada. Todo ha sido pudor y sexo gratuito. Sin embargo, en Shame estamos ante una prueba fehaciente de que existen adicciones más allá de las conocidas que resultan tan, o más, corrosivas como las usuales.
Shame deja muy mal cuerpo. Es un cúmulo de imágenes que retratan una realidad tan normal como ver amanecer todos los días. Una realidad que ocurre cerca de nosotros y por la que miles de personas en todo el mundo echan a perder su vida. Shame no está hecha para ser admirada por legiones de adolescentes calenturientas ni por papanatas que van al cine a echar un sueño y luego preguntan como absolutos idiotas de qué iba la película. La última obra de Steve McQueen removerá conciencias y las interpretaciones de Fassbender y Mulligan nos recuerdan que todavía existen buenos actores que no se acartonan ante una cámara de cine y dan lo mejor de sí mismos.

[SEFF´11] Crítica Le Havre; Necesaria fábula sobre la inmigración

2011-11-09T00:30:00.000+01:00

7/10

El director finlandés Aki Kaurismäki parece haberse quitado todos sus topicazos para regalarnos Le Havre, un fabuloso cuento sobre la solidaridad con el extraño, con el inmigrante, con un ser humano en base a nuestra propia naturaleza. Con 4 nominaciones a los premios de la Academia del Cine Europeo, Le Havre se constituye como una de las cintas mejor acogidas de lo que llevamos de Sevilla Festival de Cine Europeo. Hace algún tiempo, meses atrás, algún aficionado furibundo me insultó por una crítica que le había tocado la fibra y, consciente de aquella malintencionada grosería, el tal individuo me remitía a las películas de Kaurismäki porque yo no entendía de cine. Naturalmente, no pude hacer más que reírme y seguir trabajando. Mi gozo se vio completo cuando observé que, en el programa del Festival de Cine Europeo de Sevilla, venía la última película de uno de los narradores más destacados de toda la cinematografía europea.
Confieso no ser un experto en el cine del realizador finlandés pero, para el caso, lo importante es poner en común los elementos que hacen que Le Havre sea uno de los estrenos más calidos que se han celebrado en el marco de este festival sevillano. Los aplausos no se hicieron esperar al término de una fábula en la que se recurre continuamente a la emotividad y a los pensamientos más internos del espectador. La empatía con los personajes hace que Kaurismäki haya logrado contar una historia más allá del uso de las técnicas cinematográficas que, en ocasiones, han conseguido rozar el tedio más absoluto.
Encontramos que la película, algo raro en este tipo de cine europeo, está totalmente basada en el uso de continuos planos medios y primeros planos mientras que la cámara permanece absolutamente inmóvil y no hay juego de ejes proporcionando al metraje un aura de teatralidad que ayuda a comprender las intenciones de Kaurismäki. Le Havre es una película donde los silencios y lo que no se observa a simple vista cuenta mucho más que el propio guión, firmado por el realizador y de una factura intachable, con unos momentos para la risa más sonora y otros para la emoción y el sentimiento más profundo. Kaurismäki ha sabido conjugar los tiempos y no pasarse de listo en ninguno de los 93 minutos que dura la proyección.
Con una fotografía que recuerda a los años 60 (no olvidemos al comisario, homenaje manifiesto al cine de los 70 con ese vestuario), primeros coletazos del cine en color, donde los vestidos, los utensilios, el atrezzo y los decorados conjugaban el uso de los colores primarios, Le Havre nos trae una profunda reflexión sobre la complicada situación de los inmigrantes en tierra extraña y más aún cuando se trata de niños y jóvenes. A lo largo de la película, y gracias a la buena interpretación de André Wilms, descubriremos que el ser humano realmente puede ser bueno por naturaleza y sus actos, estar llenos de buenas intenciones pretendiendo cambiar los diferentes mundos a través de pequeñas cosas.
Le Havre es absolutamente recomendable para pasar una buena tarde de cine en el Sevilla Festival de Cine Europeo. Tal vez no sea la mejor película de Kaurismäki pero consigue que el espectador arranque una sonrisa y empatice con sus personajes mejor que muchos de los pretenciosos proyectos que se han presentado como panacea del cine europeo.

Personajes Ilustres: Viva Zapata!

2011-11-08T00:02:00.000+01:00

7/10

En el dilatado recorrido histórico de la humanidad existe un puñado de personajes que, por su trascendencia en el desarrollo de acontecimientos cruciales y la mitología creada en torno a ellos, justifican el acercamiento del ámbito cinematográfico para su recreación y, por tanto, el surgimiento del género biográfico. El general mexicano Emiliano Zapata es una de esas figuras de incuestionable valor para la historia de un país que aún hoy se siente deudor de su entrega en pos del triunfo de la revolución y su posterior y trágico final.
Curiosamente no fueron los mexicanos los encargardos de rendir un merecido tributo a Zapata en forma de película (aunque hayan realizado algunos intentos fallidos y de cuestionable gusto), sino los norteamericanos, con toda la espectacularidad que los define y un selecto elenco de estrellas de la meca de Hollywood al servicio de un guión del escritor John Steinbeck y la dirección del laureado Elia Kazan, los que mostraron al mundo la historia de un líder campesino que hizo de su vida una constante lucha contra aquellos que arrebataban las tierras a su pueblo. La fascinación suscitada por el personaje iba más allá del simple retrato épico de un combatiente con ideales férreos; enlazaba con la recreación de una época en la que la lucha sin escrúpulos por el poder magnificaba la coherencia y la altura moral de nuestro personaje, quien elevaba sus objetivos de la atmósfera cerrada de traiciones y miserias de los gabinetes gubernamentales.
Quizás por ello Emiliano Zapata haya sido encumbrado por el tiempo como el líder revolucionario más popular y venerado por los mexicanos; por que, ya fuese por su muerte prematura o lo indefectible de su conducta, nunca se dejó corromper por las mieles de la autoridad en la misma medida que el resto de generales coétaneos. Su figura ha resistido a la historia, ha crecido en virtud a un sentido de justicia que únicamente se correspondía con la indignación que le suscitaba la avaricia de los terratenientes y el sufrimiento de los campesinos que, como él, padecían el hambre y la desesperación de los sin tierra. Sus ambiciones no iban más allá de restituir lo que sabía que era de su pueblo desde tiempos inmemoriales, y eso fue precisamente lo que acabó con su vida; su falta de codicia y la fidelidad a sus orígenes lo hicieron un elemento extraño, incómodo, dentro de una cúpula militar que únicamente anhelaba la misma silla dejada vacante por Porfirio Díaz.

La película de Elia Kazan muestra en gran parte el recorrido vital de Zapata en sus episodios capitales, al mismo tiempo que indaga en los terrenos más personales del general, como su matrimonio con Josefa (interpretada por Jean Peters), la relación con su hermano Eufemio o el analfabetismo que arrastra como un lastre con el que ansía acabar. El guión de Steinbeck, al igual que el de la magistral Las uvas de la Ira, posee una solidez clásica, con diálogos incisivos y una narración segmentada en grandes cuadros por el uso eficaz de la elipsis temporal; no obstante, la vaga sensación creada en el espectador una vez finalizado el film es que la vida de Zapata daba para mucho más, que la época revolucionaria mexicana era un excitante cosmos de intrigas políticas del cual la película únicamente da fe de forma colateral, que la historia en sí, con todos sus mitos populares y leyendas, proveía de un material ingente por explotar desaprovechado en parte por la certera pluma de Steinbeck.
Al fin y al cabo, no debemos obviar de que se trata de una película de Hollywood que, además de divulgar la figura de Zapata, debe rendir pleitesía al star system que lo sustenta. Por ejemplo, si bien es cierto que la presencia en pantalla de Marlon Brando es abrumadora, es igualmente comprensible que por sus características físicas no llega a encajar en el personaje de Zapata, a pesar del mostacho de pega que luce como única caracterización. Por el contrario, Anthony Quinn sí llega a convencer como Eufemio (y por tanto claro merecedor del Oscar), al igual que el gran Alan Reed como Pancho Villa. También nos rechina algunas amables referencias de campesinos al sistema ideal de Estados Unidos en un tiempo en el que aún quedaba relativamente cerca la pérdida de la mitad del territorio mexicano a manos de los gringos; lo que muestra escasa veracidad histórica y una clara licencia de los productores para su propio agasajo.
A pesar de ello, nadie duda de que Viva Zapata! es una buena película que nos desvela a uno de los grandes personajes del pasado siglo, traicionado en su muerte y en su recuerdo. México lo homenajea con orgullo, sin embargo, los campesinos de Morelos continúan sin tierras y el pueblo pasa hambre mientras una casta de políticos corruptos continúa saqueando un país tan maravilloso como contradictorio.

[SEFF´11] Melancolía, favorita a los premios de la Academia del Cine Europeo

2011-11-07T00:37:00.001+01:00

Ocho son las nominaciones con las que la última película de Lars Von Trier, Melancolía, compite en la próxima edición de los premios de la Academia del Cine Europeo que se celebrará el próximo 3 de diciembre en Berlín. En un acto celebrado en Sevilla durante la mañana del 6 de noviembre, en el marco del Sevilla Festival de Cine Europeo, se anunciaba que el director danés parte como favorito con el doble de nominaciones que sus máximas competidoras, The Artist, El Discurso del Rey, Le Havre, En Un Mundo Mejor y El Niño de la Bicicleta para alzarse con el trono que este año deja vacío Roman Polanski y su El Escritor.

En la categoría de Mejor Director estarán presentes Susanne Bier por En Un Mundo Mejor, Jean Pierre y Luc Dardenne por El Niño de la Bicicleta, Aki Kaurismaki por Le Havre, Béla Tarr por The Turin Horse y Lars Von Trier por Melancolía. Se ha notado y cuestionado la ausencia del director francés Michel Hazanavicius por la maravillosa The Artist o del cineasta británico Tom Hooper, oscarizado el pasado año por El Discurso del Rey.

Como Mejor Actriz Europea, la EFA ha escogido cinco interpretaciones muy sonadas y destacadas durante el último año. Melancolía obtiene dos nominaciones en esta categoría gracias a los roles de la actriz norteamericana Kirsten Dunst, premiada en Cannes, y Charlotte Gainsbourg. Por otro lado, Cecile de France obtiene una candidatura por El Niño de la Bicicleta así como Nadezhda Markina por Elena y Tilda Swinton por We Need To Talk About Kevin.

En la categoría de Mejor Actor Europeo, encontramos a los dos grandes favoritos de la noche del próximo 3 de diciembre. Colin Firth por El Discurso del Rey y Jean Dujardin por The Artist. El duelo está más que servido. Los otros tres nominados son Michel Piccoli por Habemus Papam, Mikael Persbrandt por En Un Mundo Mejor y André Wilms por Le Havre.

Los cuatro candidatos a alzarse con el máximo galardón en la categoría de Mejor Guión Europeo son los hermanos Dardenne por El Niño de la Bicicleta, Anders Thomas Jensen por En Un Mundo Mejor, Aki Kaurismaki por Le Havre y, convirtiéndose en el gran favorito, Lars Von Trier por su angustiosa visión del Apocalipsis en Melancolía.

El Premio Carlo di Palma a la Cinematografía Europea, lo que viene siendo Mejor Fotografía, se otorgará a Manuel Alberto Claro por Melancolía, Fred Kelemen por The Turin Horse, Guillaume Schiffman por The Artist o Adam Sikora por Essential Killing.

Tres son las nominadas al premio correspondiente al Mejor Montaje Europeo. Tariq Anwar por El Discurso del Rey, Mathilde Bonnefoy por Drei y Molly Malene Stensgaard por Melancolía. España entra en los apartados correspondientes a Mejor Compositor Europeo para Alberto Iglesias por La Piel Que Habito y para la dirección artística de Antxon Gómez por la cinta de Pedro Almodóvar. Las partituras de The Artist, El Discurso del Rey y The Turin Horse también están nominadas a una de las categorías de las que puede salir uno de los próximos favoritos para la entrega de los Premios Oscar.

[SEFF´11] Crítica The Artist, Gracias, cine, por existir

2011-11-06T01:08:00.004+01:00

10/10

¿Por qué amamos el cine? ¿Por qué el séptimo arte es tan parte de nuestras vidas que lo consideramos como un elemento esencial en nuestro devenir cotidiano? ¿Por qué ese amor? ¿Por qué esa pasión? Pues podemos encontrar la respuesta a todas estas preguntas en una película que refleja, parafraseando aquel programa de José Luis Garci, "¡qué grande es el cine".

Mucho ha pasado desde que el cine sonoro cambió las vidas de actores, directores, productores, técnicos, guionistas y demás personal que se necesitaba para poder llevar a los miles de salas de todo el mundo un sistema revolucionario que cambió las formas y manuales de rodar una producción fílmica. Han pasado más de 90 años desde que El Cantor de Jazz, considerada como la primera película sonora, hiciera ver que existía una modernidad más allá del cine sin palabra hablada.

The Artist reúne un manual de uso del lenguaje audiovisual realmente imprescindible para todo amante del cine, mudo y sonoro. Resulta espectacular contemplar los 100 minutos de metraje mientras nuestros ojos no pueden despegarse de la pantalla a la espera de saber qué es lo que ocurre en la siguiente secuencia. The Artist es mucho más que cine. La nueva película de Michel Hazanavicius es una dedicatoria, una declaración de amor al Séptimo Arte que nos hace partícipes a los espectadores de lo maravilloso que es ver una película muda aún habiendo pasado casi un siglo desde que se realizó la última de ellas y las pocas palabras que se necesitan para expresar toda clase de sentimientos.

Paradójicamente, nos enfrentamos en pleno siglo XXI a una cinta que ahonda en la llegada de una tecnología que no es el 3D, ni el IMAX ni nada por el estilo. Nos enfrentamos a la base de nuestro cine, al sonido, a la palabra hablada. Al fin de la carrera de muchas de las estrellas de la época. Quizá, por ello, los que todavía nos mantenemos rezagados ante la inminente llegada de las tres dimensiones, hemos hallado en la cinta de Hazanavicius un hálito de esperanza que nos recuerda de donde viene el cine de verdad, el que amamos y con el que hemos desarrollado nuestro amor a tantas obras fílmicas a lo largo de años de Historia.

Sorprende también que estamos ante una película muda que refleja la llegada del sonoro. A través de secuencias absolutamente maravillosas, The Artist nos repasa un periodo comprendido entre 1927 y 1932, entre las últimas películas mudas y las primeras sonoras donde las estrellas emergentes que bailaban y dictaban sus diálogos conseguían lo impensable, superar a figuras como Charlie Chaplin, Buster Keaton o Harold Lloyd, maestros del cine mudo que no resistieron la llegada del sonoro, el cual truncó sus carreras para siempre.

The Artist contiene unas secuencias que nos recuerdan el ejemplar amor que sentimos por el cine gracias a un equipo de actores curtidos en el cine casi neotecnológico pero que completan unas interpretaciones como jamás se han visto en una gran pantalla en los últimos años. Hazanavicius vuelve a dirigir al increíble Jean Dujardin en una interpretación que quedará como, espero, la mejor de lo que llevamos de 2011. Ambos vuelven por la puerta grande con una dirección arriesgada y brillante así como una interpretación principal digna del mejor Rodolfo Valentino por parte del intérprete que fue premiado como mejor actor en el pasado Festival de Cannes.
Por otro lado, la pantalla se llena de candidez en cuanto aparece Berenice Bejo, una protagonista digna de pertenecer a los mismísimos años 20. Junto a esta pareja, encontramos dos interpretaciones secundarias emotivas y dignas de mención como son las de John Goodman, tiránico productor acorde con los tiempos, y a un James Cromwell a la altura de sus mejores interpretaciones en su prolífica carrera.

Con una banda sonora espectacular compuesta por Ludovic Bource, The Artist es un fiel reflejo de las emociones más profundas del amante del buen cine, de aquel que añora tiempos mejores en un arte que parece condenado a la simpleza, a lo banal y a lo "americano". Francia suele regalar de vez en cuando buenas películas pero, en esta ocasión, lo que nos han regalado ha sido un auténtico homenaje a todos los que nos dedicamos a esto del cine. Ya seamos periodistas, actores, directores, guionistas, músicos o productores, The Artist nos retrata a cada uno de nosotros como parte de la Historia del Cine y nos hace partícipes de un homenaje que no se volverá a repetir convirtiendo a esta obra maestra del cine europeo en algo único y especial digno de recordar durante el resto de nuestra vida.

Crítica Criadas y Señoras; El lado oscuro de América

2011-11-05T00:23:00.002+01:00

7/10

Uno de los personajes centrales de The Help aseveraba al comienzo de la trama que siempre supo que trabajaría toda su vida como criada, al fin y al cabo, su madre y su abuela también lo habían sido. Nadie le había preguntado si deseaba dedicarse a cualquier otra tarea. Sus aspiraciones y anhelos sencillamente no importaban. Había nacido negra en el estado de Mississippi y ese era el único dato trascendental para conocer su destino irrebocable. Como ella, cientos de mujeres de color habían heredado de sus antepasados, los esclavos del sur estadounidense, un modo de vida que no distaba en demasía de las viejas prácticas de los terratenientes blancos, aunque ahora bañado por una ligera pátina de igualdad ficticia y conmiseración impostada que apenas podía ocultar la tiranía de las clases medias emergentes de los barrios residenciales.
La revisión histórica de las miserias domésticas de Estados Unidos siempre ha estado sujeta a un estricto control por parte de la industria de Hollywood. El rol del país como abanderado mundial de los valores democráticos y los derechos humanos no casaba con la auténtica realidad vivida por las minorías étnicas (mayoría en algunas zonas) despojadas de los derechos civiles que la clase política federal pregonaba con soberbia para el resto de países. El racismo era una vergüenza nacional vivida en silencio por aquellos que la padecían en la tierra de las oportunidades, tan flagrante como otros episodios trágicos de la humanidad (el apartheid en Sudáfrica), aunque conocida en menor medida ante la superioridad moral esgrimida por el país en el escenario internacional.
Tate Taylor compone sobre la novela de Kathryn Stockett una bonita película sobre mujeres atrapadas en un ambiente opresivo que desvela algunas de las grandes lacras sociales arrastradas en el sur del país aún en los años 60, momento de eclosión de los movimientos de reivindicación racial que brotaron por todo el territorio ante una situación de exclusión insostenible. La historia se cimienta en torno al personaje de Skeeter, una joven periodista que no acepta la vida predeterminada de las chicas de Jackson (consistente en casarse, tener hijos y mantener una vida social respetable ante los ojos de la comunidad), y que decide indagar en la realidad cotidiana de las criadas negras que cuidan de los hijos de sus patronos y desempeñan todas las tareas del hogar por un mísero sueldo y ante la mirada desdeñosa de las remilgadas señoras. Para escribir su revelador libro de testimonios, deberá ganarse previamente la confianza de las mujeres y romper así la barrera de silencio impuesta por el miedo a ser despedidas de sus trabajos.

La historia es sencilla y se desarrolla con fluidez, alternando los momentos dramáticos con instantes de gran comicidad que alivian el peso de la trama, quizás algo dilatada pero sostenida por un ritmo ameno que logra mantener la atención del espectador hasta el final. Y es que, a pesar de desvelarse en ciertos detalles un tratamiento algo artificioso en la búsqueda de la lágrima fácil, la película logra conmover en virtud a las propias vivencias de las criadas, engarzadas a partir de una narración sin artificios y con un cuestionable gusto por el flashback, aunque eficaz en la descripción emocional de sus personajes.
A ello contribuye el excelente reparto femenino encabezado por la majestuosa Viola Davis, que aporta veracidad y profundidad al personaje de Aibleen, y secundado por la oronda y expresiva Octavia Spencer, la omnipresente Emma Stone (muy pronto la novia del nuevo Spiderman) como la joven periodista a través de la que se filtra cierta cordura en un ambiente demencial, y las señoras Bryce Dallas Howard (sensacional en su rol de maquiavélica ama de casa), Jessica Chastain y las veteranas Sissy Spacek y Allison Janney (qué tiempos en los que encandilaba en cintas como Willow).
Criadas y Señoras tiene los ingredientes imprescindibles para ser la sorpresa del año; una historia atractiva con trasfondo histórico, excelentes interpretaciones y una narración sencilla que mantiene el interés incluso en el espectador más inquieto. La taquilla estadounidense ya la ha respaldado ampliamente y su nombre comienza a sonar en las quinielas de los próximos Oscar, aunque sea en forma de una merecida nominación al mejor guión adaptado. Lo cierto es que la película conmueve y entretiene, algo que no es superfluo en los tiempos que corren.

Crítica Melancolía; Lars Von Trier y la Metafísica

2011-11-04T19:00:00.000+01:00

8/10

El mismo director ha confesado que Melancolía es una película de consumo rápido alejada de cualquier parecido con sus obras maestras, Bailando en la Oscuridad, Dogville o Rompiendo las Olas. De hecho creo que, por esa razón, la película es de un agrado como nunca podremos ver a lo largo de la carrera de este director danés. Mucho ojo, porque no es una película de consumo mayoritario y estamos ante una obra de uno de los máximos exponentes del cine de autor europeo.

Miembro fundador del movimiento cinematográfico Dogma 95, Lars Von Trier ha provocado a la audiencia desde hace veinte años con películas muy particulares que sirven de vía de escape para las depresiones en que cae Von Trier. Desde Europa a esta Melancolía, hemos sido testigos de diferentes retratos de formas de vida tan diversas como los mostrados en Dogville o psicoanálisis demasiado macabros en Anticristo. Este año, la cinta vino precedida de las polémicas declaraciones del director en las que manifestó su apoyo al gobierno de Adolf Hitler durante el Tercer Reich, algo que luego se empeñó en desmentir aunque no pudo evitar ser declarado persona non grata en el Festival de Cannes.
En Melancolía somos testigos del Apocalipsis según Lars Von Trier. Un misterioso planeta está a punto de colisionar contra la Tierra y aniquilar por siempre cualquier resquicio de humanidad y vida. Lo particular de la película es que, quizá para ahorrarnos sufrimiento, conocemos el mismo final desde el primer segundo de la película. Un prólogo muy del estilo del cineasta danés que dejará con los ojos como platos a los amantes del cine de este “rebelde” danés.
Muchos considerarán que Melancolía guarda cierto parecido con El Árbol de la Vida. Y cierto es. Con el trasfondo astronómico de fondo, la muerte se identifica como algo inevitable provocado por algo externo al hombre, contra lo que la ciencia no puede luchar y ante la que hay que resignarse y esperar. Con esta premisa, tenemos una película dividida en dos actos donde ponemos sobre la mesa las interpretaciones de un reparto de altura encabezado por la premiada en Cannes Kirsten Dunst como cabeza visible de este inevitable viaje hacia el Apocalipsis que aunque no termina de apasionar, mantiene en un estado de inquietud realmente terrorífico. Por otro lado, ese reparto incluye unos formidables roles recreados por un reparto de altura que, sabiendo lo poco que paga Lars Von Trier, han decidido trabajar con él. Un gran Kiefer Sutherland, Charlotte Gainsbourg, Charlotte Rampling, John Hurt así como Alexander y Stellan Skarsgaard dibujan un lienzo en el que vemos una boda donde los entresijos familiares pueden más que las alegres sensaciones que pueda transmitir un acontecimiento de esa magnitud. Imperdible este primer acto mientras que el segundo va poco a poco decayendo en ritmo antes de llegar al momento final de la película, cuando los sentimientos tanto de actores como de espectadores se ponen a flor de piel en un fin del mundo nada deseable y recreado con unos efectos especiales sobresalientes que no reflejan en absoluto el bajo presupuesto de la película.
Lars Von Trier contaba que el personaje protagonista estaba pensado para Penélope Cruz. Sin embargo, la actriz española cambió el prestigio de trabajar con Von Trier por un suculento cheque para aparecer tristemente en la cuarta entrega de Piratas del Caribe.
Y es que el prestigio no se busca, se gana.

Crítica Habemus Papam; Ansiedades de un pontífice

2011-11-03T18:30:00.000+01:00

4,5/10

El gran cineasta italiano Nanni Moretti nos presenta una película sobre un pontífice con crisis de ansiedad que le hacen no estar capacitado para asumir el cargo. Un acontecimiento, ficticio por supuesto, que jamás ha ocurrido en toda la historia de la Cristiandad.
Estamos en una época en la que las irregularidades mentales y psíquicas llevan a miles de personas a realizar actos que poco tienen que ver con su concepción de la vida, ya sea material como etérea. Moretti no retrata a la Italia castigada por la crisis económica, sino que postula los valores de la ansiedad y la autoincompetencia a uno de los terrenos más pedregosos de los que podemos hablar.
Desde que San Pedro tomara las riendas de la Iglesia Católica, nadie se había atrevido a hacer lo que el personaje de Michel Piccoli se atreve a llevar a cabo. Dejar plantados a millones de personas en todo el mundo y a miles de feligreses que, atónicos bajo el balcón principal de la Basílica de San Pedro, asisten a como su Sumo Pontífice se echa atrás como un principiante. Contrasta ver las imágenes del nombramiento del cardenal Ratzinger, tan efusivo él en su primera aparición como Papa, con el grito profundo que ahoga al Estado del Vaticano cuando el cardenal electo sufre una crisis de ansiedad que le aparta durante algunos días de sus funciones eclesiásticas.
Nanni Moretti es un director con demasiado estilo como para haber realizado esta historia. Sin embargo, lo que más destaca en ella es precisamente su interpretación. Sus líneas de guión son salvadoras en este mar de falso catolicismo y partidos de voleibol mientras lo contemplamos haciendo de psicoanalista, el cual no comparte ninguno de los preceptos que rigen la contemplativa vida de los cardenales llamados a ser sucesores de San Pedro. En cuanto Moretti y su recia voz, imperdible en versión original, desaparecen de la pantalla la película se desinfla de manera vertiginosa y ni la interpretación del gran Piccoli consigue salvarla de un desastre inevitable.
A pesar de que la historia parecía interesante, Habemus Papam se queda en la fumata que se expulsa a través de la chimenea de la Capilla Sixtina. Una humareda sin apenas sentido en la que se entrecruzan demasiados elementos poco llamativos para un espectador que quiera encontrar la diversión en una sala de cine. Habemus Papam no es un experimento sociológico de su director sino una crítica a todos los postulados de la Iglesia Católica y sus férreas costumbres que, a muchos, les parecerán incluso absurdas.
Retazos de un humor muy italiano pero sin los tópicos a los que nos tienen acostumbrados los transalpinos es lo que nos vamos a encontrar en una película que pasó apenas sin pena ni gloria por la pasada edición del Festival de Cannes. Si quiere usted mi opinión, querido lector, espere al DVD o a que la pasen por televisión, que seguro que se acuerda de estas palabras.

Series de Televisión; Californication

2011-10-30T00:15:00.000+02:00

7'5/10

Padres y madres del mundo, la virginidad de vuestras dulces hijas no estará a salvo mientras sobre la tierra aún queden personajes como Hank Moody. Es mujeriego, charlatán, descarado, algo bebedor e irresistible ante la mirada de cualquier fémina indefensa a la verborrea embaucadora del escritor más descreído de Los Ángeles; sin embargo, más allá de toda esa parafernalia pseudointelectual de galán trasnochado, existe un Hank tierno, fiel (a su manera) y extremadamente sensible a los encantos de la mujer como ser de suprema perfección al que amar de forma irremisible. Y es que más allá de su comprensible predilección por el sexo, Hank Moody encuentra su razón de ser en su entrega consciente al género femenino. No será perfecto, incluso puede que sus eventuales suegros no estén especialmente entusiasmados con tenerlo en la familia, pero al menos es sincero y coherente con su doctrina; "nunca desaproveches una erección".
Como en toda obra de ficción con demasiadas similitudes respecto a la realidad, el espectador siempre duda cuanto de verdad hay en lo que se narra. Es de dominio público que el actor David Duchovny (también productor en la serie) ha protagonizado numerosos escándalos sexuales venteados por la prensa amarillista así como una tormentosa relación con su esposa, la también actriz, Tea Leoni, sin embargo cualquier semejanza con las aventuras y desventuras de su alter ego en la pequeña pantalla deberían quedar en un segundo plano para no mezclar ámbitos tan diferentes por cuestiones de escrúpulos y privacidad. Por ello, disfrutemos sin indagaciones indiscretas de una de las series más transgresoras, bizarras e irreverentes que nos ha regalado la televisión en los últimos años.
Californication nos pone tras la estela de un escritor agraciado por el éxito de su último libro (bochornosamente adaptado a la gran pantalla) que debe enfrentarse a una preocupante crisis de inspiración agravada por la intermitente relación amorosa entablada con su ex mujer de la que aún está enamorado, ahora prometida con un aburrido burgués que lo desprecia. Por si fuera poco, debe ejercer de padre de una pre-adolescente algo particular al mismo tiempo que goza de una intensa vida sexual con un extenso abanico de amantes en un estimulante submundo de alcohol, drogas y rock and roll.

Sin embargo, y a pesar de la crudeza del universo de cartón piedra que se desvela tras las rutilantes bondades de la fama, el bueno de Hank consigue permanecer casi siempre ajeno a las derivas peligrosas que lo rodean acompañado por su fiel escudero y agente Charlie Rankel, un tipo calvo y bajito casado con una pequeña cocainómana con la que atraviesa inverosímiles crisis matrimoniales que incluyen a actrices porno, secretarias lesbianas y antiguas glorias del pop. Y es que Californication no es una serie de televisión convencional, sino una febril sucesión de episodios demenciales aderezados por escenas de alto voltaje, diálogos de una mordacidad descacharrante y un cierto toque nostálgico que enlaza con la existencia incompleta de Moody cuando se encuentra lejos de Karen.
Puede que muchos perciban un mensaje erróneo y crean que la serie versa sobre las andanzas sexuales de un mujeriego empedernido, pendenciero y escéptico, no obstante, el auténtico amor siempre permanece más allá de infidelidades y juergas en la forma de un vacío irremplazable y nunca superado. La relación entre Hank y Karen es la que verdaderamente vertebra la trama de la serie, la que le da sentido y cuya indeterminación prolonga la acción hasta un final que previsiblemente no tardará en llegar (la quinta y quizás última temporada llegará a comienzos de año). Aunque pueda parecer descabellado (y ciertamente lo es a tenor de lo que acontece en algunos capítulos), Californication es un canto al amor verdadero, el único susceptible de dotar de la felicidad imprescindible al ser humano.
Sea como fuere, la serie provee de horas de diversión, reflexiones de medianoche y situaciones rocambolescas en torno a uno de los protagonistas más irresistibles que ha dado la pequeña pantalla. La complicidad que se alcanza con las diatribas existenciales y amorosas de Hank Moody es tal que el espectador logra comprender y empatizar con sus acciones a pesar de no compartirlas. Finalmente, el personaje se nos antoja entrañable, auténtico; un pobre diablo desgraciado y solitario que necesita tener sexo con cientos de mujeres para acallar su imperioso deseo de estar con la única mujer que verdaderamente ama.

La Otra Crítica; El Árbol de la Vida

2011-10-29T00:15:00.000+02:00

5/10

Cualquier foro público sin debate está condenado irremediablemente al aburrimiento. Por ello desde los inicios de este blog apostamos por aportar diferentes visiones a una realidad tan heterogénea como el cine. En virtud a esta idea, hoy aportamos un nuevo enfoque a una de las películas del año.

El arte es una materia voluble que muta de acuerdo a los particulares procesos de decodificación del que interpreta la obra. Es en ese preciso instante cuando dicha obra adquiere un valor en virtud a un nuevo desarrollo creativo por parte del espectador. El problema reside en que esta relación de inspiración compartida es extramadamente sensible y puede verse truncada por multitud de factores. Uno de ellos, quizás el más importante, es la percepción acerca del propio creador y de los planteamientos sobre los que cimienta su obra. En este caso concreto y desde un enfoque totalmente subjetivo, el contrato ficticio de credulidad entre obra (la película) y espectador (es decir, un servidor), se quiebra por el carácter pretencioso de un director cuya megalomanía lo ha empujado a condensar en algo más de 120 minutos un retrato lírico y pretendidamente filosófico de la dualidad entre lo divino y lo humano.
Simplemente, no me lo creo. En la actualidad, miles de genios pululan por salones de arte, foros literarios y festivales de cine ante la admiración de seguidores rendidos por aquello que dicen comprender, en un confuso grupo de charlatanes, vendedores de teorías baratas y algún que otro iluminado. Yo no dudo de la sabiduría de Terrence Malick, únicamente pongo en cuestión su falta de humildad a la hora de plantear un producto cinematográfico. Resulta injustificable que nos presente un dilatado (aunque hermoso) recorrido por la conformación del universo y la vida como si pretendiese elevar su obra a la categoría de tratado filosófico del mundo moderno, en lugar de narrar una historia que ilustre los grandes temas de su pensamiento.
El prólogo de El árbol de la Vida posee un valor plástico evidente, sin embargo su falta coherencia dentro del discurso fílmico es irritante e innecesaria. Malick ha decidido componer un poema visual de gran belleza en detrimento de confeccionar una auténtica película; opta por fogonazos de inspiración, encuadres audaces y una misteriosa voz en off que aporta sentencias rotundas y deshilvanadas, antes que desarrollar una trama lógica (sin tener que obedecer a un rígido esquema introducción-nudo-desenlace) a través de la que exponer unas ideas, por otro lado, fundamentales en la reflexión de la condición humana.
El Árbol de la Vida es excesiva, inabarcable en su compleja argumentación de la imperfección del ser humano. El autor nos emplaza al cruce de caminos entre la bondad, la virtud, lo divino y la tempestuosa naturaleza de nuestra condición imcompleta a través de la figura de un joven atrapado entre dos patrones fundamentales representados por sus padres, que lo sumerge en una confusión de tintes freudianos a partir de un tardío complejo de Edipo autoimpuesto. Al fin y al cabo, el odio del chico hacia su severo padre no es más que la reacción hacia su propio instinto incontrolable que lo acerca a él; sendos caminos, el de la naturaleza y la virtud, se debaten en su interior, afloran en manifestaciones contradictorias, pero el ineluctable final se va desvelando paulatinamente; Jack se percata de que la maldad de su padre es la suya propia, de que por mucho que combata contra su propia naturaleza el resultado será el mismo, por ello se llega a odiar con la misma vehemencia e incluso el suicidio se le antoja tan tentador como el asesinato.

En contraposición a ello, emerge la figura de su hermano, un ser sensible y creativo que sigue el camino de su madre, del que no puede dejar de sentir envidia en la misma medida que Caín la sintió de Abel ante la preferencia de Dios. Sin embargo, tal y como predicaba el pastor de la Iglesia, los buenos no están a salvo del mal, su virtud no es suficiente para evitar el sufrimiento; la muerte de su hermano simboliza el carácter dual de una divinidad a la vez amable y vengativa difícil de justificar en su aleatorio proceder. Al final de la cinta, las voces se entremezclan y vuelve a emerger con poderosa fuerza la de la madre, que termina por aceptar la muerte de su hijo y con ella la imperfección sustancial del género humano.
El trasfondo ideológico-espiritual de la película de Malick es innegable, sin embargo es tratado, a mi parecer, de forma errónea, lastrado por la pretendida genialiadad de su realizador, más atento a su vertiente estética que a la más puramente reflexiva. De hecho, la belleza visual de la cinta es extraordinaria, así como su banda sonora y las propias interpretaciones de Brad Pitt y Hunter McCracken (es una lástima que Sean Penn aparezca totalmente desubicado por la insidiosa tijera de Malick en la sala de montaje). Por ello, no me voy a alinear ni en las filas de los detractores más furibundos ni en la de los entusiastas aduladores del ermitaño director (creador, entre otras, de la notable La delgada línea roja y la insufrible El Nuevo Mundo), sino que intentaré posicionarme en un término medio que me permita discernir (con el tiempo) si estamos ante una verdadera obra maestra o una burla de dimensiones gigantescas. Hasta ahora, El Árbol de la Vida es una rareza que ha avivado el debate cinematográfico, algo que siempre es bienvenido en estos tiempos de versiones oficiales y escasos disensos.

Cómics de Cine; El binomio de Iron Man

2011-10-28T00:05:00.000+02:00

Iron Man: 6,5/10

Iron Man 2: 4/10

Un creador que, a priori, parece innovador como Jon Favreau adaptó uno de los cómics más conocidos y representativos de la factoría Marvel. El resultado fueron dos películas totalmente distinas unas de otras, con guiones situados en las antípodas con respecto una de la otra pero con un denominador común, un Robert Downey Jr. que recuperó su status en el cine suponiéndole su triunfal regreso al Séptimo Arte.

Si en la primera película, el superhéroe se presentaba ante el gran público de una manera chulesca, a los ojos de un millonario prácticamente sin escrúpulos, con una mansión espectacular y una herencia, propiedad de su padre Howard Stark (al que vemos en Capitán América: El Primer Vengador), en la secuela se pierde todo el encanto que adquirió el ritmo vertiginoso que impone una obra de unas características como Iron Man.

DC Comics tiene su buque insignia en Batman y Superman mientras que las últimas adaptaciones al cine de los cómics de Marvel han llevado a que identifiquemos la factoría tanto con el alter-ego de Steve Rogers como con el millonario Tony Stark.

Ni Los Cuatro Fantásticos ni Daredevil. Tampoco Thor ni tan siquiera la exitosa trilogía de X-Men. Marvel Studios encuentra su sitio en la gran pantalla con estos dos superhéroes, posiblemente los más carismáticos de la editora.

En Iron Man el espectador tiene la continua sensación de que no le están tomando por idiota y eso es algo que suma muchos puntos tanto a su equipo técnico como al artístico. Hay veces que, por la simple razón de tratarse de adaptaciones de superhéroes, se permiten licencias que rozan el ridículo. El ritmo ágil y las interpretaciones de Downey Jr, Paltrow, Terrence Howard y Jeff Bridges son mucho más que buenas dotando a la película de una intensidad justa a lo que Stan Lee y su equipo transmitieron en los cómics.

No es que Jon Favreau sepa hacer películas pero, por lo menos, lo intenta con ganas y en ocasiones se salen productos bastante aceptables que destacan entre el mar de insulseces que pueblan las carteleras actuales.

Sin embargo, y haciendo honor a aquella frase que rezaba "segundas partes nunca fueron buenas", la secuela no tiene absolutamente nada que ver con la original. Downey Jr. pierde frescura por momentos aunque sustenta con bastante decencia el peso de una película que no le hace justicia ni a él ni a su personaje. Tony Stark anda perdido mientras podemos confundirnos entre la plaga de personajes que asolan la película. Para empezar, el cambio de actor entre Terrence Howard y Don Cheadle. Lo siento, pero el protagonista de Hotel Rwanda no sirve para una película de superhéroes. Es como si pones a Ben Kingsley para interpretar a Robin en la próxima película de Batman. Scarlett Johansson y Samuel L. Jackson aportan lo que pueden al desarrollo de Iron Man 2 pero sin excederse.

Sólo espero que para Los Vengadores Joss Whedon sepa dar el tiempo y las acciones que se merecen a tanto superhéroe. También pido lo mismo para el encargado de llevar al cine la tercera película de Iron Man. Recordemos siempre que un superhéroe no merece la misma humillación que sufrió Bruce Wayne.

Bueno, quizá Daredevil...

Crítica Hunger; La moralidad del suicidio

2011-10-27T01:15:00.001+02:00

9/10

Una de las obras más desgarradoras de nuestro tiempo. Así es como puedo calificar esta ópera prima de uno de los realizadores más prometedores que han surgido en muchos años en el panorama cinematográfico mundial. Hunger demuestra qué es saber hacer cine y contar una historia sin necesidad de caer en los reiterativos tópicos a los que ya estamos más que acostumbrados.

Es de justicia reconocer que poseo una especial debilidad por todo lo que tiene que ver con el conflicto que protagonizó durante décadas el IRA por la necesidad de crear un gobierno independiente para Irlanda fuera del control británico. Aquellas películas que tienen como trasfondo la encarnizada lucha de convicciones de ambos bandos, en ocasiones, han llegado a helarme las entrañas.

Si bien uno de los referentes en este cine fue la mítica En El Nombre del Padre, hemos encontrado la horma de nuestro zapato al descubrir Hunger. En ella, y contada de una manera muy particular que analizaremos a continuación, no existen héroes, ni conflictos políticos manifiestos. No hay grandes actores interpretando a políticos ni hay bombas, explosiones ni violencia más allá de la que su director, Steve McQueen, consideró oportuna reflejar.

Bobby Sands fue un preso que murió de inanición en una huelga de hambre que él mismo inició en la prisión de Maze. Corre el año 1981 y, mientras Margaret Thatcher domina con brazo de hierro toda la Commonwealth, el IRA se ve reforzado tras el fallecimiento de uno de los mártires de la lucha armada contra el poderoso imperio británico. Hunger es un recordatorio, ya que no debemos considerarlo como biopic, a la figura de uno de los líderes del movimiento irlandés a través de los ojos de un director debutante y de la interpretación, soberbia y ejemplar, de uno de los actores más importantes del cine europeo actual, Michael Fassbender.

Hunger contiene secuencias intensas, sobrecogedoras y muy duras. Estamos ante la fría realidad de una de las prisiones más temidas de la Irlanda de principios de los 80. Celdas donde los presos hacen su vida entre la más absoluta inmundicia y son tratados por los oficiales como animales. Violencia extrema en los pasillos de la prisión manifestando la brutalidad con la que eran y son tratados decenas de presos con decenas de convicciones políticas, sociales y culturales.

No hemos de caer en el tedio cuando contemplemos una secuencia de tres minutos de duración en la que vemos a un oficial limpiando de orines todo un pasillo donde, a cada lado, se encuentran las celdas de algunos de los presos más representativos de la lucha armada de finales de los 70 en Irlanda. Sin duda, son planos magistrales que muestran el profundo conocimiento del estilo cinematográfico de McQueen y, buena prueba de ello, es el impresionante plano general corto de 17 minutos de duración ininterrumpida en el que observamos una discusión sobre lo moral o inmoral que resulta el suicidio entre nuestro protagonista, dispuesto a comenzar una huelga de hambre implique lo que implique, y un sacerdote católico, a quien los fieles no le prestan excesivo caso en sus homilias. Esta escena, donde la cámara permanece inmóvil dándonos una sensación de teatralidad constante, sustituye la necesidad de un contexto previo al comenzar el metraje y aporta el conocimiento necesario al espectador para enfrentarse ante la realidad a la que se sometió Bobby Sands y las causas de porqué ha llegado a pensar de ese modo.

Hunger es una tragedia en tres actos, donde en el primero de ellos se muestra la violencia carcelaria más directa, áspera y brutal. En un segundo acto, se produce el plano de 17 minutos anteriormente mencionado que nos lleva directamente a las escenas más impactantes de la película. Un tercer acto en que Michael Fassbender se somete a un proceso de adelgazamiento ejemplar que ilustra, aunque no para estómagos sensibles y mentes cerradas, el doloroso proceso de la inanición. Un suicidio que convierte a Bobby Sands en un mártir de la causa irlandesa, aquella por la que el IRA asesinó durante décadas a miles de inocentes y que finalmente se resolvió con los Acuerdos de Viernes Santo firmados en 1998.

Hunger es todo lo que debería ser una película en nuestros días. Nadie ha reinventado el cine como lo ha hecho Steve McQueen. El uso de la tipología de planos, los silencios, la duración de las secuencias son algunos de los puntos fuertes de una cinta que perdurará en la retina del espectador durante mucho, mucho tiempo.

Películas para Dos Vidas; Cadena Perpetua

2011-10-24T19:23:00.000+02:00

La esperanza es el sentimiento que define con mayor autenticidad al ser humano. Ese impulso inconsciente que nos emplaza a una realidad inalcanzable para alimentar un espíritu que tiende obstinadamente hacia la felicidad. Cuando ya no quedan asideros a los que aferrarse ni futuros a los que aspirar, allí surge la ilusoria certidumbre de una vida mejor como el último y natural argumento para permanecer en un mundo hostil y sombrío. Y es que, en tiempos difíciles, por triste y desalentor que pueda parecer, la esperanza en lo único que le queda a los hombres.
Andy Dufresne no se resignó al suicidio o a la indiferencia vital a la que lo empujaba la atmósfera opresiva de la cárcel de Shawshank. Y razones tenía para ello, atrapado entre violentos sodomitas y oficiales sin escrúpulos. La esperanza y la certeza de su inocencia lo salvaron de un infierno inclemente que afrontó con la paciencia del que aún cree en el futuro, aunque fuese sin memoria, en una lejana playa mexicana frente al Pacífico. Ziguatanejo no era sólo un sueño, una lejana utopía, sino la serena convicción que lo alejaba de la locura y la desesperanza.
En ocasiones, la libertad, más allá de vastos espacios abiertos, se encuentra en la mente. La Canzonetta sull'aria de Las Bodas de Fígaro que hace atronar Andy en cada rincón de la cárcel a pesar de las previsibles represalias, no era más que una demostración de una libertad espiritual conquistada que le hacía confiar, como si un estímulo imprescindible se tratase, en su propio propósito oculto. Tras esa libérrima maniobra abruptamente sofocada llegaría el castigo, el destierro a la oscuridad, pero para ese momento, Andy ya había conseguido lo que necesitaba, apenas una señal de esperanza.
Cadena Perpetua no ha sido encumbrada por la mayor parte de listas internacionales como una de las mejores (o más populares) películas de la historia del cine por ser un simple drama carcelario. La película de Frank Darabont, por aquel entonces un desconocido que adaptaba una novela del prolífico Stephen King, buceaba con sorprendente acierto por algunos de los temas clásicos en torno a la reflexión del ser humano, como la redención, el sentimiento de culpa, la amistad o el optimismo, a partir de una narración brillantemente engarzada por el personaje de Red, quien a través de una voz en off comedida, tierna y con un cierto toque a viejo narrador de cuentos, desgranaba los diferentes cuadros de la historia de forma fluida, sin apenas desvelar las recurrentes elípsis temporales insertas en la misma, y conjugando de forma magistral los momentos líricos con la contundencia de la vida carcelaria.

Y es que, independientemente del impacto que la película pudiese provocar en el espectador, algo cargado de una subjetividad evidente, es un hecho incuestionable que Cadena Perpetua es puro cine en virtud a una serie de elementos consustanciales a cualquier obra cinematográfica digna de aprecio; una historia atractiva rematada por un final sorprendente, una interpretaciones memorables a cargo de Tim Robbins y Morgan Freeman y una dirección elegante sin grandes aspavientos 'artísticos'. Poco más se puede exigir a una cinta que, con el paso del tiempo, ha devenido en un auténtico manual de cómo hacer cine para toda clase de público sin por ello traicionar los principios de coherencia o calidad exigibles a todo producto cultural.
La historia de Andy Dufresne, un hombre acusado injustamente de asesinar a su mujer y al amante con el que le engañaba, y por ello condenado a cadena perpetua de la cual cumple dos décadas antes de "arrastrase por un río de mierda", tal y como narra su entrañable amigo Red, te cautiva paulatinamente con la sencillez de un buen libro y la secreta complicidad del gran cine. El debate permanecerá abierto hasta el fin de nuestros días; Forrest Gump, Cadena Perpetua o Pulp Fiction, una terna que bien merecía un Oscar colectivo.

Crítica Margin Call; Los orígenes de la crisis

2011-10-22T12:22:00.001+02:00

6,5/10

Hoy se estrena Margin Call, una película que podría pasar desapercibida sino fuera por el increíble reclamo que ofrece su reparto. Kevin Spacey, Jeremy Irons, Zachary Quinto o Simon Baker son algunos de los intérpretes que participan en esta historia basada en hechos reales y por la que, quizás, podamos encontrar alguna explicación a la dependencia tiránica al todopoderoso dinero. La película no pretende adoctrinar acerca de lo qué debemos o no hacer ante la crisis que está azotando al planeta. Simplemente se nos ponen sobre la mesa una serie de hechos que justifican las indignas acciones de algunos tiburones de las finanzas cuyo único interés es comprar y vender para intentar inflar de mala manera sus cuentas bancarias a costa de miles y miles de trabajadores.
Como metraje, Margin Call resulta algo menos interesante que su precedente directo, el documental Inside Job, pero demuestra la insolvencia moral que poseen los empresarios a la hora de ponerse al frente de una crisis económica. Los presidentes de las empresas justifican sus pocos escrúpulos inventandose acciones basadas en la intervención de las acciones de sus empresas, actos en los que inevitablemente siempre van a terminar por ganar ellos.
Hablamos de una película excelentemente interpretada, en los límites de la corrección. Kevin Spacey, interpreta a un jefe agobiado y en el umbral de dos mundos, el que le hace prestar atención al componente humano de la empresa que dirige mientras se muestra contrapuesto a las obligadas funciones como dirigente a la hora de hacer frente a una crisis que puede dar al traste con su vida tal y como la conoce. Paul Bettany, Zachary Quinto y el desafortunado Stanley Tucci, quien representa a los millones de personas que han sido despojadas de su trabajo sin más explicación que la que ofrecen unas simpáticas empleadas de las empresas encargadas de despedir empleados alegremente que tan de moda se han puesto en Estados Unidos, aquellas que tan bien representó George Clooney en la gran Up in the Air. Da miedo saber que estamos en manos de empresarios con tan poco tacto como el que representa Jeremy Irons o gerentes como Simon Baker, que tan amable como resulta en El Mentalista, le da un giro a su trayectoria para traernos un personaje extremadamente frío y calculador. Por no hablar de Demi Moore, que regresa al cine dando vida a una gestora un tanto descolgada de las acciones que se están llevando a cabo en la empresa para intentar salvarla del naufragio inminente al que se enfrentan.
Pese a sus intentos por traer una buena historia, se nota la flojera de su director. Un J.C. Chandor que nota su inexperiencia en el cine pero que resuelve con diligencia una película que se le podía haber complicado mucho. Y es que no es fácil trabajar con ese reparto tan plagado de grandes actores y controlar tantas pretensiones. Sin embargo, a Chandor le ha salido una trama interesante que reúne algunos buenos elementos del cine económico sin pretender dar presuntuosas lecciones al espectador.

Crítica Mientras Duermes; Mirarás debajo de la cama

2011-10-21T13:00:00.000+02:00

7,5/10

El pasado viernes se estrenó la última película de Luis Tosar, Mientras Duermes, un ejercicio de suspense realmente destacable que hará que más de uno no vuelva a casa tan seguro de haber cerrado la puerta con llave. Dirige uno de nuestros directores más respetados, Jaume Balagueró, que con Marta Etura y Alberto San Juan forman un equipo de excepción. El cine español está cambiando. Y lo hace desde su propia base, desde los pilares que sujetan los manuales de los diferentes géneros que se han cultivado en decenas de años de cinematografía. Los guionistas, actores, directores, músicos o productores han evolucionado hasta marcar nuevas cotas dentro del cine patrio.
Buena prueba de esa evolución es esta Mientras Duermes, una película dirigida por Jaume Balagueró que muestra una de las grandes historias de suspense que el cine español ha visto en muchos años. Quizá no llegue al nivel técnico de otras obras maestras de la presente temporada en España pero tiene una cosa que, a lo mejor, no poseen otras películas. Hablamos de una cierta complicidad con el espectador, una implicación agradecida, una confabulación premeditada para que vivamos la trama con la misma intensidad con la que los actores realizan sus papeles.
Balagueró es experto en este tipo de relación con el espectador. En REC ya lo demostró, haciéndonos partícipes de una historia que, aunque no tenía nada que ver con nosotros, nos afectaba de la manera en que éramos espectadores de la película y del programa de televisión con el que Manuela Velasco hizo el reportaje más tenebroso de su carrera.
Mientras Duermes es una película de terror hipnótica, al igual que la interpretación de su actor protagonista. Un Luis Tosar que, le pese a quien le pese, es el mejor actor español que trabaja en nuestro país. Ver actuar a Tosar es todo un orgullo que hace que nos planteemos la utilidad de la caterva de seres que pueblan nuestro cine, que apenas saben articular palabra, y que son adorados como ídolos de oro, cuando no están hechos ni de barro.
Con un pulso narrativo extraordinario, Balagueró narra una historia que no nos dejará indiferentes. La historia de un bloque de pisos, visto a través de los ojos de su conserje, un psicópata con el rostro de Tosar que proporciona la suficiente tensión al espectador como para encogerse en el asiento ante la crudeza de alguna secuencia específica de la película. Mientras Duermes posee la riqueza narrativa de las grandes películas del terror europeo. No hay efectos especiales ni sexo explícito. Estamos cambiando en España y lo hacemos desde nuestra propia base. Si antes teníamos un cine harto de pechos femeninos, orgías, jamones y toros, ahora tenemos un cine inmerso en el panorama fílmico mundial. Se respira tensión desde el primer minuto de metraje. La película es fría, oscura, tenebrosa. El espectador termina su visionado con un vacío en el estómago fruto de una serie de acontecimientos que harán cambiar el curso de la trama y que provocarán que nuestro vacío vaya in crescendo. Incluso habrá alguien que llegue a su casa y tenga que mirar por todos los rincones de la casa asegurándose que no exista peligro alguno antes de rendirse a la fase REM.
Mucho ojo con las tres interpretaciones principales. Un Luis Tosar excelso en su papel, una Marta Etura cumpliendo con su responsabilidad en el metraje de manera formidable y una niña, una Iris Almeida chantajista y manipuladora que será la única piedra de toque de nuestro perturbado protagonista.
Hay que ir a ver Mientras Duermes. Hay que contemplar el verdadero cine español en sus nuevos tiempos. Podemos sentirnos orgullosos del nivel que vamos adquiriendo poco a poco. Cada vez es más necesario desterrar a personajes como Vicente Aranda o Bigas Luna, algunos de los artífices de los complejos que llevamos arrastrando en nuestro cine desde hace décadas.
Señores, el cine español está resucitando. Sintámonos orgullosos de ello y aprovechemos el momento.

Cómics de Cine; Thor

2011-10-20T21:47:00.001+02:00

4,5/10

Vi Thor después de disfrutar como un niño con Capitán América: El Primer Vengador. Es indudable la capacidad de Marvel para llevar a sus héroes al cine pero en esta ocasión el héroe nórdico se pierde en un mar de efectos visuales que distraen la atención más que reflejar la historia de uno de los personajes más carismáticos de la franquicia de Stan Lee.
Cuesta creer que un director curtido en el teatro, máximo exponente del teatro shakesperiano moderno, como Kenneth Brannagh se haya ofrecido a dirigir esta aventura que poco tiene que ver con su carrera. Sin embargo, son muy notorios y loables los intentos por salvar una producción irregular que cuenta con un protagonista muy interesante desde el punto de vista dramático pero que ha sido recreado por un actor muy limitado como es Chris Hemsworth.
A Thor le falta algo, algo que la convierta por lo menos en interesante. A lo mejor no tiene la chispa que tenían, por ejemplo, las adaptaciones de Iron Man donde los efectos visuales se sumaban a la profunda capacidad de Robert Downey Jr. de comerse una cámara de cine. Aquí me sobran la mitad de los personajes, utilizados en un batiburrillo que no tiene el más mínimo interés más que el transcurso de las dos horas largas de metraje.
Es cierto que puede resultar interesante ver como el futuro dios del trueno, Thor, desciende a la Tierra y se encuentra con unos pasmados Stellan Skasgaard y Natalie Portman, que inmediatamente parecen asumir la condición fantástica del héroe en cuestión. O ni siquiera le hacen ni caso. Demasiados efectos especiales nublan la vista tanto de los protagonistas como del espectador, que se ve inmerso en un espectáculo de luces y color mientras el héroe del martillo se pasea por medio Universo.
No puedo decir que Thor sea uno de mis superhéroes preferidos pero es que la película de Kenneth Brannagh tampoco le hace justicia. Tal vez sea por la increíble insulsez que demuestra el esposo de nuestra Elsa Pataky o tal vez por un guión que no resume con toda la diligencia que debe una de las más fantásticas historias de superhéroes jamás contadas.

Thor es uno de los fundadores de Los Vengadores. Y así lo recoge la película que veremos el año próximo en nuestros cines. Una aventura que reúne a la mayor parte de los superhéroes míticos de Marvel y que hará las delicias de los nostálgicos de la juventud de Stan Lee y sus compañeros en la editora.

Cómics de Cine; Capitán América: El Primer Vengador

2011-10-19T00:02:00.000+02:00

7/10

Hacía muchos años que el Capitán América dejaba de recorrer los siete mares en busca de los nazis que quisieron adueñarse de Europa y medio mundo. A pesar de los muchos intentos frustrados en forma de series de televisión y telefilms bastante mediocres, el superhéroe por excelencia de la Segunda Guerra Mundial volvía en este 2011 a nuestras pantallas.
Y lo hacía de la mano del director Joe Johnston, un especialista en cine palomitero que sin ser uno de los más destacados realizadores de su generación, ha sabido encontrar un punto más que interesante a los cómics de este héroe de la factoría Marvel. Con una película más que decente que supera con crecer a muchos “musculitos” que existen todavía en las salas de cine, el Capitán América ha demostrado que sigue con fuerza a pesar de que no estemos ante una trama que le haga justicia.
Sin embargo, Capitán América: El Primer Vengador es un entretenimiento de los más divertidos de este año. Posee una historia simple de malos y buenos donde el malo es tan malo que hasta no tiene cara (aunque sepamos que se la pone el siempre excelente Hugo Weaving) y los buenos son tan buenos que tienen hasta un programa militar secreto que fabrica superhéroes. Y el afortunado en esta ocasión ha sido Chris Evans, un actor algo desconocido que ya se ha hecho un hueco entre el olimpo de los legendarios superhéroes con una película que hará las delicias de los nostálgicos de aquellos cómics y de las nuevas generaciones, aquellas que crecimos atemporalmente con aquellas historias en las que el Capitán América le pateaba los cuartos traseros al mismísimo Adolf Hitler.
Johnston nos presenta una trama simple, sin complicaciones. Algo para digerir y disfrutar, relajarse y olvidarse de los problemas del mundo. Asistimos a la historia de un joven que desea alistarse en el Ejército y que tiene asma, es muy delgado y apenas se le ve cuando pasea por las calles. Es entonces cuando, entre Tommy Lee Jones y Stanley Tucci, lo convierten en un forzudo soldado que luchará por América en contra de la barbarie nazi, a través de la mirada de Red Skull, el clásico villano de las historias del Capitán América.
A pesar de guardar muchas similitudes con el cómic original, este superhéroe viene modernizado por los nuevos tiempos. Sin embargo, el pulso de Joe Johnston detrás de la cámara revierte esa modernidad hacia los años 40, llevándonos hasta decorados propios de la época y haciéndonos sentir como verdaderos espectadores disfrutando del mejor cine comercial, que de vez en cuando viene bien. Es toda una satisfacción ver una película sin salir de la sala con la sensación de que te han tomado el pelo. Capitán América: El Primer Vengador es una cinta con mucho ritmo, buenas actuaciones y mucha justicia hacia uno de los superhéroes clave de la historia del siglo XX.
Con unos créditos finales que reúnen y adaptan la mejor propaganda belicista de los Estados Unidos en épocas de la Segunda Guerra Mundial, Capitán América se despide dejando una profunda huella en las mentes de aquellos que crecimos con una figura de acción del héroe encima de la cama que ahora no es más que una profunda nostalgia, sean abuelos, padres o niños. El Capitán América siempre será un héroe inmortal y gracias a Joe Johnson y Chris Evans, hemos vuelto a recordar cómo se las gastaba el capitán Steve Rogers.
Mucha, muchísima acción y emociones fuertes para una de las películas más destacadas de este año que nos sirve para inaugurar en este blog una nueva sección dedicada exclusivamente a los superhéroes que han pasado del cómic al cine. Así nos vamos preparando para lo que nos llega el próximo año, bien el desenlace de El Caballero Oscuro, bien la esperadísima Los Vengadores, donde media factoría Marvel luchará en consonancia porque todos vivamos en paz y armonía.

Crítica Contagio; No volverás a dar la mano a nadie...

2011-10-17T16:12:00.002+02:00

6,5/10

Steven Soderbergh vuelve a traernos una película que deja sensaciones amargas en el espectador. Contagio es real como la vida misma y quizás por esa razón, volveremos a replantearnos el trato con las personas después de ver esta película, preestrenada en la pasada edición del Festival de Cine de Venecia. Hasta ahora, y como veremos en el próximo reportaje sobre películas relacionadas con la expansión de virus, convirtiéndose en peligrosas epidemias, todas aquellas cintas que reflejaban este tipo de género catastrofista utilizaban el miedo como arma para luchar contra una serie de monstruos o seres que derivan de la nula curación del virus del que han sido previamente infectados. En Contagio todo eso desaparece para narrarnos una historia acerca de la transmisión de esas peligrosas bacterias que terminan por mermar la capacidad física y psíquica del ser humano hasta llevarle hasta la más absoluta de las muertes.
Contagio es una película muy bien contada pero ahí se queda. Parece más un panfleto orquestado por algún gobierno preocupado más que una película. El sentido del espectáculo de Steven Soderbergh es mucho pero en esta película lo limita de tal manera, y muy bien buscado, al miedo que despiertan en el espectador un hilo de banda sonora y unas secuencias donde parte del reparto comienza a sentir los primeros síntomas del virus mortal. Sin embargo, y con el paso de los minutos, puede terminar por volverse monótona.
Es una película directa, sin concesiones. No hay zombies ni armas. Sólo personas de la vida diaria que se enfrentan al mayor de los miedos, una epidemia que se ha desatado a base de demostrar los comportamientos humanos. Apretones de manos, besos, abrazos, roces, beber de cualquier vaso en el bar o respirar delante de alguien. Todo eso incide en un final, a priori, previsible.
Steven Soderbergh viene de dirigir proyectos demasiado distintos unos de otros. Solaris, la trilogía de Ocean´s o, por ejemplo, El Soplón son muestras del cine de uno de los directores más prolíficos de los últimos veinte años. Su relación profesional con George Clooney proporcionó una productora, Section Eight, que dio algunos títulos muy destacados. Sin embargo, Soderbergh se enfrenta a esta epidemia con uno de los repartos corales más significativos del último año. Matt Damon, Kate Winslet, Jude Law, Gwyneth Paltrow, Laurence Fishburne, Marion Cotillard o Bryan Cranston son algunos de los nombres que sostienen esta trama donde el método científico cobra más fuerza que la simple lucha contra el virus. Aquí se explican métodos de transmisión, no hay un presidente al que quieren salvar a toda costa incluso poniendo en peligro la vida de miles de ciudadanos sino que hay doctores o médicos que explican paso a paso el proceso que sigue el virus antes de diezmar a toda una población. Aquí hay fosas comunes donde se entierran, y en ocasiones, se incineran, a los enfermos que acaban de morir. Hay secuencias duras y muy reales que deberemos tener en cuenta si, por lo que sea, una terrible pandemia asola nuestras vidas.
Soderbergh nos explica el miedo, en ocasiones de una forma que puede resultar algo tediosa. Sin embargo, la originalidad de Contagio radica precisamente en eso. En que se molesta en explicarnos qué sucede día a día y no se pierde en subtramas absurdas. Encontramos un ritmo progresivamente ágil proporcionando al espectador la sensación de angustia y patetismo que desea ver en una película de estas catastróficas dimensiones.

Crítica Another Year: La soledad era esto

2011-10-12T01:52:00.000+02:00

8/10

El sufrimiento humano como cotidianeidad. Ningún cineasta ha logrado tanta fidelidad en la recreación de microcosmos dramáticos familiares como el británico Mike Leigh. Su ingenio en la construcción de diálogos aparentemente intrascendentes teñidos de una vaga melancolía y concebidos a partir de un hiperrealismo sin tapujos, posibilita que el espectador se interne en los vórtices subterraneos del sentir humano apenas sin percatarse de la profundidad a la que accede a través de una sosegada narración únicamente alterada por instantes de auténtica intensidad dramática.
Un estilo inconfundible que ha labrado pacientemente a lo largo de su dilatada carrera tras las cámaras, alcanzando cotas de inusitada brillantez en obras como la laureada Secretos y Mentiras, un desgarrador fresco acerca de las complejas relaciones en el seno de una familia un tanto disfuncional que se desarrolla con un ritmo parsimonioso hasta confluir en el clímax final, cuando todas aquellas verdades ocultas por los años y el miedo se desatan como una súbita tormenta de repercusiones imprevisibles. Y es que los personajes del cine de Leigh parecen estar perpetuamente condenados a vivir a sólo un vacilante paso del abismo, en la frontera que divide la pertinencia de una vida relativamente feliz, y la existencia fútil de aquel cuya soledad apenas le permite divisar el camino.
Una soledad que arroja al individuo a un patetismo que se extiende como una abrumadora mancha con los años, acrecentando el temor a permanecer excluído del resto y fortaleciendo un sentimiento de compasión ajena que finalmente se difumina con el tiempo. Mary, el personaje sobre el cual gira la trama principal de una historia dividida por las cuatro estaciones de un mismo año en un evidente ejercicio simbólico del inmovilismo al que se ve abocada la existencia humana (es, como sugiere el título, tan sólo un año más en una larga y fallida consecución de días y meses), debe afrontar una grave crisis de identidad apoyándose en la amistad de un matrimonio maduro que le provee de la complicidad necesaria para desvelar el profundo vacío emocional que ella misma ha intentado enmascarar con valores ya caducos.

Y es que la juventud que un día atesoró, y con ella la belleza y la impetuosidad del espíritu, desaparecieron dejando tan sólo el rastro de las oportunidades perdidas y la pesadumbre por la soledad. Ahora, se percata de la fragilidad del tiempo, de la necesidad de tener alguien a su lado por el simple placer de conversar, del desarraigo de aquella a quien nadie pertenece. No obstante, el engaño no cesa; por ello Mary se encapricha de un hombre mucho más jóven que ella en un desesperado intento de enmendar los érrores que cometió sin apenas calibrar sus posibilidades y las consecuencias que su imprudente fantasía puede acarrear en su maltrecha autoestima así como en el círculo íntimo donde busca cobijo.
El espectador asiste en un puñado de escenas colmadas de significado al proceso de autodestrucción de Mary, canalizado narrativamente por la plácida convivencia del matrimonio, el cual ejerce a modo de anfitrión de los acontecimientos acaecidos en la trama. Ellos soportan el peso discursivo de la película y dotan de coherencia a los cuatro cuadros descriptivos del conjunto, enlazados por una sutil sensación de reiteración en lo que concierne al personaje de Mary. A su alrededor, hay muerte y vida, amor y tristeza, se presencia una evolución palpable en el resto de personajes, sin embargo, al final, su situación parece ser la del punto de partida.
Apoyado por una fotografía de una belleza insuperable focalizada en los bucólicos parajes agrestes de los alrededores de Londres, Mike Leigh imparte una valiosa lección de elegancia cinematográfica plagada de planos sostenidos, fundidos a negro y diálogos de una fluidez al alcance de muy pocos autores. Por si fuera poco, la interpretación de Lesley Manville (también en otras películas del director como Todo o nada) logra proveer una autenticidad mayor aún al desarrollo de la historia, convenientemente complementada por la genialidad de Jim Broadbent, la placidez de Ruth Seen o la anecdótica intervención de la gran Imelda Staunton. El resultado es una película conmovedora que se instala con vehemencia tanto en la mente como en el espíritu valiéndose únicamente de la palabra y del noble arte del que hacen gala sus actores

Crítica Crazy, Stupid, Love; El regreso de la mejor comedia americana

2011-10-10T00:00:00.000+02:00

7,5/10

Posiblemente estemos asistiendo a la mejor comedia americana del año. Me alegra mucho, y lo promulgo a los cuatro vientos, haber encontrado una cinta de este género afín con mis peticiones en el complicado mundo de la comedia norteamericana actual. Lejos parece quedar el paradigma de este siglo XXI, Resacón en Las Vegas, aunque Crazy, Stupid, Love no tenga absolutamente nada que ver. Quizás ahí radique su encanto. Tendemos a elevar a los altares a la comedia que triunfó hace algunos años en la que un grupo de hombres iban a celebrar una despedida de soltero a Las Vegas y volvían con una serie de consecuencias a cual más hilarante. Aquello dio una vuelta de tuerca al género cómico americano. Sin embargo, tanto su secuela como toda la legión de chorradas que han ido saliendo desde aquel año no han hecho más que denostar por completo a la gloriosa comedia americana que nació y triunfó de la mano de Spencer Tracy y Katharine Hepburn o Cary Grant y James Stewart o Jack Lemmon y Walther Matthau en la época clásica o, por el contrario, y con más actualidad a las paradigmáticas películas de, por ejemplo, Julia Roberts.
Si cintas como Bad Teacher, Con Derecho a Roce, Resacón 2 o La Boda de Mi Mejor Amiga representan lo peor de la comedia americana del último semestre, con Crazy, Stupid, Love encontraremos una suerte de redención a la que asistiremos más que encantados. La película de Glenn Ficarra y John Requa no busca mediante el uso del lenguaje vulgar, socialmente aceptado, para encontrar el éxito. Se buscan situaciones reales donde los maridos engañados tenemos la cara de Steve Carell, las mujeres infieles poseen el rostro de Julianne Moore o los auténticos ligones poseemos las facciones de un Ryan Gosling realmente sorprendente. Con secuencias plagadas de diversión y risas, esta película apuesta por una buena radiografía de nuestra condición amorosa jugando con las formas de hablar, de vestir, de ligar, la filosofía de vida, el trabajo, los niños y el sexo.
Crazy, Stupid, Love visita las mejores muestras de amor y desamor del ser humano para conjugarlas y relacionarlas unas con otras. Diálogos mordaces, sinceros inundan el metraje mientras asistimos a unas buenas lecciones de interpretaciones de buena comedia americana llevadas a la praxis por el gran Steve Carell (al que recordamos por Virgen a los 40 o Noche Loca, por no hablar de su magnífico papel en la serie The Office), Julianne Moore, Ryan Gosling (en una interpretación que baila entre el mejor Will Smith en Hitch y el más seductor George Clooney), Emma Stone, Marisa Tomei o Kevin Bacon, en unos papeles muy circunstanciales pero no por ello menos importantes para el desarrollo de la trama. En Crazy, Stupid, Love nos podremos ver identificados en cualquiera de los personajes. Nuestra evolución psicológica con respecto al amor encuentra su sino en la interpretación de los protagonistas, los cuales adaptan al cine la realidad del día a día de millones de personas y sus complicadas relaciones con el sentimiento más hermoso del ser humano: el amor, algo tan loco como estúpido pero tremendamente necesario para sobrevivir. Las personas, en ocasiones, nos enamoramos de quien no debemos y eso nos lleva a comportarnos de una manera que no demuestra en absoluto nuestra verdadera forma de ser. Adolescentes se confunden con adultos, mujeres, hombres y viceversa (parafraseando el título de aquel infame programa de Telecinco, que me perdone el lector). Por si fuera poco y para delicia de los morbosos, encontramos una incidental y casual referencia al recientemente fallecido Steve Jobs, al que se recuerda por sus zapatillas de deporte y su vestimenta característica en las presentaciones de los productos de Apple.
Alguien dijo, en referencia al resultado final de la película, que es una de esas que se olvidan cuando llegan las grandes entregas de premios. Yo, después de ver Crazy, Stupid, Love, confío en el buen criterio de aquellas mentes lúcidas de las grandes academias del cine para que la buena comedia americana vuelva a tener su trono en la cinematografía y se consiga invertir más en este tipo de obras más que en aquellas cuyo único objetivo es animalizar a cien personas en una sala de cine y convertirnos en seres más salidos que el pico de una plancha.

Crítica Son of Babylon; Guerras sin sentido, muertes sin sentido

2011-10-09T21:29:00.002+02:00

7,5/10

Ganadora del Giraldillo de Oro en la pasada edición del Festival de Cine de Sevilla debido a la amplia participación europea en el proyecto, Son of Babylon se ha convertido en un auténtico retrato de la situación que se vive en el Irak posterior a la dictadura de Saddam Hussein destinada a mentes preparadas para descubrir verdades muy turbadoras. Con el propósito de encontrar a su padre, un niño y su abuela se enfrentan a un viaje seco, árido y polvoriento por las carreteras de Irak. A lo largo de este viaje, donde podemos observar una magnífica evolución física y psicológica de sus personajes, ambos van a descubrir la triste realidad de su país, una nación devastada por la guerra donde los mismos pueblos autóctonos se enfrentan continuamente entre ellos y, por si fuera poco, con los soldados americanos, presentes en la zona desde el comienzo de la invasión.
Bagdad o Nasiriyah son las ciudades por las que esta abuela y su nieto irán descubriendo las maldades de una época que no parece corresponderles. Pobreza, miseria, guerra, tragedia, muerte son palabras que parecen conjugarse a la perfección en este veraz retrato de un país que parece perdido y sin rumbo tras la caída del dictador y la llegada del incierto gobierno provisional.
Con secuencias de una emotividad extrema, su director Mohamed Al Daradji ha dado en la tecla al transmitir a todo el mundo la realidad que sólo conocemos por centenares de medios de comunicación controlados por la otra parte del conflicto, unos Estados Unidos que no muestran al pueblo, sino a sus soldados luchando por esa “libertad duradera” que tanto proclaman. Ciudades humeantes por las que los protagonistas caminan con paso firme con la vista puesta en su objetivo. Esta road-movie quizás es una de las mejores muestras de este género que hemos visto en muchos años por su simpleza de planteamiento pero su complejidad a la hora de fotografíar una época histórica, una guerra, una sociedad y la devastación de la maldad humana así como las relaciones con este ambiente que perpetúan en la hora y media de metraje sus dos excelsos protagonistas.
La crudeza con la que el director asoma al espectador a la tristeza que supone llegar a tener que enfrentarse a búsqueda de seres queridos en fosas comunes, donde se echan a decenas de personas sin identificar y sin respetar su dignidad, es asombrosa. A pesar de lo sobrecogedor que resulta el hecho de reconocer lo duro que es sospechar que algún familiar yace perdido de la mano de Dios (o en este caso, Alá) contrasta con la pena de darse cuenta de que cada uno de los muertos encontrados en esas fosas tienen familiares detrás inmersos en la misma búsqueda, con los mismos traumas emocionales y pendientes de que se haga justicia, de alguna de las maneras posibles que el ser humano ha desarrollado a lo largo de su existencia.

Crítica Somewhere; El lírico retrato de la nada

2011-10-05T19:50:00.000+02:00

5,5/10

A tenor de su breve aunque próspera carrera como realizadora, Sofia Coppola ha demostrado poseer una cierta habilidad para retratar la soledad del ser humano en sus cuantiosas variables. Si en su sugerente ópera prima, Las Vírgenes Suicidas, abordaba la atmósfera opresiva de una familia puritana de los 70 y la tragedia desencadenada por el aislamiento al que eran sometidas las cinco hermosas hermanas; en Lost in Translation, esa auténcia joya contemporánea, unía los destinos de dos viajeros náufragos en Tokio acosados por sendas crisis existenciales de diferente signo, una sobrevenida por la madurez y la gloria marchita, y otra por la incertidumbre de una vida aún por cimentar. Incluso en esa singular ópera rock decimonónica llamada María Antonieta, la hija del mítico director ahondaba en el desamparo de una joven reina que añoraba su lejano hogar.
En su cuarto largometraje, Coppola reincide en esta temática a partir de la vacua existencia de un actor de cine de éxito internacional con una evidente incapacidad para sentir algo más que el tedio rutinario al que le aboca una vida impersonal, carente de verdaderas emociones. Y es que ni siquiera su hija pre-adolescente, entregada por una velada admiración hacia su padre ausente, puede despojarlo del sopor vital en el que se encuentra inmerso y que le impide ejercer de padre ante la imperiosa necesidad de protección de la chica, a su vez abandonada por una madre egoísta. Es como si su espíritu hubiese huido tiempo atrás de su cuerpo, el cual sigue funcionando sin entusiasmo, ya sea bebiendo en soledad, conduciendo un coche de lujo a toda velocidad por circuitos desiertos, o contemplando con desgana a chicas desnudándose para él.
La cámara de Coppola se filtra en la monotonía enervante de Johnny Marco como un objeto inerte más en el escenario vacio de su indolente existencia, compuesta por una uniforme habitación de hotel y eventuales actos promocionales donde es agasajado con el fervor del que él mismo adolece. No hay nada más, tan sólo un ambiente asfixiante de aburrimiento, de planos interminables y miradas hacia el infinito.

La fidelidad de Somewhere a su propio propósito de retratar una vida vacía y rutinaria es tal que la película llega a producir las mismas sensaciones que la mera contemplación de su personaje principal. Ese cierto lirismo estático característico de la obra de la directora se erige aquí como un aliciente más para una narración soporífera que deja quizás demasiada responsabilidad al espectador a la hora de contextualizar y dar valor a la historia mostrada en pantalla. Un insólito hiperrealismo en el que sólo puede hallarse un ápice de emoción a través del empeño consciente en el proceso de interpretación, una tarea un tanto cansina y poco recomendable para aquellos que carezcan de un mínimo de paciencia o interés.
Aún así, el jurado del pasado Festival de Venecia, encabezado por Quentin Tarantino, pudo apreciar la poesía oculta de la cinta y le concedió un León de Oro discutible al que podría buscarse una justificación peregrina relacionada con la producción de Medusa Films, división cinematográfica del imperio mediático del primer ministro italiano Silvio Berlusconi.
Más allá de vinculaciones políticas, es un hecho incontestable que Sofia Coppola posee un talento evidente para filmar historias pequeñas con una gran sensibilidad, como ya lo demostrara con la antes citada Lost in Translation. Es una lástima, no obstante, que en Somewhere su énfasis en la contemplación impida ver más allá en la vida de un actor eficazmente interpretado por el decadente Stephen Dorff y la relación con su hija, a la que da vida una talentosa Elle Fanning.

Crítica Larry Crowne; El Hanks-actor salva al Hanks-director

2011-09-30T19:36:00.000+02:00

6/10

La silla del director continúa siendo un simbólico objeto de poderosa atracción para muchos actores consagrados de Hollywood. El significativo paso entre los decorados y el concurrido espectáculo de bastidores detrás de las cámaras no sólo se identifica con un mero cambio de roles en el proceso creativo de una obra cinematográfica, sino con todo un universo de ambiciones en busca de la legitimidad artística, o bien por el simple monopolio de los beneficios. En la historia del cine contemporáneo, buena parte de los intérpretes con cierta prevalencia en la industria han experimentado la emoción de proferir el mítico ¡acción! ante un nutrido equipo de técnicos y artístas (algunos incluso a ellos mismos), aunque, eso sí, con suerte dispar. La fama de muchos actores se ha llegado a asimilar a su propio reconocimiento como realizadores; es el caso de Mel Gibson, Kevin Costner, Clint Eastwood o Robert Redford. Otros, por el contrario, pusieron fin a una carrera mediocre delante de las cámaras para triunfar tras ellas, como Ron Howard, Sydney Pollack, Jon Favreau (en la vertiente más comercial) e incluso Ben Affleck (ampliamente elogiado por sus dos primeras cintas).
No obstante, la tendencia general es que la gloria obtenida a través de interpretaciones memorables constituya una losa demasiado pesada para ser desplazada por un reconocimiento alternativo. Al Pacino, Sean Penn Jodie Foster, Ben Stiller, Ed Harris, Anthony Hopkins, Kevin Spacey, Tim Robbins y hasta George Clooney (el caso, quizás, más honroso), han dirigido alguna vez en su carrera una o más peliculas con resultados desiguales; pero la sensación común es que nunca han dejado de ser actores, que su empeño por aportar algo diferente al cine no ha alterado su papel dentro de él.
Toda esta retrospectiva en torno a las difusas fronteras creativas en el mundo del cine, viene al hilo de un caso paradigmático del último grupo descrito. Y es que Tom Hanks, ese portentoso actor de cintas como Forrest Gump, Philadelfia o Náufrago, presenta su segunda película tras las cámaras después de The Wonders (1996), un film que tuvo la misma repercusión en la carrera del intérprete que la que promete esta Larry Crowne, es decir, nula. Es muy digno que las personas experimenten situaciones a las que no suelen estar acostumbrados, pero el peligro a ser incomprendidos o directamente despazados por la crítica ante una evidente falta de oficio siempre es una amenaza latente. De poco vale que te rodees de una sempiterna estrella de la comedia romántica como es Julia Roberts y de un atractivo elenco de secundarios encabezado por Bryan Cranston; pues si no tienes nada que contar (o lo narras sin pulso y con una acusada falta de pasión) el resultado será tan solo una mancha en un brillante expediente que corrobore la necesaria separación entre actores y realizadores.

Larry Crowne narra la historia de un veterano vendedor de un centro comercial que es despedido súbitamente por una reestructuración interna y debido a su falta de estudios universitarios. Acosado por las deudas y por una comprensible crisis existencial, Larry decide inscribirse en un curso universitario de discurso informal (supongo que los estadounidenses sabrán qué significa esto) y de economía, donde, además de hallar la solución a sus problemas más inmediatos, conocerá a una atractiva profesora algo malhumorada que terminará por cambiarle la vida.
Es cierto que el desarrollo de los acontecimientos de la película no tiene coherencia alguna, sino que obedece a un cúmulo de circunstancias yuxtapuestas teñidas de una complacencia evidente; sin embargo, sorprende advertir que llega a funcionar como un simple entretenimiento inofensivo a través del que disfrutar del talento cómico (ya algo difuminado por los años y las operaciones) de Tom Hanks. Y es que es curioso cómo la torpeza del Hanks-director llega a ser compensada por el encanto y la ternura del Hanks-actor, salvando a la película del más absoluto y previsible desastre.
Debo reconocer que siempre he sentido cierta debilidad por la vis cómica del actor de Big, Esta casa es una ruina o La Terminal, progresivamente dilapidada por sus incursiones en el género dramático (y comercial en los últimos años), por lo que cualquier recuerdo de un pasado mejor es siempre bienvenido. Larry Crowne es una película sin pretensiones, con una estructura bastante simple y sin grandes alardes histriónicos; pero la ternura de su personaje principal se contagia con facilidad y termina por conquistar la mirada escéptica del espectador más exigente.

Cine en la Otra Orilla; Alamar (México)

2011-09-26T20:08:00.000+02:00

8/10

La belleza abisal del mar posee un extraño poder de atracción para el ser humano. La monotonía ondulante de su superficie, en ocasiones desatada súbitamente por un motor invisible, mágico, es apenas un hipnótico preámbulo del insondable universo que guarda en su interior, más allá de los terrenales rayos del sol, más allá de la inclemencia del mundo aéreo. Y como en el alma del hombre, es preciso bucear hasta lo más hondo, hacia la oscuridad incierta, para hallar su auténtico esplendor, el que permanece oculto, como una perfecta metáfora simbólica, aguardando a ser descubierta.
La película del mexicano Pedro González-Rubio bien podría ser concebida como un sugestivo viaje a la hermosa realidad del mar y sus gentes, una humilde muestra de la naturaleza simbiótica mantenida entre ambos en lo más recóndito del arrecife de coral caribeño, donde la intemporalidad de la vida nos arroja a un estado de instantaneidad perpetua. Allí, los escasos pescadores que duermen cada noche sobre palafitos practican rutinariamente las técnicas de pesca que sus antepasados les legaron como única herencia, un modo de vida en el que la conexión con el mar es mucho más que una tarea de subsistencia.
El espectador asiste a la aventura iniciática del joven Natan, un niño de cinco años criado en Roma que acude a Banco Chinchorro para pasar una temporada con su padre, un pescador local que mantuvo una relación amorosa con una italiana truncada finalmente por el carácter antagónico de sus culturas y necesidades vitales. En el breve preámbulo narrado en voz en off, se argumenta con magistral sencillez la génesis y desarrollo de una historia abocada a la incomprensión, únicamente salvada por ese vigoroso vínculo suscitado con el nacimiento del niño.
Ante los ojos de Natan desfilan una amalgama de sonidos, colores y texturas nunca antes experimentados; el vaivén insidioso del mar, el sabor del pescado fresco, la frugalidad de la vida del lugar, la excitante sensación del aprendizaje de lo desconocido. Y sobre todo, la relación con el padre, el respeto y la admiración hacia aquel que, a través del cariño y la protección, descubre ante ti las maravillas ocultas de la vida, como un precursor de todas aquellas experiencias que aún quedan por advertir en el futuro.

La película de González-Rubio focaliza toda su acción en la mirada contemplativa de la rutina; una mirada sosegada, como un mar en calma, que bucea en los hermosos detalles que componen el majestuoso fresco marítimo retratado por la cámara con una belleza plástica insuperable. Cada encuadre de la trama parece obedecer a una clara intencionalidad artístitica, como si el director hubiese deseado engarzar instantáneas fotográficas en un discurso fílmico pausado e irradiado por el carácter oceánico del paisaje. Una delicia visual para disfrutar con el ánimo tranquilo y la mente despejada, para dejarte contagiar por ese espíritu de conquista continua de la naturaleza que nos rodea, en la batalla diaria por la supervivencia, en lo esencialmente humano que aún detentamos en nuestro interior más recóndito.
Alamar es una rara avis en el cine mexicano contemporáneo, contaminado justificadamente por la violencia que inunda el orden social del país en un ejercicio de crónica histórica necesaria de cualquier forma. Una película que muestra que existe algo más que dolor y pesar en un pais definido por sus contrastes. La belleza de sus paisajes continúa tan vívida que por momentos todo se olvida en favor de la más deleitable contemplación, al más pura conexión con la naturaleza.

Crítica Frida: El pincel de la angustia reprimida

2011-09-22T03:34:00.001+02:00

7/10

En ocasiones el cine tiene la extraña cualidad de arrojar luz allí donde las sombras siempre ocultaron la grandeza de hechos históricos olvidados, manifestaciones culturales imprescindibles, o personajes inmortales de vidas apasionadas. La materia de la que está confeccionada la fama y la gloria es tan escurridiza como la propia voluntad de aquellos que la sustentan. Y una película puede erigirse como ese leve soplo que contribuye a forjar el mito que durante su presente permaneció en el más absoluto silencio.
La pintora y pensadora mexicana Frida Khalo tuvo que asistir postrada en su cama a la primera exposición que su país brindaba a una obra conocida en el resto del mundo, en 1953, a tan sólo un año de su muerte. Ni la enfermedad adherida a su existencia, ni el desánimo ante un final prematuro y, de algun modo, liberador tras años de obstinado sufrimiento, pudo contener el deseo irredento de la pintora de ver sus lienzos en los muros de la Galería de Arte Contemporáneo de Ciudad de México, entre los suyos, agasajada por última vez como un acto de justicia final para una de las creadoras más importante de un país en el que la violencia parecía ahogar su floreciente cultura.
El nombre de Frida Khalo ha estado relacionado durante mucho tiempo con el exotismo de su figura artística. Los coloridos vestidos de influencias prehispánicas que portaba con cierto orgullo de raza, su talante público extrovertido y espontáneo, su reconocible rostro ajeno a los estándares de la belleza femenina, su agitada vida social o incluso el surrealismo estridente de sus cuadros, propiciaron que su verdadera naturaleza, su nutrido mundo interior de pesares y pasiones quedara oculto, inexplorado para el gran público, como si todo su ingenio y lucidez fueran sólo la paleta impresionista de una artísta mucho más profunda y trascendente a la que era necesario observar desde la distancia justa para apreciar la angustia y el frenesí de su pincelada.

En 2002, el empeño de la actriz mexicana Salma Hayek logró volver a poner en boga el nombre de Frida a partir de una película realizada en Hollywood y con una amplia distribución internacional, que pretendía ahondar en los aspectos fundamentales de la accidentada existencia de la pintora a modo de fresco vital apresurado; el prematuro contacto con la enfermedad, su talento pictórico primitivo, el trágico accidente que con 18 años la postró durante largo tiempo en una silla de ruedas, el tormentoso romance vivido con el afamado muralista Diego Rivera, el aborto de su hijo, su floreciente carrera como pintora o el agravamiento de sus dolencias en sus últimos años de vida.
La película bucea en la existencia dual de Frida, en esa perpetua confrontación entre la tristeza a la que era abocada sin remisión y la felicidad que hallaba en su pertinaz ánimo de soñadora empedernida. La vida le golpeaba una y otra vez, pero la alegría brotaba con insólita obstinación entre los parajes más aciagos de su destino. Incluso el amor fiel profesado a su alma gemela, a Diego, le devolvía el amargo sabor de la traición, en una relación de luces y sombras, de infidelidades y devociones, de un cariño natural y espontáneo aglutinado por el arte y el talento que los unió. Y qué mejor forma de expresarlo que a través de la arquitectura, de ese estudio de trabajo compartido en el barrio de San Ángel compuesto por dos edificios diseñados por Juan O'Gorman y comunicados por una pasarela que significaba mucho más que su mera funcionalidad.

Hoy día la Ciudad de México se siente orgullosa de su emblemática artista. La Casa Azul, allí donde Frida pasó buena parte de su vida y más tarde convertida en museo a modo de tributo al pueblo mexicano, luce con el mismo esplendor que encandilara a tantos artistas y pensadores que gozaron de la compañía de sus inquilinos, desde André Breton hasta León Trotsky. Sus hermosos jardines se encuentran salpicados por la extensa colección de figuras de arte prehispánico que el matrimonio coleccionó en vida, así como las frases que ambos se dedicaron inspirados por un amor pasional y un cariño eterno. Frida parece estar viva en cada uno de sus cuadros, en los tristes autorretratos que ofrendó a su remendado cuerpo.
La película de Julie Taymor se inscribe en el encorsetado género biográfico al cual debe su propio argumento, aunque salpicado por las pinceladas de fantasía a las que el espíritu de la pintora incita o por la hermosa banda sonora (incluída la participación de Chavela Vargas) que acompaña a los desgarrados episodios de su vida. Salma Hayek realiza un trabajo excelente que secunda un correcto Alfred Molina en virtud a un parecido físico evidente con Diego Rivera, así como una larga serie de secundarios de renombre; Geoffrey Rush, Antonio Banderas, Ashley Judd o Mia Maestro; hasta componer una estimulante crónica vital de un personaje capital en la historia del arte universal.
En cada rincón de Coyoacán, el barrio donde nació y murió, todavía resuenan los bellos versos que Frida consagró a su maltrecho aunque recio espíritu; "Pies para qué los quiero si tengo alas pa' volar".